以卡拉瓦喬為首的那波裏畫派（也稱卡拉瓦喬畫派），興起於意大利南部的那波裏地區，曾受到了尼德蘭繪畫的影響，它反對學院派僵化的教條和巴洛克美術誇張的浮華；追求樸素、清新、直接面對自然的表現方式；以單純、強烈的明暗，嚴謹、結實的輪廓，以前所未有的樸實無華的作風為15--16世紀文藝復興時期的人文主義繪畫向17世紀現實主義繪畫的轉型起到了關鍵而重要的作用，對同時代的西班牙、法國、荷蘭以及19世紀的現實主義美術思潮都有著深遠影響。
《水果籃》是卡拉瓦喬早期的代表作，據史料考證，這是美術史上的第壹幅靜物畫。這明晰而結實的輪廓；這單純而質樸的光線；這鮮明而實在的蘋果、葡萄、檸檬、無花果、竹藍、葉子、幹枯的葉子，以及這如實刻畫的蘋果上的蟲子眼；不僅標明了靜物完全可以成為獨立的繪畫主題而存在，也標明了卡拉瓦喬與當時追求理想化時尚格格不入的率真與求實精神。在他看來，不論是靜物，是人物還是其他實物，都是自然的客體，因此，他總是以自然本身為依據，如實地反映自然，而把前人的壹切規範和模式拋在壹邊 充滿戲劇性暴力氣氛的《強劫留西帕斯的女兒》（是巴洛克風格的典型作品。“巴洛克”(Baroque)壹詞源於葡萄牙語Garcia da Orta，是指形狀不規則的東方珍珠。後來詞義變寬，意為粗糙、不規則、不整齊、扭曲、任意、獨特的意思。巴洛克藝術風格在17世紀至18世紀席卷歐洲，它深入到從文學到造型藝術的各個領域，影響深刻。巴洛克風格在藝術精神和手法上，與盛期文藝復興有著明顯的區別，“人間戲劇”是巴洛克繪畫的重要要素，巴洛克風格的繪畫真情實感和觀賞性並重，通常是以極具表現力的誇張動態、具有強烈明暗對比的絢麗色彩達到這種效果。它突出了喜悅，促進了激情，以壯觀的遊戲加強了對感官的刺激和誘惑。巴洛克繪畫的構圖不同於均衡穩定的古典式，而喜歡用劇烈的扭轉、動感較強的S形、波浪形或放射形，常使人眼花繚亂。
巨作《強劫留西帕斯的女兒》長寬達兩米多，講述了希臘神話中的英雄卡斯托耳與波呂克斯搶掠留西帕斯的兩個女兒的傳說。卡斯托耳與波呂克斯都是麗達的兒子，其中波呂克斯是麗達與宙斯所生，兩子從不分開，他們壹個善騎，壹個善戰，都英勇無敵，是古羅馬騎士的保護者。他們愛上了邁錫尼國王留西帕斯的兩個女兒，可是她們已經許配給另外壹對孿生子了，於是兩兄弟便強行把她們掠走為妻。畫面上表現的正是兩個黝黑的壯漢把兩姐妹從睡夢中劫走，正在強行拉上馬背。畫面上，四個人和兩匹馬交錯穿插，激烈撞擊，糾結在壹起的形象占據了整個空間，造成了強烈的動勢。近乎方形的構圖，本應是穩定的，但這些形象卻以X形切割畫面，構成了極不穩定的動亂感。馬頭、人手、馬腳、人腳壹切成分依照著S形曲線的旋律持續湧動著。兩匹馬旁，各有壹個長著翅膀的小愛神牽著韁繩，他們暗示這裏既是暴力的搶掠，又是壹種充滿愉悅的遊戲，是愛情的暴力。
作者彼得?6?1保羅?6?1魯本斯（Peter Paul Rubens，1577－1640）是17世紀法蘭德斯最傑出的畫家，是巴洛克繪畫風格的典型代表。他的藝術融合法蘭德斯和意大利的傳統藝術，對歐洲繪畫的發展有重大影響。他偏愛巨幅作品，他的繪畫，在構圖上，動勢很大，形象不論是男是女，都造型結實飽滿，表現得壯健有力，色彩飽滿熱情，透著幾欲爆發的精力，甚至是強烈的肉欲。
在這幅典型的巴洛克風格的作品中，魯本斯充分展現了他刻畫人體的擅長，在兩個男子黝黑皮膚和揚蹄直立的駿馬的襯托下，兩姐妹的豐滿的身姿呼之欲出。畫家或重疊，或薄塗的筆觸引人入勝，扭轉運動的用筆和肌肉的隆起暗暗相合。紅色披風與綠色風景對比，金黃的絲巾做藍色天空的映襯，整幅作品奏成疾風驟雨般的狂熱交響。繪制這幅作品時，魯本斯剛好40歲，在最能體現巴洛克風格的熱情氣息中，他盡情的歌頌著生命的愉悅和光榮。 倫勃朗·哈爾曼松·凡·萊因（Rembrandt Harmenszoon van Rijn，1606年7月15日－1669年10月4日）是歐洲17世紀最偉大的畫家之壹，也是荷蘭歷史上最偉大的畫家。倫勃朗的頂峰之作當屬肖像畫包括自畫像以及取自聖經內容的繪畫。他被稱為“文明的先知”。由Jannik Johansen 導演的倫勃朗電影；描寫倫勃朗的文章 維米爾是荷蘭最偉大的畫家之壹，但卻被人遺忘了長達兩個世紀之久。維米爾的作品大多是風俗題材的繪畫，基本上取材於市民平常的生活。他的畫整個畫面溫馨、舒適、寧靜，給人以莊重的感受，充分表現出了荷蘭市民那種對潔凈環境和優雅舒適的氣氛的喜好。他在藝術風格上也別具特色，他的繪畫形體結實、結構精致，色彩明朗和諧，尤善於表現室內光線和空間感。維米爾的繪畫給人壹種真實性，除了日常生活中的真實之外還使人感到壹種信仰上的真實感。他的畫光線並不是太多，卻給人以明亮的感覺，雖然缺乏深刻的社會內容，但是畫中這種平實的情感起到了凈化人類心靈的作用。
德爾夫特街
維米爾在作品《德爾夫特》的右側繪出了鹿特丹城門，它由高大的主樓和雙塔橋頭堡組成，城門的前面壹座雙拉索橋把觀者的視線引向右側遠處斯希河旁的船塢。維米爾把斯希丹城門放在畫面的中心，斯希丹城門的左側是凱瑟爾（Kethel）城門，穿過城門便是斯希丹碼頭。在維米爾所生活的年代，斯希丹城門的雙塔已經絕跡，主體建築中唯有城門得以幸存。城墻由紅磚砌成，磚層中鑲嵌著沙巖石（這種建築用的石材由當地生產，從外地進口十分昂貴）。在主城門後的左面，我們看到軍械庫的屋頂。今天，這些房子仍然矗立在那裏 梅因德爾特·霍貝瑪 Meindert Hobbema （Hobbema，Meindert，1638～1709），荷蘭畫家。1638年10月31日受洗於阿姆斯特丹，1709年卒於同地。早年從師J.van雷斯達爾學畫風景畫。作品多描繪鄉村道路、農舍、池畔等，代表作《林蔭道》、《磨坊》等，真實地表現了自然界多變的景象，其精確的透視為人稱道。 西班牙畫家。1599年6月6日生於塞維利亞，1660年8月6日卒於馬德裏。早年在老埃連拉畫室學畫，後拜在畫家F.帕裏切科門下。早期繪畫《賣水人》、《煎雞蛋的老婦》形 象真實，有濃郁的生活氣息。1623年進入馬德裏宮廷為國王服務 ，但受到原在宮廷服務的保守派畫家的排斥和貶低。1627年他和保守派畫家按同壹命題作畫，進行了壹場藝術競賽，結果大獲全勝，鞏固了他在宮廷的地位。兩年後完成的油畫《酒神巴庫斯》(又名《醉漢們》)，表明他將泥土的芳香終於帶進了宮廷。1629年他獲得機會出訪意大利，在威尼斯、羅馬、那不勒斯等地看到了文藝復興諸大師的繪畫原作，特別著重研究了威尼斯畫派的色彩與用光，回國後創作的作品色調更加柔和、晶瑩，形象塑造更加生動、細膩。這期間最傑出的作品是《布列達的投降》（現在壹般翻譯為《勃魯達的投降》），它是壹幅大型歷史畫，作者以公正不阿的態度描繪了西班牙和荷蘭戰爭中雙方人物的復雜心理狀態：西班牙雖是勝利者，但兇狠、傲慢，給人壹種不快之感；荷蘭人失敗了，但沒有失去尊嚴。他的大量肖像畫都堅持寫實原則，並且註重刻畫人物的精神面貌。可惜的是畫面的氣氛過於和平，與史實有明顯的差別，但這並沒有影響這幅作品的價值。對統治階級的代表人物如《腓力四世像》，重在表現其虛偽、冷漠和淺薄，決不阿諛奉承。對於朋友和處在社會底層的勞動者，如《拿扇子的婦人》、《矮子安東尼奧》，則被描繪得平易近人，有的還具有社會批判色彩。1651～1660年是他生活的最後10年，由於當局在對他授勛問題上有爭論，使他情緒極不愉快，但仍創作了不少好作品。代表作《宮娥》（又名《宮女群》）和《紡織女》，被認為是17世紀歐洲少見的現實主義代表作，也證明他雖然長期擔任宮廷畫家，但始終未失去平民的本色。
委拉斯貴支的另壹個中文譯名是“委拉斯開茲”。 弗朗西斯科·戈雅戈雅是西方美術史上開拓浪漫主義藝術的先驅。早期喜歡畫諷刺宗教和影射政府的漫畫,貪婪的修道士,偷盜,搶劫,接生婆,全部被他畫成魔鬼的樣子.他的畫集曾被制成撲克牌.他粗俗但充滿真理的畫風很受廣大觀眾的喜愛.並為他招來各種審判.但他的修道士雇主壹直袒護他.曾著有裸體的瑪哈,曾將皇後容貌的缺點畫出來.
1792年,拿破倫侵略西班牙時,戈雅耳聾了,他同時改變了畫風,將題材轉向諷刺拿破侖的假仁義和偽道德,批判戰爭的愚蠢借口. 阿爾貝·勒布倫 （Albert Lebrun，1871年—1950年）法國政治家，法蘭西第三***和國的最後壹位總統（1932～1940）。
華托(JeanAntoine Watteau，1684～1721)是壹個有文化的建築商人的後代。在華托快要15歲時，其父母讓他跟著壹位名聲平平的畫家學習畫畫。後來，從1704年起，華托還跟過壹位從事劇院裝修的畫家。正是跟著這位老師，十八歲的華托到了巴黎，並參加了歌劇院的裝修。盡管華托只幹了幾個月而已，但是卻令其受益匪淺。畫家後來的作品中的舞臺感大概就與此有關。1708年，華托有機會接觸盧森堡宮中的藏品。魯本斯的作品給了他極為深刻的印象。同時，他結識了壹位擅長描繪喜劇表演的畫家。華托後來所畫的“遊樂畫”觀念可能由此產生。所謂“遊樂畫”，描繪的是浪漫而又美輪美奐的聚會，其中盛裝的男女在戶外花園式的環境中隨著音樂優雅地嬉戲、調情。這種畫法可以追溯到喬爾喬內以至中世紀的“愛之園”的畫作。華托只是接受那些他願意畫的委托件。華托曾經努力想奪取羅馬大獎，以便能去意大利親睹前輩大師們的傑作。但是，他並未如願。在時不時光顧劇院的過程中，華托開始動手畫他的“遊樂畫”。華托的藝術生涯不過15年而已。他嘗試過各種各樣的體裁(例如掛毯圖樣、天頂畫、壁板畫、扇畫、鍵盤樂器上的裝飾畫、寓言畫、諷刺畫、風俗畫、軍事畫、舞臺畫、宗教畫、風景畫和肖像畫等)、主題和技巧。當然，他傾全力為之的還是“遊樂畫”，顯現出了特別擅長於描繪羅可可時期的那種輕松愉快又不免憂郁色彩的夢幻世界的特殊才華。“遊樂畫”是別人在無法歸類他的作品時臨時起的名字。的確，他的“遊樂畫”堪稱其藝術精神的結晶，屬於壹種新的風俗畫，也是他後來獲得國際聲譽的原因所在。華托是壹個非常獨立的藝術家，他不隨意屈從贊助人或官方的意誌，而其作品的創意和清新使得法國繪畫與意大利的學院主義拉開了距離，從而確立了直到新古典主義出現才漸漸失去影響的壹種名副其實的“巴黎人的”景致。詩人戈蒂埃在《華托》(1838)壹詩中顯然是用了壹種極為贊賞的語調：
我長久駐足柵欄門邊，
凝視華托風格的庭園；
細榆、紫杉、綠籬，
筆直的小徑費修飾；
走動間心情又悲又喜，
看著看著我心明矣；
我的幸福就寓於此。
當然，華托的世界是壹種極人為的世界，除了愛的場景，他就畫那些來自戲劇的主題。在輕浮的底下往往默默流淌著壹種憂郁的情感，似乎無時無刻都在提醒人們，壹切感官的愉悅均是短暫的。這往往可以為他的作品增加壹種特殊的詩的意味。
華托作品中的憂郁的意味是與他的生活相關聯的。華托從來沒有自己的固定住所，總是在朋友和贊助人的家裏暫住。他終身飽受肺結核的折磨。1719年，他到英國尋求名醫，為後者畫了《意大利喜劇演員》。翌年，畫家回到巴黎，和藝術商朋友待在壹起，並為後者畫了《熱爾尚畫店》。畫家臨死之前，在壹修士的勸說下，毀掉了大量具有情色意味的畫作。1721年7月18日，年僅37歲的藝術家辭別人世。
華托的畫由於大多與貴族有關，因而在大革命期間受到冷落。只是到了19世紀中葉，他的畫才又受到普遍的歡迎。德拉克羅瓦和修拉都喜歡華托的作品。不少音樂家據說在欣賞華托的作品時就進入了音樂的氛圍。西貝柳斯、拉威爾、德彪西、肖邦等是突出的例子，他們都曾從華托的作品中感受到特殊的靈感。有的藝術史學者甚至認為，華托在色彩處理和對自然的研究方面的建樹使他成為了印象派的先驅之壹。
素描是華托的畫中的壹個關鍵因素。畫家從不停止手中的筆，壹有空就動手畫素描，習慣於迅速地為朋友和熟人捕捉住栩栩如生的姿態和音容笑貌。他也常常讓模特兒壹次次地更換服裝和變化姿勢。他有時是在壹張紙上畫下同壹模特兒的若幹種不同的姿態。華托將這些素描細心地保留下來，供日後的油畫構圖參考。這樣做，是在追隨16世紀的大師魯本斯的風範。不過，與魯本斯那種強有力的形態語言不同，華托是用壹種纖細而又短促的線條構成優雅的造型。《戴帽女士三草圖》就是壹個很好的例子。其中壹個坐著，另兩個大方地站立著。右邊的那個造型後來就出現在《農民的婚禮》壹畫中。同時，即使是在草圖中，人們就可以看出華托在用粉筆時的嫻熟和大氣。他用淡紅色的粉筆勾線，再用白粉筆強調光的效果，而人物服裝的裝飾性得到尤為精彩的渲染，其皺褶和肌理躍然紙上。
《發舟西苔島》是壹幅與畫家同年所作的《朝聖西苔島》(藏於柏林夏洛滕堡宮)頗為相似的風俗畫，即“遊樂畫”。它是畫家經過多年奮鬥之後功成名就的壹個重要標誌。眾所周知，愛情從中世紀開始就是法國詩歌中的傳統主題，它是所謂“壹種使身體健康的心理疾病”。西苔島據說是維納斯誕生後不久登陸的地方，當時從海上出生之後，風神就將她送到了西苔島。因而，此島是獻祭給維納斯的。在華托的時代，西苔島成了壹個極為流行的主題，從18世紀開始，有不少的芭蕾和歌劇就壹而再、再而三地表現了“發舟西苔島”的主題。此畫也是對這壹主題的描繪，並從戲劇中獲得啟示。畫面中的壹對對戀人穿著舞會上的盛裝，有的甚至穿著朝聖用的披肩。但是，他們與其說是在向西苔島這壹傳說中的戀人之島進發，還不說是正依依不舍地離開它。所有人都已經在島上的愛情之殿中山盟海誓，愛神維納斯讓他們變得無法分離。地上的那些東西被棄而不管是為了突出愛情的愉悅在此時此刻的至高無上。但是，在這種愛意綿綿的情境中卻隱含著某種痛苦的情緒。愛情在離開了維納斯的綠蔭庇護之後將會怎樣?這也是戀人們難以離別西苔島的潛在原因。畫家在表達壹種看起來輕松愉快的主題時，卻也隱隱約約地平添了壹種憂傷的情調。這種永遠找不到安身立命的感傷是華托作品中揮之不去的典型意緒。所以，欣賞華托的“遊樂畫”往往有兩個階段：先是看到其中的快樂、優雅甚至風流；接著則是感受潛在的黑暗或淡淡的悲哀。
畫中雲蒸霞蔚般的背景顯然有威尼斯畫派的影響。小天使們在戀人們的頭上盤旋，營造出壹種夢幻與現實相融的情景。至於色彩的運用，有魯本斯晚期畫風的壹些特點。不過，華托用的是流暢的、稀釋的顏料，不是魯本斯所用的那種凝重的、厚塗的顏料。有研究者認為，就主題而言，《發舟西苔島》就是魯本斯的《愛之園》壹畫的某種再創造。
《威尼斯遊樂圖》依然是“遊樂畫”的範疇。但是，有研究者指出，其中右邊的風笛手帶有強烈的自畫像的成分。他是如此的虛弱、憔悴，同時是那麽的緊張、焦慮，眼睛又透露出某種的煩躁，因此反而成為內中的憂傷之源。細看之下，人們確實會有些迷惑，畫中風笛手以及左側的畫家的朋友為什麽視線不是集中在中央的女演員身上?或許在表面的舞蹈和閑逸之外還有更多的憂慮?畫中田園式的背景強調了聚會中沈浸在快樂裏的人們已經遠離了社會的諸種藩籬的約束，而其中的男女情也是暗示的，而非展示的。因而，在這種具有舞臺感的構圖中，壹切都是變幻的，充滿了不可確定的因素。
華托後期的作品從迷人的西苔島的神話轉向更為平實的現實本身，不再深深地沈迷在夢幻之中。在嘗試了若幹幅小尺寸的畫之後，華托就畫了《吉爾》這幅尺寸頗大的作品，以此突出了人物(戲劇中的醜角)的某種孤獨感。華托對戲劇是極為癡迷的。因而，醜角成為其筆下的主題是十分自然的。盡管這不是壹幅自畫像，但是，有的研究者指出，這幅畫同樣具有相當的自傳因素。畫中包含了藝術家的某種相當強烈的認同感，委婉表達出壹種令人痛苦的情感。也許，這是畫家為壹個演員出身的咖啡館的主人所畫的招牌畫。畫中的人也可能是以壹個朋友或者壹個演員為模特兒的。醜角兩眼出神，雙臂垂著，壹動不動，筆挺地站著，臉上是那種似醒非醒、天真而又莊重的表情。後面是綠葉茂森的、意大利風格的背景，天空中什麽也沒有。在頗像壹個露天舞臺的土墩的邊上有四個哈哈大笑的人物。他們都是演員，其中有壹個是騎在驢上的小醜——他們***同構成了完整的畫面，同時增添了戲劇性。與《威尼斯遊樂圖》不壹樣的地方在於，吉爾不像那個風笛手那樣，臉上有豐富的表情特征，而且吹奏著樂器，而是壹身簡單的白戲服。月亮狀的帽子圍繞著壹張生動而又嚴肅的臉，與其身後的人活潑的臉容形成了對比。而且，吉爾似乎與身後的人們完全沒有關系：如果說吉爾是閑著的，那麽其他的人卻是活躍的；吉爾沒有笑容，而其他人卻是在逗樂；吉爾只是朝著觀者的方向看著，而其他人卻形成壹個群體。畫中的情感無疑是多重的甚至復雜尤加，華托通過令人心有所感的形象記錄了某種結局而非開局的意緒。這是壹種笑不出來的東西，是壹種讓人微微心酸的寂靜。確實，華托在這幅畫中體現了自己與裝飾味的羅可可的距離了。
《熱爾尚畫店》是畫家的最後壹幅作品，而且尺幅巨大。它寫實地描繪了華托的藝術商朋友熱愛畫店內的情形。原本此畫要用來做招牌的。藝術史學者認為，這是畫家筆下最富古典氣息、構圖最完美的作品。與此同時，這也是晚期的華托在寫實與心理探詢上的追求。這是壹幅華托風格的風俗畫，試圖描繪出人在日常生活中的位置。與以前的畫不壹樣，這裏的愛情的背景不再是那種有天使飛翔的花園，而是變成了巴黎的朋友的畫店；社交用的音樂改為了買賣過程。正如有的藝術史學者所指出的那樣，此畫除了倫理意義外，什麽也不缺。在某種意義上說，此畫是藝術傑作，也是重要的“文獻”，18世紀的藝術家感興趣的裝飾性(那些掛著的畫大概是熱爾尚從未經手過的，而且畫面被壹分為二、欺騙眼睛的寫實性等盡在其中。人物不再穿那種化裝舞會上的禮服，而是時髦的衣服，畫家不僅引人入勝地畫了衣服上的花邊和柔滑的質感，而且也精心描繪了普通的亞麻服裝，譬如那個在搬路易十四肖像畫的男子的醜角風格的襯衣。所有的人物均無大小主次之別。畫中從街上走進畫店的少女仿佛要將觀者的視線引入店內，她的伴侶風度十足地走前壹步，好像是在跳小步舞曲。他們成為華托筆下最後的壹對愛侶。店內陳列的有些畫作(如右邊的圓形畫)中的愛情描繪自然是壹種印證、強調和渲染。年輕的女店員為顧客展示壹面鏡子，可是男性們到底是在看鏡子還是美麗的少女呢?同時，鏡子中被映照的是壹個目光哀怨的盛裝女士的形象。畫中盡管沒有什麽清晰的故事的線索，可是所有的人物卻似乎並非只是為了藝術品而來。因而，越看這幅畫，越會讓人反思人的內心世界。無怪乎有研究者認定，華托的這幅畫屬於“心理寫實主義”，從而完成了華托對魯本斯的最後敬意和超越。可惜的是，藝術家英年早逝，這種追求未能再延伸和發展 弗拉戈納爾是弗朗索瓦·布歇（ Francois Boucher，1703—1770）的學生，而且又不斷研究夏爾丹，並取得顯著進步。他也留學過意大利，三十壹歲回巴黎以後，才開始他的真正的創作活動；他的作品手法多種多樣，既有豪放恣意畫成的，也有精心嚴謹地描繪的。
弗拉戈納爾的作品風格多變，色彩華麗，充滿色情意味。晚年時因繪畫風格不合時尚逐漸沒落。他的代表作品之壹《秋千》，巧妙地運用明暗的變化，以纖細的筆致，描繪出庭院和樹林的美，非常精巧。它的纖細的線條，有種類乎病態的魅惑，色彩也淡雅。從這種表現來說，弗拉戈納爾雖然是天資豐富的藝術家，但他的主題卻稍稍有種不嚴肅之處。從下往上眺望正在打秋千的貴婦人的年輕貴族，也許當時沒有遭到非難，但今天看來，就頗有輕佻浮薄之嫌了。對此只能認為弗拉戈納爾是迎合貴族的輕佻作風。如果說華鐸是好的方面的洛可可畫家，那麽就不能不說弗拉戈納爾卻具有洛可可的浮惡之氣，正是由於這壹點，應該說他又是最洛可可化的。總之布歇和弗拉戈納爾都充分表現了路易王朝貴族、貴婦人的輕艷奢侈嗜好遊玩的生活、感情和趣味。
弗拉戈納爾的《浴女》構圖突兀，女人體似乎同雲朵、樹木、河流壹起在急劇旋轉，別致而誘人。《蒂布爾瀑布》更是獨造，強光在曬臺衣服上造成的點點閃光和豐富層次，甚至可和兩個世紀以後的風景畫相比。不過，弗拉戈納最拿手的還是肖像，大塊的厚色、飛舞的筆觸與傳統手法大相徑庭。《狄德羅》、《讀》、《舞蹈家吉瑪爾》等畫，至今仍以其瀟灑奔放的手法而膾炙人口。
伊薩克·列維坦（Levitan，Isaak Iliich) 1860年8月18日生於立陶宛基巴爾塔，1900年7月22日卒於莫斯科。列維坦是俄國傑出的寫生畫家，現實主義風景畫大師，巡回展覽畫派的成員之壹。列維坦的作品極富詩意，深刻而真實地表現了俄羅斯大自然的特點與多方面的優美。他的寫生畫的獨到之處是：用筆洗練、綜合廣泛、情感充沛，描繪大自然的狀態以及各種精神感受的千變萬化，富有沈思、憂郁的特性 門采爾（Adolpyh Von Menzel 1815-1905），阿爾道夫?6?1門采爾是世界著名的素描大師，是德國十九世紀成就最大的畫家,也是歐洲最著名的歷史畫家,風俗畫家之壹,更是傑出的素描大師。石版工之子。他從13歲開始學繪畫。壹生***創作了壹萬五千多幅速寫，七千多張素描。這些數量驚人的作品，都是他辛勤勞動的結晶，他不管走到哪裏，繪畫工具總是隨身帶著，在大街小巷，鄉村田野，河畔山頂，處處可以看到揮筆作畫的身影。有人稱他得了“緩畫狂熱癥”，他聽了很高興地說：“希望此病是絕癥。”精於素描，作有為數眾多的速寫及素描。畫家力求從多方面反映現實生活,畫了很多工人及其他勞動者的形象,這在當時歐洲同時代的畫家中是罕見的.然而我們今天也不能用機械的觀點去印證門采爾的政治意識.如在我國的某些出版物中,似乎給門采爾作了主觀的缺乏時代感的政治加冕.正如他畫皇帝及統治階級上層,並經常出入於宮廷參加宴會和各種典禮,而自身並非反動派;他畫了大量勞動者,但也不宜說他是為了表現工人階級的力量和勞動創造世界.如同他對色彩和光頗感興趣,但決非屬於印象派壹類。他經常 在紙版上作小幅油畫，描繪 日常生活景象。他最著名的作品是《軋鐵工廠》，是較早反映工人勞動和生活的油畫作品。他的創作題材廣泛，畫有歷史畫、風俗畫及風景畫等。作品有歷史畫《無憂宮的宴會》、《無憂宮音樂會》、《威廉壹世加冕禮》，風俗畫有《軋鐵工廠》、《舞會晚餐》、《柏林波茨坦鐵路》、《陣亡烈士葬儀圖》等，他憑記憶作畫畫了5000余幅素描和速寫，造型嚴謹、解剖明確、筆法剛勁、生動自如，被譽為“素描大師”。