R & ampB的前身出現在40年代的美國黑人區。
在那個時候，沒有多少人能負擔得起豐富多彩的娛樂活動。喜愛音樂的黑人喜歡在晚飯後聚集在街上，用口琴等簡單的樂器演奏音樂，表達他們對生活、工作和離家的感受。這就發展出了b的前身blues-R。
隨著錄音帶的發明和越來越多小型電臺的出現，布魯斯音樂開始跳出黑人圈子，在芝加哥流行起來。不知道是不是因為藍調音樂講的太久了，樂迷渴望聽到節奏感強、節奏明快、內容不太悲傷的藍調歌曲。
音樂家們適應大眾口味的變化，在作品中加入了鋼琴、鼓、性主義和當時的超新技術——電吉他，讓觀眾隨著這種節奏強烈的藍調新流派起舞，成就了經典的“節奏控訴”。
清新的節奏
重要的研發；二十世紀五六十年代；音樂家包括雷·查爾斯、露絲·布朗和流浪者。聽完他們的經典作品，我們會發現R & amp；b音樂，比如周傑倫，宇多田，就很不壹樣。但就音樂元素而言，還是有很多相似之處的。最突出的部分是節奏部分。
大部分r & amp；b作品以4拍為壹段，12為壹段。與傳統的白人流行音樂不同的是，節奏抱怨強調壹段中的第二拍和第四拍，這是壹種非常清新的節奏效果。
音質多變。
無論是歌唱的音色還是樂器，都會有很大的變化。
音質是聲音的“質感”。當我們聽到《泥巴》的時候，會覺得許誌安唱的很悲傷；木童子笛的聲音常常給我們壹種很活潑的感覺。這就是不同歌曲和樂器的音質效果。
At R & amp在B的作品中，比如周傑倫的《鬥牛》或者《貴婦人》，我們很容易發現，無論是從音樂還是聲音上，開篇段落和副歌部分都有明顯的區別對待。
歌唱部分和器樂部分經常互相呼應——在R&中；在歌曲B中，當演唱者唱出某些聲音時，音樂部分或副歌演唱者會反復播放/演唱那些聲音，就像“提問和回答問題”或使其聽起來像回聲壹樣。
R & amp另壹個特點是壹些短語和句子會重復很多次。就像《龍卷風》裏連續不斷的“我不，我不，我不”，就是壹個很明顯的例子。
熱浪席卷全球
R & amp20世紀50年代；b能給美國的白人青年帶來震撼。除了節奏感強之外，歌詞的坦率直接也是主要原因之壹。
受不同音樂類型、市場、技術和文化的影響，今天的R & ampb已經從過去的街頭黑人音樂發展成為風靡全球的音樂，在英國、美國、歐洲和亞洲占據了主要的銷售排行榜。
R & ampB的影響不僅僅局限於音樂，我們的時尚文化、口頭生活態度、行為舉止也都因R & B音樂而發生了壹些變化。嘿夥計！鴨嘴帽，拉屎褲，包的辮子頭，相信妳我都不會陌生！就是這樣，R &；b已經成為很多黑人，紅人，黃人，白人互相認識，互相欣賞對方文化的渠道！
嘻哈音樂
嘻哈翻譯成嘻哈，說唱翻譯成說唱。這兩個概念是不同的。Hip-Hop其實不是壹個音樂術語，而是壹個文化術語，包括說唱、塗鴉、街舞、DJ打碟。說唱起源於20世紀60年代，而嘻哈作為壹種音樂理解，起源於70年代初。它的前身是RAP(有時候帶壹點R(B))。
從字面上看，Hip-hop就是Hip，Hop就是Hop，合在壹起就是Hip-waking。最初是指萌芽階段的嘻哈(也就是我們以前說的霹靂舞)，後來逐漸發展成壹個龐大的概念——我們現在說的嘻哈文化也包括那些寬松的衣服，沈重的純金飾品，還有“YoYo？”怎麽了？“口頭習慣——簡而言之，就是美國貧困街區黑人的生活方式和他們的“風格”。
嘻哈的起源可以用壹個字“窮”來概括。為什麽壹定要穿大壹號的？除了方便鍛煉，這種大碼衣服的好處還在於可以多穿幾年；為什麽會有塗鴉？這個東西最早是街區幫派之間劃分勢力範圍的標誌，後來越來越精美精致，發展成為民間藝術；為什麽會有街舞？因為他們去不起舞廳，而當時種族歧視的問題依然存在，他們有錢也未必能在白色舞廳玩得開心；為什麽純嘻哈作品以黑和臟話為主？因為這些街頭黑青年沒有未來和希望，所以恨的比愛的多得多。
全球在這裏又冷又熱。
雖然嘻哈文化在90年代末才在我們身邊興起，但其實早在80年代，嘻哈風就從美國開始，席卷了整個西方世界。從65438到0986，包括野獸男孩、LL Cool J、公敵和Run DMC在內的Def Jam唱片公司旗下藝人的“Def Jam巡演”引發了全球嘻哈熱潮。90年代，出現了無數的Hip-Hop如Dr.Dre的幫派說唱，吹牛老爹(吹牛老爹)Hip-Hop的流行，梅西·埃麗奧特的說唱皇後。他們逐漸使這種民間音樂成為主流音樂市場中最重要的壹部分，它可以輕而易舉地創造數千萬張的銷量。嘻哈音樂已經成為美國娛樂業的壹大收入來源。尤其是90年代後期，出現了阿姆這種帥氣的年輕人。作為壹個白人，他在短短壹年內成為嘻哈領域最炙手可熱的巨星，徹底打破了嘻哈的種族問題。正如貓王需要證明搖滾樂不只是黑人的，阿姆的出現標誌著嘻哈文化接受白人並走向全球。
有人問我嘻哈文化在美國是否也是壹種時尚。答案是否定的，嘻哈文化是美國的壹種生活方式，就像我們這裏有院子生活、鄉村生活、胡同生活壹樣。可惜我們在當今世界流行文化中的地位沒有美國那麽重要，不然我們的農民兄弟或者胡同串子說不定能出自己的風格(開玩笑)。
中國人不會嘻哈
很多人認為中文不適合hip-hop，因為它的發音和英語在詞根上並不相似，並以此為基礎得出結論，目前出現的Hip-Hop都是垃圾。我想說這是不對的。嘻哈作品的好壞從根本上不在於它的節奏和配樂——這些只是“模型”。嘻哈音樂真正的精髓在於它所表達的內容和創作者的態度。在這壹點上，有些人做得很好。
臺灣省的魚叉幫，大藍堂，洛杉磯四大下層，包括更受歡迎的麻吉兄弟，都很受歡迎。比如野兔狗幫，他們的作品罵過島內外的老人、老師、流行歌手，甚至粉絲和自己，但聽久了，妳只能說他們通情達理，有壹個Hip-Hoper應有的混蛋氣質和可愛。
在中國大陸比較重要的嘻哈團體包括CMCB(中國說唱兄弟)，隱藏，功夫，龍門集團等。他們的標準不壹樣，各有各的特點，而他們的相似之處就是不說臟話，內容不涉及民族，連主流文化都不敢拿出來跑(尤其是出道較早的李小龍和戴冰)。
我們都知道他們害怕自己的前途被毀了，所以妳可以搞笑(其實CMCB有壹部很受歡迎的關於會見網友的作品)，學學雪村，講講小笑話，必要的時候拿外國領導人開玩笑...不幸的是，現在出現的這些嘻哈者總是想把自己提升到街頭傳教士的水平。最謙虛的也把自己當成時尚生活和時尚音樂的傳道者，內容往往是國家大事、生活原則和時尚夜生活(當然是很健康的那種小兒科，沒有毒品、性、打鬥、賽車或者其他被認為危險的東西)。在第11屆中國歌曲排行榜晚會上，功夫、水月和CMCB將嘻哈音樂帶到了人民大會堂。他們在演出現場唱道:“功夫、水月、CMCB給中國流行音樂壹股前進的力量……”省省吧，讓大家先帶妳去玩。
互聯網絕對是如火如荼。其實內地最優秀的Hip-Hopers都在網絡上聚集，那裏幾乎沒有限制:搞笑MC郝宇的大學自習室，高等教育，月亮花；壹定程度上，沈陽MM(真實姓名不詳，網名可能叫小武)的“超級感嘆”和“追回小武”；海歸的“大連火車站”和“留學垃圾”；神秘的上海女孩麥克露西的《上海K姐》等都是在民間廣為流傳的嘻哈代表作。妳想知道他們有多受歡迎嗎？用搜索引擎搜索互聯網，或者訪問任何大學的FTP。有個笑話說，沒聽過大學自習室的大學生不是大學生。
其他膾炙人口的作品還有安子的《黑色星期五》、周佳陽的《網絡綜合癥》、肖飛的《誰敗壞了娛樂圈》、JE的《這就是嘻哈》等等。妳可以在網上找他們。
標簽
Hip-Hop本來就是壹種反文化傾向的亞文化，其破壞性和民間性與我們傳統的流行文化背道而馳。但從目前的情況來看，它不僅已經成為主流文化的重要組成部分，而且正在迅速崛起、傳播和發展。壹個合理的解釋是，在我們這個越來越玄學的時代，生活和娛樂不僅需要情感、純真、高貴、嚴肅，還需要搞笑、無情、自卑、敢於藐視壹切的無恥作風——我說的是實話，我們的文化生活真的缺少這些。如果中國的Hip-Hop有所謂的希望或者發展方向，我相信我們應該從這些地方開始，以壹種渴望奉承主流音樂的方式進入市場。恐怕很難有所作為。
目前主要的hip-hop參與者和觀眾都比較年輕化，大部分出生在1980左右。這些90年代從中學開始接觸嘻哈文化的Hip-Hoper，將成長為中國第壹代嘻哈。隨著他們的成長，我相信中國的嘻哈文化會越來越被認可，就像搖滾音樂在十幾年後不再被視為異類，就像日本的漫畫和電子遊戲逐漸興起壹樣。
嘻哈是壹種文化，而不僅僅是某種東西。並不是說穿著大POLO衫，戴著猿猴帽，穿著扣籃鞋，脖子上掛著大鏈子就是嘻哈，更重要的是精神。
Hip-Hop: Hip是butt，Hop是跳躍的意思。嘻哈音樂起源於R & amp20世紀70年代。b(節奏藍調)，但帶R &；b則完全不同，強調的是舞廳裏D.J.Remix技法的純舞曲。80年代，這種音樂通過加入Scratch(間歇地將唱片上下顛倒，發出用唱針摩擦的特殊效果)和黑人特有的街頭韻腳，形成了說唱音樂。所以可以說Hip-Hop是rap的前身，但今天這兩個詞經常可以混用，只是Rap強調Rap，Hip-Hop傾向於指Beat。
塗鴉:塗鴉，字典中分析，是在公共墻壁上畫畫或寫字。如今，塗鴉繪畫和街頭形式的傳統已經對世界各地的藝術家產生了壹定的影響。作為壹種銷售工具，早期的嘻哈舞會宣傳總是邀請塗鴉藝術家設計傳單和海報。然而，在20世紀80年代，嘻哈音樂被廣泛引入並被大眾接受。有壹段時間，Hip-Hop不談賣文化，也沒有引入早期的塗鴉形式。塗鴉，無論是特殊技巧還是繪畫技法，對藝術形式也有影響，比如墨西哥革命的憤怒塗鴉。如今，在黑幫橫行的美國城市，黑幫之間的暴力警告和威脅也是通過塗鴉來傳達的。
Indie:Independent的縮寫，意思是藝人所屬的唱片公司Indie:Independent Label(獨立公司)。不像全球五大唱片公司擁有龐大的發行網絡，可以為歌手做造型、宣傳活動等整體設計，因為Major(五大唱片公司體系)可以為藝人提供錄音師、伴奏等最佳客觀環境，並做好完整的營銷方案。所以他們往往有能力把壹個普通人塑造成大明星。更重要的是，在商業利益的考量下，大唱片公司旗下的好藝人往往被迫犧牲壹些理想和堅持。這就是為什麽鐵桿搖滾粉絲唾棄梅傑強烈的商業色彩，支持壹些獨立唱片公司，允許藝人按照自己的理想制作自己的專輯，而不需要太多的商業宣傳。
介紹幾個著名的嘻哈歌手:
阿姆——不能不提的是，作為壹個白人，在這個黑人主導的音樂中表現得非常出色。最喜歡的歌斯坦，沒有我，暫時唱(翻唱史密斯飛船的老歌)。
50美分——壹個非常受歡迎的數字，不需要再介紹了。聽的歌很多，最欣賞21題。
D 12——著名說唱組合，D-12的首張專輯《魔鬼之夜》，在三年前就已經證明了這壹點。
史努比·道格(snoop Dogg)——聲音很獨特，感覺就是說話很平實。
p . Diddy——阿姆的敵人，也是壹個非常優秀的歌手。
usher——實力不用多說，2004Billboard以火爆的姿態橫掃十壹項大獎。
黑眼豆豆合唱團和賈斯汀合作了壹首歌
德瑞醫生-頂級制作人和歌手，經常出現在許多嘻哈mv中，制作了許多非常著名的專輯。
Jay-z-Rap很幹凈，唯壹不同的是沒有罵人。
海王星——前兩個人，壹個黑人，壹個黃種人。非常優秀，出了賈斯汀、布蘭妮斯皮爾斯等壹系列專輯。
也有很多著名的音樂人，有的即興說唱也很好，還有壹些非常好的法語說唱，但是在長期被英語占領的市場上並沒有那麽體現。中國說唱也處於發展階段。目前華語最好的說唱專輯是公認的唐，由四位制作人組成:米克爾、王凱峰、斯科蒂陳恒毅、文斯張奧傑。
爵士樂
爵士樂概述
在不到壹個世紀的時間裏，這種被稱為爵士樂的具有明顯美國特色的音樂，從默默無聞的民間音樂發展成為美國產生的最重要的藝術類型。如今，它幾乎在世界的每壹個角落都能聽到和播放。爵士樂以各種形式呈現出繁榮的景象，從根布魯斯和拉格泰姆，通過新奧爾良爵士樂到迪克西蘭爵士樂，搖擺樂，主流爵士樂，比波普，現代爵士樂到自由爵士樂和電子爵士樂。令人驚奇的不是爵士樂以如此多的形式出現，而是它的每壹種形式都非常重要，並且壹直保持著自己的特色和獨特魅力。想要欣賞各種爵士，體驗各種樂趣，就得有開放的態度，包容，傾聽。
追蹤源頭
爵士樂是由民歌發展而來的，它的來源很多，所以要仔細研究它並不容易。但它的根壹定是黑奴從非洲帶來的。他們脫離了古老的文化傳統，用歌曲講述故事，將民歌發展成壹種新的交流形式。美國黑人音樂保留了很多非洲特色，節奏特征明顯，保留了集體即興的特點。這種傳統和新住宅的音樂很大壹部分是聲樂結合的，其結果不僅是壹種新的聲音，而是壹種全新的音樂表達。
最著名的非裔美國人音樂是宗教音樂。這些優美動人的歌曲白人也聽，但比農村黑人教堂唱的更時尚。今天人們所知道的福音音樂更準確地反映了早期非洲裔美國人的情感力量和旋律感，而不是本世紀頭十年Fisk Jubilee歌手音樂的宗教傳承。
其他早期的音樂形式，包括可以追溯到奴隸制時代的勞動歌曲、童謠和舞曲，都成為重要的音樂遺產，尤其是考慮到在當時的制度下，音樂活動受到嚴重限制。
布魯斯的誕生
奴隸制被廢除，黑人奴隸獲得解放後，美國黑人音樂迅速發展。軍樂隊廢棄的樂器和新近獲得的遷徙自由構成了爵士樂的基礎:銅管音樂、舞曲和布魯斯。
作為壹種音樂形式，藍調看似簡單，但實際上幾乎可以無限變化。它壹直是任何壹種爵士樂的重要組成部分，並且成功地保持了自己的獨立存在。可以說，沒有布魯斯就沒有今天的搖滾樂。簡單說明壹下壹般藍調的特點:以每八、十二小節為壹個音段組成音樂，歌詞緊湊。其“藍色”特征的原因是音階中的“mi”音和“si”音降低了壹個半音。事實上，布魯斯是壹種與宗教音樂相對應的世俗音樂形式。
銅管樂隊和拉格泰姆
到了20世紀80年代末，美國大多數南方城市都出現了黑銅管樂隊、舞蹈樂隊和音樂會樂隊。同時，美國北部的黑人音樂傾向於歐洲風格。在這壹時期，拉格泰姆音樂開始成形。雖然拉格泰姆音樂主要在鋼琴上演奏，但壹些樂隊也開始演奏它。拉格泰姆的黃金時代大概是1898到1908，但是時間跨度其實很大，影響也是無窮無盡的。最近又被發現了。新的“拉格泰姆”的特點是迷人的旋律和大量使用切分音，但它的布魯斯因素幾乎消失了。拉格泰姆與早期爵士樂關系密切，但可以肯定的是拉格泰姆的節奏相對穩定。
拉格泰姆音樂最著名的作曲家是斯科特·喬普林(1868-1917)。其他著名的拉格泰姆大師還有詹姆斯·斯科特、路易·肖文克·尤比布萊克(1883-1983)、約瑟夫·蘭姆等。後者雖然是白人，但他充分吸收了這種音樂形式的內涵。
進入爵士樂時代
拉格泰姆音樂，尤其是淡化爵士樂的流行風格，是針對中產階級的，不為正統音樂人所喜歡。19世紀最後十年，爵士音樂逐漸成型，但當時還不叫“爵士”。它最初叫Jass，最早出現在美國南部城市的黑人工人居住區。像拉格泰姆音樂壹樣，爵士樂最初是作為舞曲出現的。第壹個成為早期爵士樂代名詞的城市是新奧爾良，這有幾分真實，但也有幾分誇張。
新奧爾良:爵士樂的搖籃
新奧爾良在爵士樂的誕生和發展中起到了關鍵作用。在這裏，爵士樂的早期歷史被研究和記錄得比其他地方更深入。在1895到1917期間，新奧爾良的爵士樂可能比其他地方更多更好，但這並不意味著新奧爾良是唯壹產生爵士樂的地方。每壹個有相當數量黑人的美國南方城市所產生的音樂，都應該算是壹種早期的爵士樂。比如孟菲斯出現了布魯斯作曲家、收藏家w . c . Handy(1873-1958)。其他城市包括亞特蘭大和巴爾的摩。
在當時，新奧爾良因其非常開放自由的社會氛圍而脫穎而出。不同信仰和種族的人可以互相交流，所以在這種容易交流的環境中有豐富的音樂傳統，包括法語、西班牙語、愛爾蘭語和非洲語。這樣，新奧爾良成為爵士樂的沃土也就不足為奇了。
如果說新奧爾良是爵士樂誕生地的說法有些誇張，但仍然是真的，那麽說爵士樂誕生在紅燈區完全是無稽之談。雖然新奧爾良確實使賣淫合法化，並因此產生了壹些美國最精致、最有品位的“運動館”，但這些地方演奏的音樂，如果有的話，也只是鋼琴獨奏。事實上，人們第壹次聽到爵士樂是在壹個完全不同的地方。
當時，新奧爾良有許多社團和兄弟會組織，這很引人註目。他們中的大多數人資助或雇傭了壹支樂隊在不同的場合演奏，如室內或室外舞會、野餐、商店開業典禮、生日或周年派對。當然，演奏爵士樂也是送葬隊伍的壹個特色，今天依然如此。按照傳統，樂隊在教堂門口集合，演奏莊嚴的進行曲和悲傷的贊美詩，帶領送葬隊伍緩緩走向墓地。回來的路上，人們的腳步加快了，輕快的進行曲和拉格泰姆舞曲取代了挽歌。這種遊行總是吸引許多人觀看，在爵士樂的發展中具有重要意義。正是在這個時候，小號手和單簧管手展現了他們的創作才華，鼓手也打出了有節奏的節拍，這成為了使節拍“搖擺”的基礎。壹般來說，爵士樂是兩拍，每小節兩拍或四拍。這種雙拍子的節奏背景始終存在於低音中，使得爵士樂有了穩定規則的節奏基礎。在有節奏的低音上方，有旋律、和聲、對位等重音位置不規則的聲部，它們的切分音效果與規則的低音聲部形成鮮明對比。
在爵士樂的曲調中，除了從歐洲傳統音樂、白人民歌、流行歌曲中吸收的元素外，最有特色的就是“布魯斯音階”(關於布魯斯的部分我們會介紹這個音階的結構)，爵士樂和聲可以說是完全建立在傳統和聲的基礎上，但是使用各種變化和弦更加自由，主要的區別也是布魯斯和弦帶來的。
爵士樂在樂器和演奏方法上非常有特色，與傳統樂隊完全不同。自“爵士時代”以來，薩克斯已成為最暢銷的樂器之壹。長號能演奏出其他銅管樂器所不能的滑稽或怪誕的滑音，因此在爵士樂隊中引起轟動；小號也是爵士樂手最喜歡的樂器。這種樂器結合不同的靜音和最高音域的幾個音符所產生的新穎音色幾乎成為了爵士樂獨有的音色特征。鋼琴、班卓琴、吉他以及後來的電吉他以其強大的打擊樂音和彈奏和弦的能力占據了重要地位。相反，傳統樂隊中最重要的弦樂器(小提琴、中提琴、大提琴)起著相對次要的作用；法國號豐富的音色在樂團裏很有魅力，但對於爵士樂隊來說，它的氣質太溫馴了，幾乎沒人用。在管弦樂隊中，每件樂器都試圖在音調和音量控制上融入整體的聲音，但在爵士樂隊中，恰恰相反，音樂家們盡力讓每件樂器“立起來”。
樂隊的組織非常靈活，最基礎的部分是兩個部分——節奏組和旋律組。在早期的爵士樂隊中，節奏組由貝斯、班卓琴和鼓組成。後來貝司和班卓琴逐漸被貝司(貝斯)和吉他取代，鋼琴也加入進來。20世紀30年代，出現了壹支舞蹈樂隊，當時被稱為“大樂隊”。它由三部分組成:節奏組、銅管組和木管組。節奏組使用的樂器仍然是貝斯、吉他、鋼琴和鼓；銅管組常見的編制是三個小號和兩個長號，但這個數字是不固定的；木管樂隊通常由四五個薩克斯管組成，每個人都演奏單簧管或其他木管樂器。如果編曲是五個薩克斯，壹般是兩個中音，兩個男高音，壹個中音。還有壹個商業樂隊(有時稱為“甜蜜”和“酒店”等。)，類似於“大樂隊”，但薩克斯往往全是中音，木管組會更多使用其他樂器(如長笛和雙簧管)，有時會配三四把小提琴。這種樂隊的聲音經常可以在商業錄音帶中聽到。
與傳統音樂相比，爵士樂的另壹大特點是它的發音方法和音色，這足以讓人永遠不會將它們與任何傳統音樂的音色相混淆，無論是樂器還是人聲。這些特色大多來自用樂器或聲音模仿非裔美國人的民歌。如果我們有機會去聽真正的黑場歌，靈魂歌，我們會發現，從粗到細，從悶到響，從刺耳到柔和，從野蠻到抒情的巨大變化，是那麽的有特色，那麽的感人。在爵士樂中，更有非歌唱的怒吼、叫喊和呻吟，突出了這種感覺。此外，特殊的演奏和演唱技巧也是產生特殊效果的重要手段。在這些技巧中，顫音是最常用的，它不同於傳統的概念。我們知道，所謂顫音是由音高的規律性變化引起的(有時也可能是力度)；例如，在小提琴上揉弦就利用了這種變化來產生壹種充滿活力的聲音效果。在爵士樂中，顫音變化，變化的方向壹般是由窄到寬，速度由慢到快，在壹個音符的末尾附近往往加大顫音的幅度和速度，進壹步加強了這種技法的表現力。同時，在壹個音符的開始，爵士樂手會從下往上滑到預定的音高，結束時又會從原來的音高滑下來。這些變化都是音樂無法詳細記錄的。有經驗的爵士音樂家都掌握了這種方法，尤其是這個概念，他們可以根據不同的旋律或伴奏模式來“創造”這些效果。因此，可以說爵士樂是作曲家和音樂家共同創造的，因為有即興創作的傳統和個人技巧的發揮。受過傳統教育的音樂家很難演奏爵士樂，因為他們沒有培養出這樣壹種特殊的音樂觀念。如果我們仔細比較壹下真正的民謠歌手和受過正規訓練的歌手唱同壹首民謠的區別，我們就會對這個意義有壹個更直觀的概念。
爵士樂自誕生以來，吸引了很多復員的作曲家。1920年，美國指揮家保羅·惠特曼組織了壹支著名的樂隊，並將改編的爵士樂作品帶入音樂廳。這壹新趨勢引起了許多“嚴肅”爵士樂愛好者的激烈反對。然而從那以後，爵士樂在美國和歐洲變得家喻戶曉，受到了廣泛的歡迎。格什溫的《藍色狂想曲》就是在這個時候誕生的，懷特曼樂隊的作曲家格羅菲就是為這部作品編曲的作曲家。根據手稿中的記載，這部作品的寫作只用了三個星期，而且幾乎是在演出後立即引起了轟動。歐洲作曲家也有很多以爵士樂為基礎或受其影響的作品，如德彪西的鋼琴曲《醜黑步態舞》(1908)、《吟遊詩人》(1910)、《古怪將軍拉維娜》(1910)；拉威爾小提琴奏鳴曲中的慢動作(布魯斯)；斯特拉文斯基用11獨奏樂器的《Regetime》(1919)、《士兵的故事》(1918)和《布萊克伍德協奏曲》；欣德米特第壹室內樂(作品24，無調性)和鋼琴組曲(1922)。
爵士樂入門的三步理論
在當代中國，廣大音樂人有很大的自由去欣賞自己感興趣的音樂，而爵士樂無疑成為越來越多音樂人關註、喜愛甚至癡迷的壹大音樂門類。與古典音樂相比，爵士樂與生俱來的平民血統使其更加貼近普通大眾，即使是開汽車賣紙漿的人也能與之親近，在酒吧和餐館裏隨處可見它的聲音。與搖滾樂等當代流行音樂相比，爵士樂似乎有著更深刻的情感和更深刻的表達方式，或輕搖或翻拍如搖滾般令人陶醉...而不是古典音樂。與流行音樂相比，爵士樂是“中級”的，雅俗共賞，以俗見雅，所以很容易吸引包括眾多古典音樂迷和流行音樂迷在內的廣大聽眾。在當代中國，爵士樂欣賞方興未艾。
說實話，我越聽爵士越覺得自己無知淺薄——爵士活了百年，流派眾多，名家無數，作品輝煌，幾十年也聽不完壹輩子！爵士樂是不折不扣的音樂寶庫，其內容之豐富，流派之繁榮，真的是數不勝數。
正因為爵士樂浩瀚如海，所以初接觸爵士樂，尚未入門的讀者，壹定要找到合適的方法，從重要的點入手，才能最終走進房間，壹窺其奧妙。
第壹步，廣泛傾聽
學過外語的朋友都知道什麽是“泛聽”。我借用了“泛聽”這個詞，意思是朋友剛接觸爵士樂時，可以完全分散精神和註意力。他們可以壹邊做其他事情壹邊聽爵士樂，欣賞其中的情感、精神和表面特征(如編曲、節奏特征、音階特征等。)包含在作品裏壹點點，所以他們不認真關註也能得到壹點點收入。
在“泛聽”的內容選擇方面，宜選用那些創作、編曲、演繹較為傳統的爵士名曲，尤其是那些被稱為“標準曲”的經典作品，最好選用大師們的演繹版本。這些作品能讓初學者相當真實、生動地感受覺。