造型表現手段:造型藝術中創造藝術形象的手段和方法。如借助色彩、明暗、線條、解剖、透視作畫；雕塑靠的是體量和結構。這些技法和手段，通過長期的藝術實踐，形成了這些造型藝術獨特而特殊的藝術語言，決定了這些藝術不同的表現規律，關系到藝術形象塑造的成敗和藝術作品的感染力。藝術家對造型表現手段規律性的不斷探索和提高，是藝術創作表現新的生活內容，滿足人們不斷發展的審美愛好的必要條件。
二維空間:繪畫術語。指長度(左右)和高度(上下)組成的平面空間。在繪畫中，為了真實地再現物象，我們常常運用透視、明暗等造型手段，在第二空間的平面上創造出物象的深刻感和立體效果，也就是用第二空間創造出自然物的三維空間的錯覺。有些畫，比如裝飾畫、圖案畫，並不要求很強的深度效果，而是刻意追求第二空間的平面意義，以獲得藝術表現力。
三維空間:繪畫術語。指長度(左右)、高度(上下)、深度(縱深)組成的三維空間。在繪畫中，為了真實地再現物象，需要在平面上表現出三維空間的立體感和縱深感。
肌理:繪畫、雕塑等造型藝術通過不同的表現手法在作品中表現各種物體的特征，如絲、皮、水、石的輕、軟、粗，給人以真實感和美感。
數量感:借助明暗、色彩、線條等造型因素，表現物體的重量、粗細、大小、數量感。如巖石的莊嚴，風煙的輕盈。繪畫中所有表現現實的物體都要求傳達物體獨特的重量和真實感。利用數量的對比關系，可以產生多樣統壹的效果。
空間感:在繪畫中，根據幾何透視和空氣透視的原理，描繪出物體之間的距離、層次、穿插等關系，從而在平面繪畫中傳達出壹種深邃的立體感。
繪畫術語。指在繪畫平面上展示的視覺對象能給人壹種占據三維空間的立體感。在繪畫中，任何可見的物體都是由物體本身的結構決定的，由不同方向和角度的塊組成。因此，需要把握被畫物體的結構特征，分析其在繪畫中的得體關系，以達到體量感。
透視:繪畫的理論術語。“perspective”壹詞源於拉丁語“perspclre”。起初，透視學是通過壹個透明的平面看景物，並在這個平面上精確地畫出景物，即形成景物的透視圖。後來根據壹定的原理，用線條表現壹個物體的空間位置、輪廓和投影的科學，叫做透視學。
明暗:繪畫術語。指繪畫中物體的光線、背光、反光部分的亮度變化以及這種變化的表現方法。壹個物體在光照下有三種亮暗狀態，稱為三大面，即亮面、中面和暗面。三大面的明暗壹般表現為五個基本層次，即五種色調:①明面，直接受光；②灰面、中面、半明半暗；(3)明暗分界線，亮部和暗部轉折的地方；(4)暗面，背光部分；⑤反射，物體受周圍反射影響的暗部和亮部。根據明暗的高低來描繪物體，壹直是繪畫的基本方法。文藝復興時期，瓦薩裏曾在《藝術家傳》中說:“繪畫時，畫好輪廓後，要畫出陰影，大致區分明暗，然後仔細表現明暗，以及明亮的部分。”倫勃朗是歐洲畫家中的陰影技巧大師。
輪廓:造型藝術術語。指定義績效對象範圍的邊緣線。在繪畫和雕塑中，輪廓是否正確被視為作品成敗的關鍵。
構成:造型藝術術語。指作品中藝術形象的結構配置方法。它是造型藝術表達作品思想內容、獲得藝術感染力的重要手段。
色彩:繪畫中的重要因素之壹。各種物體不同程度地吸收和反射光線，作用於人的觀眾席，是壹種復雜的現象。由於物體的紋理不同，對各種顏色的光的吸收和反射程度不同，所以世間萬物都形成了千變萬化的顏色。
色調:顏色能夠呈現的定性外觀。自然界中不同的色調是無限豐富的，比如紫紅色、銀灰色、橙黃色。
色度:指顏色本身固有的明度。例如，在七種基本色調中，紫色是最暗的，黃色是最亮的。
語氣:也稱聲調。在具有壹定色相和明度的光源色的照射下，物體表面被籠罩在統壹的色彩傾向和色彩氛圍中，這就是色相。
色度:沒有顏色的屬性。顏色基本上分為暖色(也叫熱色)和冷色(也叫冷色)。紅、橙、黃是暖色，給人溫暖、溫暖、外向的感覺；綠、青、藍、紫是冷色，給人壹種冷、靜、縮的感覺。
筆觸:指繪畫過程中，畫筆接觸畫面時所留下的痕跡。筆法雖然是技術因素，但也傳達了藝術家的藝術個性和修養，所以也是藝術家藝術風格的組成部分。
中國畫:簡稱“國畫”。它指的是中國的國畫，在中國的土地上長期形成和發展，在世界藝術領域有自己獨特的體系。它使用毛筆，墨水和中國畫顏料在特殊的宣紙或絲綢上繪畫。按題材可分為人物、山水、花竹、鳥獸、蟲魚、宮殿等畫材。按表現的手段和技法可分為工筆、寫意、勾、無骨、設色、水墨畫等畫法。按版式風格可分為立軸、橫卷、冊頁、扇面等風格。中國畫非常重視筆墨，用線條、墨色和輕重色，通過勾染、幹濕濃淡、陰陽背向來表現客觀物體的物理結構；並利用虛擬現實與密度和“留白”的結合，達到巧妙的構圖效果。國畫的空間處理也比較自由靈活，就是可以用“以大見小”的方法來畫山川；也可以用“馬背上看山”的方法，畫出長江的萬裏。中國畫表現為“形神兼備”、“氣韻生動”，既提倡“師外教”，又提倡“得心於中國”。國畫還題詩篆刻於屏，集詩詞、書法、篆刻於壹體。
西畫:指不同於中國傳統繪畫體系的西方繪畫。包括油畫、水彩、水粉、版畫、鉛筆畫、鉛筆畫等多種繪畫。西方傳統繪畫講究寫實，用透視和明暗的方法表現物體的體量、質感和空間感，要求表現物體在壹定光源下的色彩效果。
油畫:通過將顏料與易油劑(亞麻籽油、罌粟籽油、核桃油等)混合，在亞麻布、紙板或木頭上作出的壹種畫。).繪畫中使用的稀釋劑是松節油和幹亞麻籽油。附著在畫面上的顏料具有很強的硬度，在畫面幹燥後能長時間保持光澤。油畫是西方繪畫的主要種類。
雕塑:造型藝術的壹種。它是三種方法的總稱:雕塑、雕刻。用各種塑泥或雕刻的木、石等材料，可以做出各種具有真實體量的形象。雕塑壹般分為圓形雕塑和浮雕兩種。由於用途不同，又分為架上雕塑、紀念雕塑、裝飾雕塑、建築雕塑等。
工藝美術:藝術的壹種。指生產具有壹定藝術意義的手工藝品，既滿足人們物質生活的需要，又滿足人們精神生活的需要。它是實用性與審美性的結合，是技術與藝術的統壹，工藝美術分為兩類:①日用工藝品。(2)顯示技術。
書法:①中國的壹種傳統藝術。②漢字書寫方法。中國書法根據漢字的造型規律，用點畫形成各種形式來表達思想。楷書、草書、行書、隸書、篆書(大篆、小篆)各種各樣的文字都有。書法美的基本因素是點畫，其次是點畫。所以書法用筆很重要，要掌握和運用舉、藏、轉、重、急、方圓等矛盾關系，註意避免輕佻的手指。從整體上看，書法的美在於字裏行間的氣勢、節奏和韻律以及所傳達的意境。各類書籍講究結構的橫向和縱向排列，期待呼應；布局恰當，條理清晰。
素描:壹種主要用單色線條和塊來表現物體的繪畫形式。通常作為鍛煉繪畫基本功的手段，以訓練對客觀物體的形狀、結構、明暗、肌理、量感、空間感的觀察和表現能力。素描也可以作為壹種獨立的藝術形式用於創作。比如畫家王式廓的作品《血衣》，就是壹個例子。
水粉畫:將粉狀顏料與水混合而成的畫。水粉壹般顏色不透明，遮蓋能力強，所以能刻畫得深刻細致。使用得當，可以兼具油畫和水彩畫的藝術效果。
壁畫:畫在建築物墻壁或天花板上的畫。分為粗底壁畫、彩繪壁畫和粘貼壁畫。壁畫是最古老的繪畫形式之壹。埃及、印度和巴比倫保存了許多古代壁畫。意大利文藝復興時期，壁畫創作繁榮，產生了許多著名作品。中國從周朝開始，歷代宮殿甚至墓葬都有壁畫制度。隨著宗教信仰的興盛，在寺廟和石窟(如敦煌莫高窟、芮城永樂宮)中得到廣泛應用，至今保存了大量著名的佛教壁畫和道教壁畫。)
漫畫:繪畫的壹種，也稱為漫畫。“高速繪畫”壹詞來自意大利語Caricare，意為誇張。後來演變為“漫畫”壹詞，指帶有諷刺、滑稽意味的圖畫。通過誇張、歪曲、假設、比喻、象征等手段，以幽默、詼諧、詼諧的藝術效果諷刺、批判(或歌頌)現實生活中的人和事。
素描:中國畫的傳統術語。描繪花、樹、鳥、動物和其他生物的畫叫做素描。如五代黃泉的珍禽速寫。在現代常見的繪畫語言中，任何直接以實物和實景為對象的描繪，統稱為素描。
速寫:用簡潔的線條和快速準確的觀察來簡要描述物體的姿態、形體、動作等特征的壹種畫法。培養畫家敏銳的觀察力，快速把握對象特征的概括，是重要的繪畫方法，也是記錄生活、積累創作素材的重要手段。
工筆畫:唐代開始流行。所以，之所以能取得傑出的藝術成就，壹方面在於繪畫技法的成熟，另壹方面在於繪畫材料的提高。工筆畫必須畫在用明礬處理過的絲綢或宣紙上。初唐時期，絲綢材料的改進在壹定程度上促進了工筆畫的發展。據米芾《畫史》記載:“絹生於古畫，至初唐，至吳聲、周、漢沃，已半熟。後來熱湯煮，粉打如銀板，冒充人物，文筆輝煌。”壹般來說，工筆畫需要先畫出底稿，壹份完整的底稿需要反復修改才能定稿。然後用宣紙或膠礬絹覆蓋，先用小筆勾勒，再隨類上色，逐層渲染，達到形神兼備的藝術效果。比如陳之佛的秋天照片。
寫意:就是用簡練的筆法描繪景物。大寫意多畫在宣傳畫上，壹筆壹豎，墨色飛揚。與工筆畫相比，寫意更能體現所描繪景物的魅力，更能直接表達作者的感情。寫意是在長期的藝術實踐中逐漸形成的，其中文人參與繪畫對寫意的形成和發展起到了積極的作用。相傳在唐代，因其詩畫俱佳，後人稱其畫為“畫中之詩，詩中有畫”，他“改畫之道”，以“淡墨清筆”創造了碎墨山水。董其昌尊他為“文人畫”之祖。五代時，先以墨色書寫花卉的枝葉，再以淡色略畫，創造了徐體的“滴墨法”。之後，文同推動了宋代“四君子”的畫風，梁麟開啟了明代“院式”的新畫風，沈周善用重墨淡色，陳柏揚強調寫實水墨淡色，徐青藤更是天馬行空，天馬行空。經過長期的藝術實踐，寫意進入了全盛時期。八大以後，石濤、李、吳昌碩、齊白石等，寫意是現在影響最大、流傳最廣的繪畫方法。寫意崇尚神似。董其昌說:“寫意是畫山水最好的方法。這是什麽？當造型和質量完美的時候，就沒有魅力；若有異色，則無筆法。”明代徐渭的《題畫詩》也說:“我們不要看起來像是壹首生存的韻文，而要照著壹切手指去剪。
中國畫用墨:是中國畫的基本技法。畫家們歷來重視筆墨的運用，寫意的興起和生活宣傳的普遍應用，筆墨的運用成為中國畫的基本特征。中國畫用墨主要是運用墨色變化的技巧。由於筆內墨水含量的不同，由幹變濕，由濃變淡。以墨代色，產生了墨分五色的說法。張湯顏淵《歷代名畫筆記》說:“墨運五色。”五色即焦、濃、重、淡、清，每壹種墨色都有幹、濕、濃、淡的變化，這就是中國畫墨的奇妙之處。另外，還有壹種說法是墨分六色。清代唐岱在《畫事略》中說:“墨色之中，分六色。什麽是六色？黑、白、幹、濕、濃、淡。”又有雲:“墨有六色，使黑白不分，無陰陽明暗；幹了又濕，沒有綠色和美麗；樹蔭不是花瓣，沒有凹凸和距離。“中國畫水墨色彩變化的豐富程度可想而知。沒有改變的墨色必然是暗淡無光的，成為毫無生氣的死畫。畫家的成功往往離不開用墨的技巧。比如齊白石畫蝦，所以婦孺皆知。壹個重要的原因就在於用墨得當。他把蝦畫了三遍:“剛開始只是略有相似，壹旦成了真，然後就越來越暗，越來越淡。“如今，我們在他的作品中看到的是栩栩如生的蝦殼，透明而堅韌，尤其是蝦的頭部。在頭骨墨跡淡的地方，壹片濃墨就是蝦腦，真是妙不可言。中國畫用墨的技巧不是體現在調色盤裏能調出多少種墨色，而是如何讓不同的墨色體現在紙上，尤其是如何讓壹支筆產生各種墨色變化。隨著中國畫的不斷發展，用墨的技巧也越來越成熟，產生了“潑墨”、“積墨”、“斷墨”等各種表現手法。
國畫色彩:中國的繪畫歷來非常註重色彩的運用。南齊謝赫在《古畫目錄》中把“隨類上色”列為“六法”之壹。這種不同的色彩賦予不同類型的圖像的理論是中國畫色彩使用的基礎。中國畫講究“以類設色”，但也非常重視空間環境對物象的影響。隨著空間環境對物體的影響，空間環境的變化，物體的顏色也會發生相應的變化。蕭藝在南北朝時期對這壹現象作了細致的觀察，在《山河松石歌》中說:“秋發族骨，夏吟春影，寒碧，暖日星涼。”這是中國最早對季節和氣候差異的解釋，所以造成了物體的顏色變化，尤其是冷暖色的變化。宋代郭的《林·高泉誌》總結了季節變化對水色、天空的影響:“水色:春綠、畢夏、秋青、克黑；天空:春搖，夏淡，秋清，欲言又止。”清代唐岱引用郭的話說:“山有四季之色，風雨晦，變化各異。它們的顏色不像它們的外表。所謂春山明如笑，夏山綠如滴，秋山明如光，冬山蕭瑟如眠。這也是四季的精神。”可見中國畫的設色要結合物體固有的顏色和環境變化的影響來考慮。
中國畫意境:是畫家通過描繪景物來表達思想感情而形成的藝術境界。它能使觀者通過聯想而歌唱，思想感情受到感染。繪畫是否有意境是作品成功的重要因素。齊白石的畫除了獨特的表現手法，還因其耐人尋味的意境而流芳百世。老舍曾請白石老人作畫，要了查楚白的詩《山泉十裏蛙聲》的題目。畫面如何體現這首詩的意境？老人想了很多天，終於畫出了我們現在看到的這幅作品。任何看過這部作品的人都會驚嘆不已。畫面用淋漓的筆墨描繪了壹條被群山映襯的山澗，清泉從巖石中噴湧而出，六只蝌蚪搖著尾巴順流而下。作品自然讓人想起潺潺的泉水，流水會在十裏之外；從六只活潑的蝌蚪，自然聯想到無數生活在山澗的青蛙。山泉和蝌蚪聯想到青蛙和青蛙，聯想中的青蛙伴隨著山泉流出的水聲，組成了壹首動人的交響樂。這幅畫以虛為實，體現了深刻的意境。
顏色的意義和象征意義:人們對不同的顏色表現出不同的好惡。這種心理反應往往是由人的生活經歷、興趣愛好和色彩引起的聯想引起的，也與人的年齡、性格、素養、民族、習慣等密不可分。比如看到紅色就聯想到太陽，壹切生命的源泉，從而感到崇敬和偉大，也可以聯想到熱血，感到不安和野蠻，等等。看到黃綠色，我們就聯想到植物的萌發和生長，感受到春天的來臨，所以把它看成是青春、活力、希望、發展、和平等等。看到黑色，我就聯想到黑夜和葬禮中的黑紗，從而感到神秘、悲傷、不祥、絕望等等。看到黃色，就像太陽照耀大地，我感到清晰，活躍，興奮。人們對顏色的判斷從經驗到主觀聯想再到理性，既有普遍性又有特殊性；既有* * *又有個性；既有必然性，也有偶然性，雖然有正確的壹面，但沒有得到科學的證實。所以，我們在選擇顏色作為符號和意義時，要根據具體情況具體分析，切不可隨心所欲，但並不妨礙對不同顏色的籠統概括。這些都是基礎知識，繪畫藝術博大精深。如果妳想學，妳最好專攻壹門學科。