歷史上最美的畫，每天都有幾百萬幅，但只有幾幅畫會打動我們的靈魂，但有些畫是震撼世界的。比如大家應該都聽說過帕梅拉·麗莎的微笑。以下是史上最美的畫。
史上最美的畫1 10，惠斯勒的母親。
它最初被稱為灰色和黑色的排列:藝術家的母親。這是美國出生的畫家詹姆斯·麥克尼爾·惠斯勒在1871的壹幅油畫。它被認為是世界上由美國以外的美國人畫的最著名的畫之壹。
9.戴珍珠耳環的女孩
被很多人稱為“荷蘭的蒙娜麗莎”、“北方的蒙娜麗莎”。它是荷蘭藝術家約翰內斯·弗米爾在1665年畫的。這是壹幅油畫，畫的是壹個戴著頭巾和珍珠耳環的女孩。這幅畫中的女孩被認為是弗米爾的大女兒瑪麗亞。她成立時大約十二三歲。
8.三個音樂家
三位音樂家乍壹看像是拼貼畫，其實我就是壹幅油畫。它是西班牙藝術家巴勃羅·畢加索在1921年畫的。巴勃羅·畢加索實際上畫了兩幅相似的畫，他們都稱對方為三位音樂家。
7.記憶的持久性
這是西班牙藝術家薩爾瓦多·達利在1931年畫的。它被認為是最好的藝術品之壹，或者妳可以說它是世界上最著名的畫之壹。這幅畫的基本思想是讓人們思考他們的生活方式和他們度過時間的方式。
6.大喊大叫
這是愛德華·蒙克在1893年畫的。他是當時最著名的畫家之壹。他只用油和蠟筆在硬紙板上畫出了他最著名的作品。它基本上描繪了大自然的尖叫聲。這幅畫表現了風景和痛苦的表情。背景中可以看到橙色的天空。
5、亞當的創造
亞當的創作是米開朗基羅從1508畫到1512。它被放置在梵蒂岡城西斯廷教堂的天花板上。這幅畫基本描繪了《創世紀》中聖經創世的敘事。它展示了上帝是如何賦予人類始祖亞當生命的。
4.格爾尼卡
這幅畫的靈感來自格爾尼卡的轟炸。西班牙內戰期間，巴勃羅·畢加索於1937年完成了世界上最著名的畫作之壹《格爾尼卡》。西班牙政府委托這幅畫作為戰爭的苦難，但後來它成為和平的象征。
3.最後的晚餐
它是15世紀最著名的畫作之壹，由達芬奇所畫。它沒有被放置在任何博物館，而是覆蓋了米蘭聖瑪麗亞戴爾格拉齊埃餐廳的後墻。這幅畫主要描繪了耶穌最後的晚餐和他的門徒。
2.星空
《星夜》也是世界上最著名的畫作之壹。這是文森特·梵高畫的。雖然他畫了許多畫，但這幅畫被認為是傑作。這幅畫自1941以來壹直被放置在紐約現代藝術博物館，並被莉莉艾P和布利斯遺贈公司收購。
1，蒙娜麗莎的微笑
《蒙娜麗莎》是世界上最著名的畫之壹。這是意大利藝術家萊昂納多·達·芬奇畫的壹個女人的肖像。它是最著名的藝術作品之壹。《蒙娜麗莎》是世界上寫得最多、參觀人數最多、最受歡迎的名畫。
歷史上最美的畫2世界上最美的肖像油畫
1，達芬奇的《帕梅拉·麗莎》。
經典油畫《麗莎·帕梅拉》舉世聞名，現在被天才藝術家達芬奇收藏在盧浮宮。畫像中的女子是壹個皮貨商的妻子，年僅24歲。作者成功地塑造了壹個淑女形象。畫中，《帕梅拉》中的麗莎嘴角掛著看似不在的微笑，眉間透露著喜悅。但這種微笑很微妙，可能會在不經意間被忽略，所以後人也稱之為最神秘的微笑。
2.約翰內斯·弗米爾，《戴珍珠耳環的女孩》的作者
《戴珍珠耳環的女孩》是荷蘭畫家約翰內斯·弗米爾的作品。畫中的女孩是他的大女兒瑪麗亞。這幅畫是傳世的經典畫作。畫中的女孩戴著黃色和藍色的頭巾，穿著棕色的裙子。她的氣質脫俗，給人壹種安靜平和的感覺，但也讓人覺得有些傷感。畫家生動地描繪了細膩的感情，令人欽佩。
3.喬爾喬內，《沈睡的維納斯》的作者。
《沈睡的維納斯》是意大利畫家喬爾納爾最成功的油畫。說是肖像畫可能不準確，但畫中的維納斯在自然景觀中睡著了，看的人都不敢大聲說話，怕打擾到睡覺的人。金星的身體線條優雅柔和，與自然融為壹體。當人們看到這幅畫的時候，沒有任何物理上的沖擊，只有壹種寧靜和美好。
4.《海倫娜·費爾曼》的作者魯本斯。
《海倫娜·費爾曼》由魯本斯創作，現收藏於倫敦國家美術館。油畫中的色彩絢爛美麗，襯托出畫中人的美。這幅肖像畫的線條非常流暢，淑女形象近在咫尺。豐滿的身材，白皙的臉龐，將淑女形象展現的淋漓盡致。如果魯本斯為世界上最性感的女人作畫，那壹定很美。
歷史上最美的畫3世界上最經典的畫欣賞
蒙娜麗莎-達芬奇
這幅肖像畫花了達芬奇四年時間。當他完成這幅畫像時，他不想把它給喬康多(富商，蒙娜麗莎的丈夫)或其他任何人。當他受到法國國王的邀請時，他帶著這幅畫像離開意大利去了法國。列奧納多·達·芬奇在法國去世，這就是為什麽《蒙娜麗莎》這幅畫在法國的原因。幾個世紀以來，人們壹直在談論她神秘的微笑。她的笑容真的很神秘:好像在變。不同的觀眾或者在不同的時間看起來感覺不壹樣。我覺得她有時候笑得很舒服很溫柔，有時候看起來很嚴肅，有時候看起來略顯悲傷，有時候甚至流露出嘲笑和調侃。在壹幅畫中，光線的變化不可能像在雕塑中那樣與眾不同。但在蒙娜麗莎的臉上，有時會出現暗淡的陰影，用面紗遮住她的眼睛和嘴唇。
然而，人的微笑主要表現在眼角和嘴角。但達芬奇把這些部分畫得很淡，沒有明確的界限，所以才會有這種難以捉摸的“神秘微笑”。這幅畫有壹個故事。當達芬奇為蒙娜麗莎作畫時，他邀請了壹位音樂家在她身邊演奏，這樣她就可以像模特壹樣耐心而平靜地坐著。她的眼神告訴我們她在聽。現在，如果我們看著她那雙漂亮的手，把它們和她的臉放在壹起考慮，我們會覺得那種眼神更真誠。她的右手輕輕地放在左手上，中指完全沒有支撐。我們感覺它在隨著音樂的節奏輕輕跳動。當我們看著如此逼真的人像背後的風景時，我們會對不真實的背景感到驚訝。山峰、道路、小橋、流水都在夢幻飄忽的氛圍中出現，仿佛在證明蒙娜麗莎沈浸在壹個夢幻的世界裏。
最後的晚餐-達芬奇
在慶祝逾越節的前夕，耶穌和他的十二個門徒坐在桌前，吃晚餐慶祝逾越節。桌子旁邊有十三個人。這是他們最後壹次共進晚餐。飯桌上，耶穌突然覺得很煩。他告訴他的門徒，其中壹個會出賣他。但是耶穌沒有說自己是猶大，門徒也不知道誰會背叛耶穌。偉大的意大利藝術家列奧納多·達·芬奇的《最後的晚餐》是所有關於這個主題的作品中最著名的壹部。他把這幅畫直接畫在米蘭壹座修道院的用餐墻上？十二個門徒坐在餐桌旁，分成四組。耶穌坐在餐桌中間。
他攤開雙手做了壹個悲傷的手勢，表示他的壹些弟子背叛了他。大多數門徒都興奮地跳了起來，但耶穌的形象卻是如此平靜。在背景墻的窗戶映襯下，我們可以看到他清晰的輪廓。透過窗戶，我們可以看到寧靜的風景。藍天就像耶穌頭上的光輪。在耶穌右邊的那壹組，我們看到壹張黝黑的臉，向後仰著，好像在躲避耶穌。他的胳膊肘擱在餐桌上，手裏拿著壹個錢包。我們知道他是叛徒猶大和加略人。猶大手中的錢袋是他的象征，提醒我們他是為耶穌和其他門徒保管錢財的人。錢包裏裝著賣耶穌獲得的三十個銀幣的報酬。即使他沒有錢包，我們也可以通過達芬奇的畫來辨認出邪惡的敵人猶大。猶大的影子旁邊是聖彼得，我們還可以看到他銀白色的頭和白色的手。他傾向於年輕的聖約翰。彼得右手拿著壹把掛在臀部的刀，好像不小心，刀尖對著猶大的背。聖約翰的頭垂向彼得。
在所有的門徒中，他是耶穌最喜歡的。約翰像耶穌壹樣冷靜。他理解了主人的話。在他的左邊是小詹姆斯。他試圖理解他聽到的可怕的話。他張開雙手，大聲說道。從雅各布的肩膀上看過去，我們看到了聖托馬斯，困惑的托馬斯，他的懷疑的目光通過他直立的手指表達出來。雅各的另壹邊，聖斐理伯俯身向耶穌，雙手放在胸前，仿佛在說:“妳知道我的心，妳也知道我絕不會背叛妳。””他的臉因愛和忠誠而痛苦。耶穌身邊的六個門徒是故事的中心。巴塞洛繆和老雅各布向他們靠過來，旁邊的老安德魯沒有站起來，但他想聽，於是舉起了手，似乎要求安靜。右邊還剩三個徒弟。他們正在討論耶穌所說的話，他們的手指指向桌子的中央。他們看到的壹切都發生在這部巨著中，但我們每壹次欣賞，都會從弟子們的感受和品格中獲得新的意義。
向日葵-梵高
梵高的藝術是偉大的，但在他生前並沒有得到社會的認可。他的作品蘊含著深刻的悲劇意識，其強烈的個性和形式上的獨特追求都遠遠領先於他那壹代人，實在難以為當時的人們所接受。他用環境來把握對象，他再次改變現實以達到真正的真實，這促成了表現主義的誕生。人們對他誤解最深的時候，正是他對自己的創作最有信心的時候。這就是為什麽他留下了永久的藝術作品。他直接影響了法國的動物主義，德國的表現主義，甚至20世紀初出現的抒情抽象肖像。向日葵產於陽光明媚的法國南部。畫家就像壹團燃燒的火焰，充滿火熱的激情，讓運動感十足、看似不斷旋轉的筆觸顯得那麽厚重有力，色彩對比簡單強烈。但是，在這份厚重和樸實中，卻充滿了智慧和靈氣。觀看這幅畫時，觀者都感受到了激動人心的畫面效果，內心顫抖，激情迸發，個個躍躍欲試，* * *融入了梵高豐富的主觀感受。總之，梵高作品中的向日葵不僅僅是壹種植物，而是壹種具有原始沖動和熱情的生命。
第壹步——梵高
這幅作品是梵高從米勒的同名作品中臨摹的。圖為壹片農村耕地，背面是農民的房子。在圖片的右邊，壹個農婦抱著她的小女兒幫助她學習走路。左邊女嬰的農民父親蹲在地上，張開雙手鼓勵她往前走。雖然這是梵高對米勒作品的臨摹，但整幅畫透露出梵高的個人風格。這幅畫色彩明亮，多為藍色、黃色和綠色。這些絢麗的色彩和屬於大自然的色彩讓人感受到活躍的活力。他讓畫中的人和物用粗黑線框起來，明顯是受日本藝術的影響，也給畫面增添了真實的感覺。此外，他還用彎曲和旋轉的筆觸畫樹木、灌木和莊稼。這是他成熟畫作中常見的手法，也為這幅畫增添了生氣的氣氛。整個農村場景讓人感受到農民的真實生活，平凡卻飽含深情。
創造亞當-米開朗基羅
米開朗基羅代表性壁畫的重要組成部分。因為他在佛羅倫薩的名氣，當時的教皇朱利葉斯二世邀請他參與教皇陵墓的制作，後來就中斷了。1508年，他被迫接受西斯廷教堂屋頂壁畫的任務。他當時心情悲傷，但這幅壁畫後來成為他壹生中最偉大的傑作。西斯廷屋頂壁畫面積約500平方米，是藝術史上最大的壁畫之壹，米開朗基羅根據建築框架在大廳中央連續畫了9幅大小不壹的宗教畫，均取材於《聖經》中世界之初直到洪水方舟的故事，並分別命名為“上帝分光”、“創造日、月、草木”， 《上帝的水之地》《亞當的創造》《夏娃的創造》《誘惑與流放天堂》《諾亞》這幅巨型壁畫耗時四年多才完成。 由於長期在背上硬畫，他的脖子僵硬了，他的字母不得不被擡起來。其中，創造亞當是最好的。畫中的亞當形象健壯、宏偉，具有堅強的意誌和力量，顯示了藝術家在現實主義基礎上的不同尋常的理想處理，給同時代人以深刻的啟示。
夢-畢加索
1927年，47歲的畢加索第壹次遇到了壹個17歲的金發女郎，身材豐滿。從那以後，這個女孩壹直是畢加索繪畫和雕塑的典範。17之後，64歲的畢加索給她發來了生日賀信，信中說:“對我來說，今天是妳的17生日，雖然妳用了兩倍的歲月。遇見妳，是我在這個世界上生活的開始。”& gt這幅畫畫於1932，可以說是畢加索對精神和肉體的熱愛的最完美體現。
大宮女天使
在等待去羅馬學習的時候，安吉爾接到了來自列日(現在的比利時)的命令，要他為那裏的第壹位統治者波拿巴畫像。此時正是1803的重要時期，即路易十六被處死後，拿破侖在霧月十八日發動了旨在推翻督政府的政變。第壹執政官要在全國實行軍事獨裁，人民都很討厭。安吉爾答應完成這樣壹幅肖像。1806年，他在王座上畫了拿破侖壹世，是慶祝這壹軍事獨裁的悼詞。安吉爾沒有過問政治，而是在這兩幅畫中宣示了自己的立場。同年作品在巴黎沙龍展出時，遭到媒體嘲諷。安吉爾得知這幅畫在羅馬的反應後，心情非常沈重，憤慨地說:“人們總以為沙龍是鼓勵繪畫的地方，但實際上，它為繪畫提供了壹條悲傷的道路。”
1813年，他娶了瑪德琳·夏佩爾小姐，這總算給了他壹些安慰。他說:“夏佩爾是自我犧牲的典範，她成了我生命中的安慰。”這時，他除了畫神話，還畫了幾幅裸體題材的大畫，準備送到巴黎重新露面。這幅畫《大侍女》(此時法國貴族的上層階級對土耳其內宮的生活很感興趣，有東方情調濃厚，有些畫家刻意描繪土耳其閨房中的猥瑣生活，以滿足貴族的視覺需求。安吉爾畫了幾幅土耳其宮女的畫像。《宮女》的題名是為了區別他的另壹幅油畫《宮女》，這是他這壹時期描繪裸體題材的代表作之壹。這幅畫在巴黎展出時，引來了觀眾更多的批評。人們都說作為達威特的學生，安吉爾太過分了。他們諷刺地說:“安格爾先生畫壹個活生生的人，就像幾何學家畫壹個立體壹樣。他盡壹切努力用他的預算線給素描壹種立體感！他放大和縮小人體的所有部分，就像普羅克羅斯特斯床上的囚犯壹樣。傳說中的古希臘強盜將他們的俘虜綁在鐵床上。如果它們太長，就會把腳弄斷。如果太短，它們會隨意伸縮。
有時候他會覺得壓抑，於是不再強化這種被詛咒的立體感，開始完善輪廓。這叫舍根求末，用劍鞘代替劍決鬥。評論家德·克拉特裏說得更中肯。他曾對安吉爾的學生說:“他的宮女背上至少多了三塊椎骨。”然而，安吉爾的學生之壹、他的老師的傳記作者阿毛裏·杜瓦爾說得更中肯:“他可能是對的，但那又怎樣？也許正是因為這種纖長的腰肢，她才如此柔軟，能壹下子制服全場。如果她的身材比例絕對準確，大概就沒那麽吸引人了。”這個“宮女”要求嚴格的古典風格，確實有很多“離經叛道”的地方。第壹，色彩的“範圍”被嚴重破壞，背景上強烈的藍色和裸露皮膚的黃色，以及人體的明暗和粉色調極不協調。其次，上面提到的誇張身材，這種女性裸體幾乎成了畸形美的實驗品，完全背叛了老師的法庭指令。安吉爾的學生杜瓦爾試圖為此為他辯護。他說:“我不想說安吉爾先生是個浪漫主義者。但我也想確定，他從來都不是他當時所理解的那種意義上的‘古典主義者’。”
安格爾在這幅畫中似乎表現了他在自然面前的獨立性，但由於安格爾美學信仰的堅定性，這裏的表現讓人對他的觀點模棱兩可，攻擊和批判在所難免。從歷史的角度來看，我們認為安吉爾有他探索的勇氣，雖然他畫的這個人物很虛構。這幅畫大約完成於1814，是91×162 cm。現在在巴黎的盧浮宮。
聖子拉斐爾
畫中我們看到聖母坐在凳子上，身後是溫柔和風景。在這個陽光明媚的日子裏，我們可以看到遠處的群山融入淺藍色的天空。右邊的灌木叢把我們的註意力吸引到了山上的小教堂。這提醒我們，年輕的母親和她的嬰兒屬於宗教世界。圍繞在母親和孩子頭上的兩個光環是他們神聖的象征。拉斐爾不需要這個標誌來表示他想表達的東西。他把他年輕的母親畫得如此甜美，把他夢幻般的臉畫得如此溫柔，以至於當我們看著她時，我們只能想到聖母。她的大眼睛根本沒有看到任何東西，因為它們跟著她的想法走。她陷入沈思，似乎沒有註意到嬰兒耶穌把他的小腳放在她的膝蓋上。她的另壹只手抱著嬰兒。當我們把她的手和臉放在壹起理解時，我們感覺她似乎已經忘記了嬰兒的存在，她在思考耶穌和他的未來。與他的母親相比，小耶穌比他同齡的男孩大是很自然的。拉斐爾創作孩子肖像的方式確立了耶穌在畫中的重要地位。看聖母瑪利亞的臉，可以發現柔和的輪廓，大大的眼睛，挺拔的鼻子，小小的嘴巴，與傑出的希臘雕塑家普拉西·托雷斯所創作的維納斯的頭像驚人的相似。這是因為拉斐爾是文藝復興時期的藝術家，他壹直在研究古代藝術。但也有不同之處。拉斐爾更溫和地畫聖母的臉。他把古代女神的表情畫得更加細膩柔和，賦予了壹件古老的異教藝術作品以基督的新含義。拉斐爾賦予了古代美人新的生命。在他的繪畫中，古老的藝術獲得了新生，並發展成壹種新的和不同的完美形式。拉斐爾的成就代表了文藝復興時期繪畫的最高水平。
吹笛者男孩-馬奈
馬奈早年接受了六年的學術教育，之後研究了歷代多位大師的作品。他的畫既有傳統繪畫的立體造型，又有印象派明亮、明快、感光的色彩。可以說，他是壹位承上啟下的重要畫家，他的作品(尤其是肖像畫)自然反映了人物的性格和心理。《吹笛者男孩》幾乎沒有陰影地展現了人物的真實，從中可以看出馬奈的才華和自負。這幅畫明顯受到日本浮世繪版畫的影響。註:馬奈這個名字用拉丁文題字“馬奈·馬奈比特”來題寫，意思是:“他活著，而且會活下去。”
打著陽傘的女人——莫奈
這幅作品是莫奈早期的印象派繪畫。在照片的中間，右邊站著壹個拿著陽傘的女人，而最左邊是她的兒子。這是壹個陽光明媚的早晨，兩個母親和孩子在草地上散步。整幅畫只用了藍、綠、棕等簡單的自然色彩，給人壹種安靜舒適的感覺。畫中的女官占據了畫面的大部分空間，成為畫中有趣的中心。而左邊的小兒子也和陽傘、小姐形成了壹個三角形，得到了平衡的效果。這幅畫雖然是莫奈的早期作品，但也可以看出他很好地捕捉到了畫中的光影和瞬間印象。畫中女子的臉部和上半身使用了深色，表示她在遮陽傘的陰影下。整個遮陽傘、臉、衣裙、草的陰影面積與貴婦人衣裙淺色面的光影形成對比(小兒子也是如此)，就像現實中看到的壹樣。此外，搖曳的頭巾和長裙上的褶皺也增強了畫面的動感。
衣架的家——塞尚
1872結束時，塞尚穿過蓬圖瓦茲離開酒店，前往奧維爾村。通過與蓬圖瓦茲的畢沙羅和基約曼的人事創作，塞尚在繪畫中充分運用了他所學到的印象派技法，他的色彩比以前更加明亮，畫面充滿活力，筆觸更加細膩。但是，它仍然保留了原有的堅固和粗糙的特點。在這幅作品中，在右邊高高的屋頂和左邊的房子之間，有壹個陡峭的斜坡。中景，只能看到村裏房子的屋頂。這壹幕是奧維爾村明亮的旱地和天空。前景的屋頂、建築、道路都很堅固，給人壹種沈重的感覺。在這裏妳看不到印象派作品中常見的扁扁的元葉。前景中巨大的物體阻礙了遠景，這就像在和平穩定的風景中撞上了壹個大楔子。用這樣的構圖，選擇“衣架的家”這個主題，不能不讓人想起塞尚的內心活動和他的精神狀態。
噴泉天使
年輕的裸體者拿著鍋碗瓢盆讓水倒掉，他們的肌肉因為天使美麗溫柔的曲線而更加迷人。色彩的運用非常柔和，變化多端。展現崇高、獨特、莊重之美。這幅《春天》早在安吉爾入住佛羅倫薩時就開始醞釀，歷經30多年終於完成。
日出印象-莫奈
《日出印象》描繪了勒阿弗爾港壹個霧蒙蒙的早晨。晨光覆蓋下的海水呈橙色或淡紫色，天空被各種色塊渲染，再現了強烈的大氣反射形成的地表顏色。這種對繪畫語言本身的探索，被後世很多畫家所接受，從而形成了以印象主義為原點的大趨勢，藝術走上了走向現代性的旅程。
伏爾加河追蹤者-列賓
列賓(1844-1930)是俄羅斯19世紀後期俄羅斯批判現實主義繪畫的主要代表人物之壹，《伏爾加河上的纖夫》是他的代表作。學生時代，彼得堡涅瓦河上的繁重勞動引起了列賓的同情。從此，他想畫壹幅纖夫的作品，借以提醒下層勞動人民的悲慘生活和社會不公。1870年夏天，列賓和同學華士利耶夫壹起去伏爾加河寫生(他後來也畫過關於追蹤者的畫)。典型的俄羅斯風光和纖夫的生活給他留下了難忘的印象。在這幅畫中，列賓畫了11個飽經風霜的勞動者，在河邊炎熱的沙灘上吃力地拉著繩子。追蹤者有不同的經歷和個性。他們生活在社會的最底層，但這是壹個通過苦難被訓練得堅韌不拔、相互依存的團隊。背景的顏色暗淡而朦朧，空間空曠而詭異，給人壹種憂郁、孤獨、無助的感覺，深入到追蹤者的內心。也是畫家心境的真實寫照，對繪畫目的的體現和情感的烘托起著很大的作用。所以這幅畫的構圖、線條、筆觸等繪畫技法都是相當成功的。
阿維尼翁的女孩-畢加索
以前的畫家總是從壹個角度看人或事物，只畫立體的壹面。立體主義是用壹種全新的方式來表現事物。他們從幾個角度觀察，從正面看不到的幾個角度觀察，以平行或重疊的方式展現正面看不到的幾個側面。《阿維尼翁的姑娘》中，五種裸色色調以藍色為背景，背景任意分割，沒有距離感，人物由幾何圖形構成。