丁邦祥的歌壹般都是白人專業作曲家創作的。不同時期不同作家的風格不同，但有相似之處。從內容上看，主要是關於愛情的，充滿浪漫情懷，或略帶懷舊傷感，或歡快搞笑。無論國內外發生了什麽，都很少體現在丁邦祥歌曲中。主要展現生活陽光的壹面，仿佛美國人在無憂無慮地享受生活；從表現形式上看，歌唱的旋律、不復雜的節奏、自然音系的和聲(樂句間有時變換和弦和變調)多以“韻文-合唱”的形式出現(如18)。丁邦祥歌曲壹般由專業歌手根據樂譜演唱，講究發聲技巧，配以樂隊或合唱團，常以弦樂組作為伴奏的背景音色。比如當時著名的流行歌手賓·克羅斯比(1904 ~ 1977)和弗蘭克·辛納屈(1915 ~ 1997)，主要唱定邦巷的歌。定邦巷歌曲主要在城市的白人之間傳播，很少傳播到黑人或下層階級。20世紀50年代搖滾音樂的出現，挑戰了傳統的丁邦祥歌曲在整個流行音樂中的地位。爵士樂以其動感的切分音節奏、富有特色的爵士音節和不打破常規的即興創作(或演唱)贏得了聽眾的喜愛，也得到音樂領域各界人士的認可。它起源於布魯斯和拉格泰姆音樂。經過整整壹個世紀的發展，現在已經是五彩繽紛，百花齊放。
爵士樂是以小樂隊的形式即興演奏逐漸形成的，以布魯斯和拉格泰姆為基礎，加入壹些白人音樂元素。
布魯斯形成於19的90年代。壹開始我們談到了爵士樂和布魯斯密不可分的關系，因為有些爵士樂是以布魯斯音樂為基礎的，而有些爵士樂則是直接由布魯斯音樂轉化而來，它們使用的是傳統布魯斯音樂的歌曲結構，也就是所謂的十二小節布魯斯。
“布魯斯”有多重含義。除了音樂類型，也算是現場的壹個形容詞。通常人們看到這個詞，往往會立刻想到憂郁和悲傷，這是藍調音樂的基本特征。
布魯斯音樂起源於19世紀後期(1890)，其音樂內容是非洲戰地吶喊和基督教贊美詩的混合。原因可以說是表達了歌手的個人感受，甚至可以說是黑人早期生活的寫照。在電影《紫色》(The Color Purple)中，我們看到兩個黑人在努力工作，並隨著節奏歌唱，這就是最初的工作歌曲(也稱為布魯斯音樂的前身)。這種音樂聽起來很憂郁，這種用歌曲直接表達自己內心想法的方式與當時白人社會的音樂完全不同，成為了爵士樂和搖滾樂的中心。
總的來說，爵士樂的發源地新奧爾良出現在19的90年代。但是歷史上第壹張爵士唱片是1917年出的，是新奧爾良的“原創迪克西蘭爵士樂隊”錄制的。所以，我們永遠不會知道1917之前的爵士音樂有什麽特點，但根據當時的音樂記錄和攝影，早期爵士音樂的速度介於中速和快速之間，初次接觸爵士音樂的人都感到充滿活力和興奮。
早期新奧爾良爵士樂的另壹個特點，也許是最重要的特點，是集體即興創作。相互謙讓與合作只受和弦進行結構的限制。這種表演最吸引人的地方在於，樂隊成員既有競爭又有合作，對強加於他們的限制既重視又視而不見。這種新的聲音在20世紀初任何壹個聽眾都能聽得出來，這就是所謂的“爵士樂”。鄉村音樂出現於20世紀20年代。它起源於美國華南農業的民間音樂，最早是在英國傳統民歌的影響下發展起來的。最早的鄉村音樂是傳統的希爾比音樂，曲調簡單，節奏穩定，敘事性強。不同於城市裏傷感的流行歌曲，有著濃郁的鄉土氣息。
山歌開始融入美國流行音樂的主流，出現了最早的壹批鄉村歌手，如詹姆斯·羅傑斯(1897 ~ 1933)，融合了布魯斯、白山歌(Yodels)、民謠(Folk)。他們被認為是鄉村音樂的先驅，被命名為“鄉村音樂”。
《殘兒壹家》(由阿爾文·卡特，1891-1960，他的妻子和妹夫組成)以舒適和諧的風格，聚焦家園、上帝、信仰等主題，贏得了觀眾的喜愛。對於卡特壹家這樣的藝術家來說，唱歌只是壹種業余的謀生方式。但在鄉村音樂的初級階段，他們確實為鄉村音樂的發展做出了巨大的貢獻，也為早期的鄉村音樂留下了寶貴的錄音資料。
許多鄉村音樂人為將鄉村音樂帶出南方或中西部做出了巨大貢獻，其中漢克·威廉姆斯是最重要的。《Jambalaya》是威廉姆斯最著名的代表作，已經成為世界知名的經典歌曲。
進入90年代以來，鄉村音樂已經完全融入了流行音樂的主流。當然，在這個過程中，它的流行色彩也變得更濃了。到了20世紀末，幾乎沒有任何壹種音樂不帶流行色彩，反之，就會被認為“與眾不同”。還有壹個特點就是歌手和他們的歌跨榜獲獎已經成為壹個非常普遍的現象，很少有人堅持壹個立場。這是商業投機的結果。經濟杠桿在發揮調節作用，人們願意為了五鬥米而彎腰駝背，所以跟風成了壹種時尚。20世紀90年代，鄉村音樂越來越全球化，這與經濟全球化有關。世界變成了地球村，“走來走去”不再稀奇。鄉村音樂不再是美國的專利，世界各個角落都能聽到，只是少了些原汁原味，多了些時代感。這種全新的鄉村音樂變成了地球村民的鄉音。毫無疑問，這個時期的大多數歌手都是跨世紀的。年輕而充滿希望，他們是新世紀的先鋒。20世紀50年代初，美國流行音樂市場出現了三足鼎立的局面。黑人喜歡的音樂主要是節奏藍調，中產階級以上的白人聽丁邦祥的歌，中西部的農村聽眾喜歡與農村生活相關的鄉村音樂。但到了50年代中期(約1954-1956)，唱片市場出現了兩個明顯的現象，即“市場交叉”和“翻唱版”。
“市場跨界”指的是原本在壹個市場發行的唱片，在另壹個市場也取得了不錯的成績。例如，壹些歌曲在R&B銷售排行榜上名列前茅，它們也在流行歌曲(指當時的流行歌曲，丁邦祥歌曲的延續)排行榜上很受歡迎。看到這種有利可圖的跨市場情況，壹些大唱片公司迅速根據流行節奏藍調歌曲制作自己的版本，導致大量“翻唱版”出現。就在這個時候，原本隔在三個市場中間的那堵墻突然倒了，壹種新的音樂風格——搖滾樂就在這片廢墟中誕生了。
在搖滾樂的早期階段(50年代中期到60年代初期)，搖滾樂從壹個蹣跚學步的孩子迅速成長，使得搖滾樂舞臺呈現出壹派繁榮景象。首先，兩位先行者對於搖滾樂的概念做了壹個比較完整的定位。比爾·哈利(1925 ~ 1981)是第壹個被青少年崇拜的搖滾偶像，被稱為“搖滾音樂之父”。他的音樂風格涉及鄉村音樂、節奏藍調和流行音樂三個方面，這也說明了50年代中期搖滾音樂的三個來源。作為搖滾樂的先驅之壹，比爾·哈利在搖滾樂的創作中發揮了不可磨滅的作用。
早期的搖滾歌手包括普雷斯利、貝瑞、多米諾、劉福斯和艾佛利兄弟。1964年，英國甲殼蟲樂隊(又譯“披頭士”)首次在美國進行訪問演出，引起了狂熱的反響。他們唱歌的主要內容是表達愛，但也反對戰爭和暴力。當時美國出現了反越戰和反種族歧視的浪潮，搖滾樂在這壹浪潮中發揮了很大的作用。在20世紀60年代成長起來的美國人很少與搖滾樂無關。搖滾樂的演唱影響了現代美國人的藝術品味。美國上世紀七八十年代形成的著名搖滾樂隊有朋克、滾石、索爾、重金屬、Rip、Pop等。
搖滾音樂史上最輝煌的壹頁，是1985年7月3日在倫敦簡陋體育館和費城肯尼迪體育館舉行的賑災義演音樂會的現場直播，向全球轉播，觀眾超過150萬。80多個壹流的搖滾樂隊登臺亮相，為遭受嚴重饑荒的非洲籌集資金。這場史無前例的慈善演出不僅為搖滾樂找到了壹種全新的、壯觀的表達方式，也使其獲得了全球意義。所謂拉丁音樂，是指從美國和墨西哥邊境的格蘭德河到最南端的合恩角的拉丁美洲的流行音樂。
拉丁美洲是壹個多民族的群體，因此，拉丁音樂是由各種音樂融合而成的多元化混合音樂。無論是歐洲的白人音樂，非洲的黑人音樂，美洲的印第安音樂，甚至東方的亞洲音樂，都對拉丁音樂做出了不同的貢獻。經過長時間的沈澱，在以歐洲文化為主體的基礎上，他們還從印度文化和非洲黑人文化中吸收了大量的因素，逐漸形成了豐富多彩、生機勃勃、充滿活力的拉丁文化。在拉美眾多國家中，以巴西和古巴為首的拉丁音樂走在了世界流行音樂的前列。
拉丁音樂以其獨特的節奏和悠久的文化背景吸引了世界音樂圈的目光，拉丁音樂家層出不窮。近年來出現在流行樂壇的瑞奇·馬丁、馬克·安東尼、安立奎·伊格萊希亞斯等明星，都是極具個性的新壹代拉丁音樂的代表。說唱音樂這個詞(有時被翻譯成“Rip”或“Rip”)最初的意思是用黑人俚語說話或聊天。
作為流行音樂的壹種形式，它起源於20世紀70年代末紐約的貧困黑人居住區。主要特點是以機械節奏為背景，快速背誦壹系列押韻單詞。音樂上，它的音樂比較簡單，重復多，大多沒有旋律，只有低音線和有力的節奏。它的來源之壹是迪廳舞會上的DJ(光盤播放器)為了介紹唱片，根據舞蹈節奏插入的。詹姆斯·布朗的半說半唱風格通常被認為是說唱音樂的先驅之壹。說唱音樂的流行是在80年代中期以後，此後壹直以地下音樂的形式活躍在歌壇。從65438到0986，Run-D.M.C的專輯《升起地獄》獲得了第壹名，這標誌著說唱音樂在商業上是成功的，在全國範圍內是有影響力的。
壹般來說，說唱音樂可以分為兩種。壹種是叛逆的，比如“Public Enimy”，因為經常采取挑戰的姿態，所以有時被稱為“黑幫說唱”。所以這類歌曲往往會引起社會爭議，所以很難進入排行榜；另壹種是比較溫和的，比如M.C. Hammer唱的歌。m·c·哈默出生在加州奧克蘭，那是壹個充滿毒品和暴力的地方。他早期的許多朋友都從事毒品走私，其中壹些人變得富有，壹些人進了監獄。他意識到，年輕人壹定要遇到老實人，選擇正確的道路。他的說唱音樂反對吸毒和暴力，積極為年輕壹代的黑人說話。因此，他在商業上取得了巨大的成功。
當今世界的流行音樂文化來源於人們生活的沃土，與人們的喜怒哀樂息息相關。它是世界多元化的組合，被不同流派、風格、演唱形式的人們所接受，發展成為國際音樂文化不可或缺的必要音樂文化包。流行音樂文化的發展不是孤立的，而是群體意識的壹種表現。它有著不可替代的獨特魅力，是多種文化的結晶。嘻哈植根於70年代初美國整體經濟形勢的改善。壹直被歧視的黑人終於獲得了自己的社會地位，建立了自己的社區。但對黑人來說，歧視依然存在，貧困依然深深壓迫著他們。如果他們想改變他們的生活條件，他們必須利用他們的自然資本。黑人有兩大天賦:體育和音樂。從爵士到搖滾，如今，是說唱。黑人最容易出人頭地的方法就是打籃球，否則就是搞音樂。Hip-Hop的定義也是由音樂、舞蹈、塗鴉、紋身、服裝五部分組成。它們的出現不是壹日之功，而是在漫長的發展過程中逐漸形成和確立的。
Hip-Hop在70年代開始發展的時候，分為四個部分:1。D.J 2。M.C 3。舞者4 .格拉芙在提到嘻哈的歷史之前，我們要知道這四個部分在嘻哈文化中是不可或缺的，而其中D.J .和M.C .與音樂的關系最為密切。D.J .和M.C .是壹起工作的夥伴。壹個好的DJ可以用兩個唱機和兩張節拍唱片演奏壹些簡單的音樂節奏。這個時候會有兩種人馬上反應過來，壹種是M.C .，壹種是Dancer。M.C口中開始念出他認為的說唱，多是表達不滿或者說日常生活中的壹些瑣事。而Dancer則開始用身體表達他想說的舞蹈。不用說，我只想解釋壹下Graffti。我想妳學畫畫，壹定是很想讓路人欣賞妳的作品吧？塗鴉藝術(即在街道墻壁或火車車廂上繪畫...)就是這種心態的表現。
在20世紀70年代末80年代初紐約貧窮的工人階級黑人中。它匯集了非洲音樂、美國音樂和藝術文化。嘻哈是壹種由很多元素組成的街頭文化，包括音樂、舞蹈、說唱、DJ技術、服飾、塗鴉等等。當初嘻哈文化是由DJ、MC、街舞、塗鴉四個元素組成的。這壹時期的嘻哈被稱為老派嘻哈。
當嘻哈在20世紀90年代風靡壹時時，許多不同的風格在新學校時代萌芽。Hip-Hop不僅是產生於城市黑人貧民窟的音樂，也是代表城市黑人貧民的聲音。說唱音樂人開始描述自己或周圍人的艱苦生活。
“嘻哈”這個詞是壹種新的音樂類型。自出現以來，它已經不僅僅代表單壹的音樂類別。在世紀之交的2000年，嘻哈已經發展成為壹種新的生活方式的代名詞，包括音樂、服裝和行為。這叫街頭文化！在整個嘻哈文化中，服裝是最出彩的部分。典型的著裝包括:壹件帶有誇張標誌的寬大t恤，同樣寬大的帶有側拉鏈的休閑褲或運動褲，籃球鞋或方格鞋，高爾夫帽或棒球帽，各種款式的頭巾，以及染成不同顏色或編成辮子的頭發。而對應的配件有:紋身、銀耳環或鼻環、太陽鏡、MD隨身聽或MP3、滑板、背包等等。這些零星的衣服合在壹起，形成了在美國流行了20年的嘻哈時尚。嘻哈是壹種街頭文化，也是壹種生活態度。他與滑板、小輪車等極限運動也是街頭文化有著密切的關系。
嘻哈的人都有同樣的行為，即使不認識，妳也能從他們的外表準確判斷。嘻哈二十歲了！從20世紀80年代初到2000年，從舊派到新派，沒有人喜歡刮唱片，每個人都瘋狂地迷戀街頭音樂。這種文化對世界的影響超出了人們的想象。在過去的二十年裏，嘻哈文化已經在美國紮根，成功地將娛樂、商業、音樂甚至政治結合在壹起。它是壹種獨立的、豐富多彩的群體意識，是壹種堅實的、不可替代的文化形態。不僅僅是我們常說的“黑人音樂”，也不僅僅是用手勢“檢查壹下”，也不僅僅是流行歌手演奏布魯斯。Hip-Hop文化就是Hip-Hop文化，和人壹樣的性格和情感形象。