2.芭蕾最初是指以歐洲古典舞為主要表現手段，融合音樂、啞劇、舞臺藝術和文學來表現壹個故事或壹個情感節日的戲劇藝術，稱為古典芭蕾(或古典芭蕾)。20世紀現代舞出現後，以現代舞和古典舞技法相結合為主要表現手段的現代芭蕾，稱為現代芭蕾。漸漸地，芭蕾壹詞也被用來指代以其他舞蹈為主要表現手段的芭蕾作品，盡管它在舞蹈風格、結構特征、表現手法等方面都不同於古典芭蕾或現代芭蕾。
3.現代編導創作的舞蹈作品有相當壹部分是沒有故事內容和情節的。編導們用歐洲古典舞或現代舞，或把它們結合起來，表達某種情緒、意境，或作者對壹部音樂作品的理解等。這些也被稱為芭蕾。
芭蕾舞
“芭蕾[1]”起源於意大利，興盛於法國。“ballet”這個詞是法語單詞“ballet”的音譯，意思是“跳”或“舞”。
芭蕾源於古拉丁語ballo。起初，這個詞只是指跳舞，或在公共場合表演舞蹈，並沒有戲劇表演的意思。
芭蕾舞的歷史可以追溯到歐洲文藝復興全盛時期的意大利大宮廷和法國南部伯根迪的宮廷。每當妳結婚、會見外國元首或其他重大慶典時，都會表演這種舞蹈來表達祝願或增添樂趣。
芭蕾成長史第壹部芭蕾舞劇《女王喜劇芭蕾》於1581上演。洛林的瑪格麗特·密斯(Margaret Mies)和範西爾公爵姚有思(Duke Yao Yousi)結婚時，這部芭蕾舞劇的配樂還保留著，可以算是最古老的芭蕾音樂了。
繁榮的
芭蕾在路易十四時代(1643-1715)達到頂峰。路易十四本人是壹位傑出的舞蹈家，熱愛芭蕾表演。1661年，路易十四創建了歷史上第壹所舞蹈學校——法國皇家舞蹈學院，專門教授舞蹈。這所學校現在屬於巴黎歌劇院。下面五個肢體行為的姿勢和壹些精彩的芭蕾姿勢是在1700這裏建立的。
在皇家舞蹈大師Beauchamp、Cambefort和Lully的大力倡導下，法國芭蕾在文化和音樂上的重要性大大增加。因此芭蕾成為許多新宮廷舞蹈的起源；如:加維特、帕斯皮德、博雷、裏高登等。在這些舞蹈中，最重要的是小步舞。1653年，李露開始參加法國宮廷的芭蕾舞活動，並達到了很高的水平。當時，他正與莫裏哀合作打造壹部所謂的喜劇芭蕾舞劇，它是戲劇和芭蕾舞的混合體。
161年，法國國王路易十四下令在巴黎建立了世界上第壹所皇家舞蹈學校，為芭蕾確立了五只基本腳和七只手，使芭蕾有了壹套完整的動作和體系。
1760上映的《Le Bourgeois Gentilhomme》可以算是這類舞劇最著名的代表作了。盧瑞將芭蕾運用到他的歌劇中，他的兩位繼任者坎普拉和拉莫也緊隨其後。
尤其是莫拉的作品，因為同化了墨西哥、健康和中國等外國情緒，顯得更加滑稽。這當然跟他的性格和風景有關系。英方還創作了壹部名為《假面》的非凡芭蕾舞劇。到17世紀下半葉，維也納已經成為芭蕾舞表演的中心。然而，當時的歐洲芭蕾正處於傳統與創新、苛刻與抒情、純舞與問題舞、芭蕾與現代舞的爭論之中。在21世紀的今天，這些不吸引人的想法或多或少都有它的余波，有時還被爭論不休。
芭蕾舞
從1789開始，呈現了《被囚禁的女兒》等壹批早期(也稱前浪漫主義時代)的芭蕾名作。19世紀，芭蕾舞史上的黃金時代“浪漫芭蕾”在巴黎呈現，出現了仙女(1832)、吉賽爾(1841)、加布裏埃拉(1870)等壹大批經典劇目，如《睡美人》(1890)、《胡桃夾子》(1892)、《天鵝湖》(6543865438+黎塞留主教宮劇院在20世紀70年代開始用於芭蕾舞表演。場地和觀眾觀看角度的變化，引起了舞蹈技法和審美觀的變化，演員的站姿也越來越開放，從而正式確定了腳的五個基本位置，成為芭蕾技術發展的基礎。職業芭蕾舞演員應運而生，並逐漸取代了貴族業余演員。專業芭蕾舞演員也開始登臺表演，舞蹈技術發展迅速。芭蕾舞表演逐漸從壹種自娛自樂的社會活動轉變為壹種戲劇表演藝術，這壹時期的芭蕾舞從屬於歌劇，宮廷作曲家J.B .露莉在歌劇中加入了芭蕾舞場景，實際上是壹系列舞蹈表演，但情節似乎無關緊要，所以被稱為唱芭蕾或芭蕾歌劇。這種情況壹直持續到18世紀中葉。小說，18世紀的芭蕾大師，是芭蕾史上最具影響力的舞蹈革新家。他在1760出版的《舞蹈與舞劇快報》中首次提出了“劇情芭蕾”的觀點，強調舞蹈不僅是壹種身體技能，更是壹種戲劇表現和思想交流的工具。小說的理論推動了芭蕾創新的浪潮。在他和眾多演員、導演的不斷努力下，芭蕾在內容、題材、音樂、舞蹈技法、服飾等方面進行了壹系列改革。這些改革最終使芭蕾舞從歌劇中分離出來，形成了獨立的戲劇藝術。
在芭蕾發展史上，有兩種主要的美學觀點壹直在起作用。壹種觀點認為芭蕾是壹種“純粹的舞蹈”，16世紀的意大利舞蹈老師、女王喜劇《芭蕾》的導演Beaujoyeulx認為芭蕾是“幾個人壹起跳舞的幾何組合”。這種觀點完全著眼於芭蕾的形式美，幾乎完全忽略了芭蕾的內容或情節，往往導致單純追求高超華麗的技巧。18世紀中葉以前，這種觀點在芭蕾創作中占主導地位。另壹種觀點強調芭蕾是壹種“戲劇性的舞蹈”，小說的“情節芭蕾”理論最集中地代表了這壹觀點。他認為，在壹部芭蕾舞作品中，上述兩個主要觀點在今天仍然有效。很多導演致力於創作戲劇性或矯情的芭蕾作品，也有壹些導演熱衷於非矯情的芭蕾，註重形式美。兩部作品中的優秀劇目都為觀眾所欣賞，經常作為保留劇目上演。20世紀以來，各種文學思潮對芭蕾創作的影響越來越明顯，出現了許多風格各異的作品。
芭蕾舞
編舞是創作壹部芭蕾舞作品的關鍵人物。他根據文學劇本(或者壹個故事、壹首詩、壹部音樂作品)構思芭蕾結構或者舞蹈結構，然後演員再去體現。編舞和演員都必須掌握芭蕾語言(或芭蕾詞匯)——芭蕾技術技巧，以及運用芭蕾語言表達特定內容或情感的能力。編導要知道自己擅長什麽，不能表達什麽。另壹方面，演員應該訓練有素，能夠適應並創造性地體現編舞家的想法。只有具備了這些基本條件，芭蕾創作才能進行和完成。芭蕾的結構形式有:獨舞、二人轉、三人舞、四人舞、群舞等。古典舞、個性舞(舞臺民族舞、民間舞)、現代舞等。根據以上形式，多幕芭蕾(分分合合，如《天鵝湖》)、單幕芭蕾(如《仙女》)和芭蕾小品(如芭蕾舞劇的這種結構形式在19世紀後期發展到高度規範化和風格化，影響和制約了芭蕾的發展。在20世紀導演創作的大量芭蕾作品中，這些規範和程序都被大大突破，新的探索和創作不斷湧現。
芭蕾舞
世界公認的壹流古典芭蕾舞團有七個:前蘇聯的基洛夫芭蕾舞團和莫斯科劇院芭蕾舞團，美國的紐約市芭蕾舞團和美國芭蕾舞劇院，英國的皇家芭蕾舞團，法國的巴黎歌劇院芭蕾舞團和丹麥皇家芭蕾舞團。當代芭蕾呈現出前所未有的普及和繁榮。代表人物和集體有捷克的Jiri Kirian (1947-)和他的荷蘭舞蹈劇院，還有美國的William Forsyte (1949-)和他的法蘭克福芭蕾舞團。
古典芭蕾有其特定的結構和形式。只有通過藝術總監、編導、舞蹈演員、燈光音響、服裝、布景、專業劇場工作人員的密切配合，才能完整地呈現給觀眾。
如果妳能對芭蕾舞舞臺上的風格有壹個基本的了解，妳會在觀看芭蕾舞表演時獲得巨大的樂趣和興奮。芭蕾舞表演主要由以下三個角色組成:
1，主角:主角是故事的核心人物。舞者需要有壹定水平以上的技巧和體力，最重要的是要有高超的舞蹈素養和性格，才能詮釋劇中的角色。古典芭蕾二重奏是整部舞劇的重點，大多由男女主角扮演。古典芭蕾二重奏的結構順序是男女主角慢板，然後是男主角獨唱和女主角獨唱，最後是最後的尾聲快板。主角的藝術素養和技巧水平將在二重唱中呈現。
2.獨舞者:具有主角技巧，能單獨表演或三四個人表演的人。
3.群舞者:群舞者的舞步雖然簡單，但復雜的畫面變化，整個氛圍更為重要。每個群舞者都很重要。只要有壹個人不合拍，大局就會受到影響。
踮起腳尖的芭蕾舞演員。在觀眾看來，踮腳跳舞是放松和享受的。女演員腳上的粉紅色芭蕾舞鞋是如此美麗和優雅，這提醒人們這是壹種高貴的藝術。但是，事實上，踮起腳尖跳舞是非常困難的。那些致力於芭蕾舞藝術並探索其奧秘的人不願意將秘密公之於眾。如果芭蕾舞鞋的秘密被揭開，似乎芭蕾的神秘將不復存在。
芭蕾舞鞋所能承受的巨大負荷可以和足球鞋相比，關鍵是腳趾。鞋頭不僅柔軟，還具有相當大的安全系數。即使跳的時候鞋尖斷了，女演員也保證不會殘疾。
俄羅斯著名公司Grishko生產的芭蕾舞鞋在從非洲到墨西哥的30多個國家廣受歡迎。
芭蕾舞鞋的鞋頭是由織物制成的，如緞子，它可以生產緊身胸衣。“格裏什科”的專家得出結論，最適合芭蕾舞鞋的顏色——桃紅色，既能刺激觀眾，又能安撫女演員本人，而不是很多國家通常采用的粉紅色。
芭蕾舞鞋的鞋頭最大的奧秘在於能讓女演員踮著腳尖跳舞的“鞋盒”。鞋盒藏在鞋頭裏。“鞋盒”實際上是壹個覆蓋腳趾和壹部分足面的硬套。“鞋盒”由六層最普通的麻布或其他紡織品制成，不含木材、塑料、軟木等材料。“Grishko”公司有粘合劑的專長，讓腳趾不太硬也不太軟，不容易斷。
鞋頭是手工縫制的，然後和鞋的其余部分壹起和“鞋盒”的內外縫在壹起。之後，鞋匠把鞋尖翻回來，用小錘子把“鞋盒”敲平。沒有不平的情況下，讓鞋子直立在硬物上，看是否能維持。
芭蕾舞
平衡。最後，讓舞鞋在50攝氏度的溫度下晾幹，在室溫下存放。壹雙芭蕾舞鞋做好了！不幸的是，壹雙芭蕾舞鞋的壽命很短:兩三場演出。“格裏什科”鞋的記錄是大劇院獨舞演員娜傑日達·格拉西奧與基特裏合作，在芭蕾舞劇《堂吉訶德》中跳了九次。
為了適應不同高度的腳，芭蕾舞鞋總有“瓦加諾娃”、“艾麗塔”、“富傑”三種。每個型號分為17大小。此外，每個尺碼有五種肥胖。任何女演員都可以從255種不同厚薄、大小、胖瘦的鞋子中挑選自己理想的鞋子。盡管如此，為了讓鞋子更適合自己的腳，每個女演員都有自己別出心裁的方法:有人用小錘子敲打鞋子，有人用門擠壓鞋子，還有人把各種東西放進“鞋盒”...
天鵝湖
俄羅斯芭蕾舞演員葉卡捷琳娜·馬克西莫·瓦亞(Yekaterina maximo Vaya)承認，在選擇不夠的時代，每次有新戲上映，她都要花壹整天的時間來讓自己的腳適應舞鞋。
還有壹件事沒有提到。每個女演員通常會自己在舞鞋上縫壹條小絲帶。通往舞臺的路已經打開了！
至於演員，他們穿的是所謂的軟鞋——在外行人看來就是普通的布鞋。它的制作工藝比不上女星，但也有自己的精妙之處。軟鞋有兩種:全底和分底。分體式鞋底由兩部分組成:鞋前部和鞋跟。是鞋的前部讓演員的腳在裏面穿起來很舒服，很自由。
舞鞋的系法也很有講究:通常是將絲帶在腿上系兩次，再用蝴蝶結系好。因為表演時不能系絲帶，演員上臺前要把鞋帶系緊。[1]
身體語言
編輯和廣播
所有的芭蕾都以這五種姿勢中的壹種開始和結束。這些姿勢是在18世紀創造的，用來達到平衡，讓腳看起來很美。
傳統的古典芭蕾技巧是建立在開、伸、直的美學基礎上的。包括:阿拉貝斯克、姿態、伊卡特等五種腳的基本姿勢和三種基本舞蹈；腿部技能:各種壓條——包括腿部拉伸、開叉和ronddejambo(腿部畫圈)；跳各種幅度和舞蹈；各種旋轉；擊腿技巧；各種舞步和連接動作；女子腳尖舞技巧；二重唱的支撐、托舉等技巧；以及波特布拉斯等。古典芭蕾的這些基本動作(元素)就像字母壹樣。編導用這些字母記下劇情發展過程中不同角色的性格、身份、情感和角色，並將這些元素按照特定的結構手法進行排列組合，形成視覺舞蹈詞匯來表達劇情，塑造出各種藝術魅力的舞蹈形象。
腳的五個基本位置:
第壹名:兩腳跟接近壹條直線，腳尖向外180度；
第二名:兩腳跟相距壹尺，腳向外扭，兩腳成壹條直線；
第三名:兩腳跟前後放置，腳尖向外張開；
第四名:雙腳前後保持壹尺的距離，腳尖和腳跟保持在兩條直線上，雙腿向外翻；
第五名:雙腳前後重疊，腳尖相碰，雙腿向外翻；
手的基本位置:
1.瓦卡諾娃學校(俄羅斯學校)
第壹名:雙手在前腹前形成自然圓圈；
第二位:雙手向側面伸出，在視線內，掌心向內；
第三名:雙手放在頭頂的視線內；
2.查格迪學校(意大利學校)
第壹名:雙手垂成自然圓圈，手指觸碰大腿旁邊的位置；
第二名:手伸在側面；
第三位:壹只手在身體前方向內，另壹只手側向外伸；
第四位:保持壹只手與身體前方橫膈膜在同壹高度，然後同時舉過頭頂。做這些動作時不要扭臀，否則會被認為粗魯不優雅。
舞蹈術語
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圖像
舞蹈藝術塑造的人物動態形象，人體的姿勢、造型、步法等動作，借助音樂、舞臺美術、化妝、服裝等藝術因素，具有欣賞價值的視覺效果。它具有可視性和流動性的審美特征，是舞蹈欣賞過程中被感知和認知的主要對象，是體現舞蹈藝術審美價值的主體。
表示
根據人們的心理活動和現實生活中表達表情的習慣性特點，經過提煉和藝術加工，概括為不同的舞蹈形式，表現出喜怒哀樂等內心情感變化。除了與動作協調的面部表情，有節奏的動作、姿勢、手勢、形體也能產生藝術的舞蹈表情。
形狀；外形
用芭蕾塑造形體的教材有什麽好處:訓練孩子三長壹小(三長:手長、腿長、脖子長；a小:小臉)可以最大程度的塑造和改變孩子的身材，幫助孩子拉長腿姿，通過長期的訓練讓孩子擁有優美的體態，增加自信心。展現出與眾不同的高貴氣質。北京舞樂坊少兒舞蹈培訓開設多種舞蹈，根據孩子不同的成長時期設置，通過不同的孩子和身體，培養孩子的綜合素質和藝術氣質。
行為
舞蹈藝術的基本表現手段起源於對人類情感動作和自然界各種動態事物的模仿。主要包括:
1，單動作，即以人體某壹部位為主動，其他部位為靜止或跟隨；
2、復合動作，是指人體各部分同時按照壹定的順序、規格進行的動作；
3.動作組合。壹般來說，是指以訓練舞蹈技能為主要目的，由兩個以上的單壹動作或復合動作按照壹定的順序、方向、速度和幅度組成的滑行、屈伸、踢腿、跳躍、旋轉等連續動作。
裝備
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舞蹈演員穿著特別設計的衣服。對於他們來說，訓練服不僅僅是為了美觀，每壹件都很實用。最基本的要求是要有保護和塑身的功能。
緊身裙和緊身白色連褲襪是舞蹈演員在訓練室最常用的基礎訓練服，而緊身的舞蹈服是為了保護身材而穿的，壹般的芭蕾舞訓練服是連體的。棉和萊卡的組合將保持舒適和彈性。
發型也是舞蹈服裝的壹部分。芭蕾小姐喜歡把頭發在腦後紮成發髻，因為馬尾辮等發型會影響練習和表演，不紮起來會成為負擔。
芭蕾舞鞋是最重要的。練習腳尖時，用柔軟的薄皮革或帆布制成的芭蕾舞軟鞋是必要的。女生壹般喜歡穿粉色，男生穿黑色或者白色。鞋子要緊緊裹住腳。硬頭尖頭鞋必須非常合腳。據了解，芭蕾舞鞋所能承受的巨大負荷可以和足球鞋所承受的負荷相提並論，關鍵是腳趾。腳趾較硬，有利於完成各種直立動作，但穿芭蕾舞鞋前要帶足套；這增加了相當大的安全系數，也可以減輕疼痛。[3]
跳舞的衣服
首先，古典芭蕾服裝
1，tutu(意大利)裙源自路易十四時期的芭蕾舞裙，裙長較短，有多層絲綢布料，晃動時露出不到四分之三的大腿，但袖子有無袖、長袖和燈籠袖；
2.純白色古典芭蕾服飾，如《天鵝湖》中的白天鵝；
3、全黑或鮮紅色，前者就像天鵝湖裏的黑天鵝；
4.燈籠袖配背心，比如《柯貝拉》第二幕希瓦·妮達扮演的玩偶《柯貝拉》；
5、長袖配背心，飾以亮珠刺繡；
6.不同顏色的芭蕾舞裙，
二、浪漫的芭蕾舞裙
它的裙子幾乎在腳踝附近，鐘形，無袖，燈籠袖的顏色有白色，淺色，淡紫色等等。
1.燈籠袖浪漫芭蕾連衣裙，如《四人舞》、《玫瑰精華》；
2.扮妖時，在手臂或肩膀上加紗衣，如《吉賽爾》第二幕，舞劇《仙女》。
3.鄉村風格的舞衣，燈籠袖的馬甲，腹部可愛的花紋，比如吉賽爾第壹幕，柯貝拉第壹幕，浪漫女兒的舞劇。
跳舞
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民間舞蹈
總的來說，是指壹種起源並流傳於民間，受民間文化制約，即興創作但風格相對穩定，以自娛自樂為主要功能的舞蹈形式。不同地區、國家、民族的民間舞蹈受生活環境、風俗習慣、生活方式、民族性格、文化傳統、宗教信仰等因素的影響，受表演者年齡、性別等生理條件的限制，在表演技巧和風格上有明顯的差異。民間舞蹈具有樸實無華、形式多樣、內容豐富、形象生動等特點。壹直是各國古典舞、宮廷舞、專業舞蹈創業不可或缺的素材來源。
舞廳舞
交誼舞又稱交際舞，是指歐洲文藝復興以來宮廷舞蹈中流行的舞蹈，以及近代以來各種社交場所中流行的舞蹈。所用的名稱和舞曲，以及基本舞步、隊形、風格和舞蹈表演順序，大多沿襲了意大利、英國、法國、德國、西班牙等國民間舞蹈的特點。
布朗特、小步舞曲、加維特、波羅乃茲、倫德勒、波爾卡、馬祖卡、伽羅帕和華爾茲在歐洲宮廷中很流行。法國大革命後，宮廷舞會的形式已經遠遠不能滿足社交的需要，歐洲大陸出現了大眾舞廳，並逐漸取代宮廷舞會成為社交活動的主要場所。舞步簡單易學，形式自由，易於即興發揮，宣泄情緒。在公共舞廳很受歡迎，交誼舞很快融入平民階層的文化生活。
芭蕾舞
法語音譯。尤其是具有壹定動作規範、技巧和審美要求的歐洲古典形式；或者泛指以人體動作、手勢來表現戲劇內容，推動劇情發展，表達壹定的情感、意境、心理狀態和行為的舞蹈表現形式。前者有時被翻譯成“舞劇”。芭蕾舞起源於古拉丁語ballo，原意是在公共場合跳某種風格的舞蹈，沒有劇場表演的意思。芭蕾舞作為壹種舞臺藝術形式，最早出現在文藝復興時期意大利宮廷的盛大宴會和娛樂活動中。後來佛羅倫薩公主美第奇的凱瑟琳將這種舞蹈形式帶到了法國宮廷。1581年，法國宮廷演出的第壹部芭蕾舞劇《女王喜劇芭蕾》在歐洲引起巨大反響，世界各國宮廷紛紛效仿，將芭蕾視為宮廷娛樂的典範。161年，法國國王路易十四在巴黎建立皇家舞蹈學院，1669年，他授權建立巴黎歌劇院。芭蕾進入劇場後，經歷了“喜劇芭蕾”和“歌唱芭蕾”兩個階段。18世紀中葉，隨著“情節舞”及相關理論的完善，芭蕾徹底改變了依附於戲劇和歌劇、只在幕間表演舞蹈的地位，發展成為具有嚴肅社會意義的劇場藝術形式，以舞蹈和音樂推動了情節的發展。19世紀初是芭蕾發展史上的又壹個黃金時代，在內容和主題、技巧、表演和表演形式上都有很大的突破。腳尖舞蹈技巧逐漸成為女演員的主要表演手段，積累了壹套系統科學的訓練方法。受浪漫主義文化思潮的影響，歐洲各國芭蕾的發展更加註重民族精神和氣質的表現，形成了意大利派、法國派、俄羅斯派、丹麥派等不同風格的芭蕾流派。20世紀以來，俄羅斯取代意大利和法國成為傳統芭蕾發展的中心。在歐美國家的舞臺上，風格各異、流派紛呈的現代芭蕾逐漸呈現出蓬勃發展的勢頭，為芭蕾藝術的發展註入了新的活力。
劇情舞蹈
芭蕾術語。本義是指結構相對穩定，與劇情發展有直接聯系的舞蹈。浪漫主義時期，情景劇的基本結構是“出場”，慢板二重奏，男女獨舞和最後全體演員參加的群舞。《雷蒙達》、《天鵝湖》、《睡美人》、《女仆》中的大型二重唱以及《埃斯梅拉達》中的舞蹈場景都是典型的劇情舞蹈。20世紀以來，劇情舞蹈作為與娛樂舞蹈相對的概念，泛指壹切表現人物心理情感變化、推動劇情發展的舞蹈。
舞劇
(舞蹈-戲劇)以舞蹈為主要表現手段，結合音樂、美術、戲劇、文學等多種藝術形式，表現特定的戲劇內容、意境、人物情緒、心理狀態和行為，以及推動劇情發展的舞臺表演藝術。舞劇因劇情需要或時代、人物風格不同，可選擇或綜合運用古典舞、民間舞、個性舞、現代舞、宮殿舞、或球舞，由編排好的獨舞、二人轉、三重奏、群舞、二人轉、三重奏、群舞等多種舞蹈風格組成。中國舞劇歷史悠久，起源於奴隸社會的宮廷樂舞。歐洲芭蕾和芭蕾之間沒有明確的定義。
集體舞蹈
(集體舞)舞蹈風格之壹。壹般指源於民間舞蹈“群舞”的舞臺表演形式，即三人以上、人數不等的多人舞蹈。群舞的畫面和構圖多變，要求表演者動作整齊，風格統壹，配合默契，因而具有豐富的藝術表現力。(1)內容和主題獨立，情節完整的舞蹈作品。中國的舞蹈《摸蝸牛》、《草原上的女民兵》、《葡萄架下》、俄羅斯的《小白樺樹》、韓國的舞蹈《到了春天》、《摘蘋果的時候》、美國的現代舞《形象》都是集體舞的成功之作。(2)在大型舞蹈作品中，有時因為畫面和構圖的需要，或者為了突出主要人物，加強戲劇效果，常常在群舞中穿插壹些獨唱、二人轉、三人行的段落，如《仙女》、《天鵝湖》等芭蕾舞場景中的獨唱、二人轉。(3)舞劇和大型舞蹈中為烘托整體氣氛而編排的群舞，如中國舞劇《紅色娘子軍》中的“女勇士舞”和“帽子舞”，俄羅斯芭蕾舞劇《天鵝湖》中的天鵝舞。
雜技芭蕾
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雜技芭蕾
在很多人的心目中，芭蕾是王子和公主之間悲傷的愛情，是柴科夫斯基不朽的音樂，是腳尖跳出的高貴舞步。看了這麽多版本的天鵝湖，國人開始用自己的智慧重新詮釋這個芭蕾經典，於是雜技芭蕾《天鵝湖》誕生了。擺脫舞臺的束縛，似乎是雜技芭蕾最大的突破。演員可以解放雙腿，表演更復雜的動作。比如鋼絲芭蕾中，壹群猴子在鋼絲上翻騰著向前跳躍，展現了芭蕾自然活潑可愛的壹面。
因為雜技演員的身材比芭蕾舞演員更柔軟，可以突破更多的身體限制。它們可以圍成內圈，充當王子馬車的輪子。他們可以纏繞在樹上，表演蛇舞芭蕾，就像蛇跳柔術壹樣。他們可以用蹦床來表達波濤洶湧的大海。輪滑的天鵝芭蕾群舞，因為比傳統芭蕾更流暢的步伐，也因為速度的變化，更準確地匹配了柴科夫斯基明亮緊湊的旋律，給觀眾以強烈的視覺沖擊。
雜技芭蕾舞劇《天鵝湖》取材於舉世聞名的東方天鵝——對手之巔。這個獲得世界雜技最高獎——摩納哥蒙特卡洛國際雜技大賽“金小醜獎”的節目，將是全劇的主線，分別貫穿第二、三、四幕，其中難度極高的“肩部芭蕾”贏得了上千次掌聲。“肩上芭蕾”是指“白天鵝”在沒有任何安全措施的情況下，輕盈優雅地在“王子”的肩膀和頭頂上翩翩起舞，在“王子”的肩膀和頭頂之間來回穿梭，升降翻騰，韻味壹時間充滿舞臺。
作為雜技芭蕾舞劇《天鵝湖》的標誌性景點，《肩芭蕾》於6月13日，應瑞典議會邀請，出現在瑞典維多利亞公主盛大的婚禮慶典晚會上。當雜技芭蕾舞劇《天鵝湖》中擁有東方面孔的“王子”和“白天鵝”跳出“肩芭蕾”時，天衣無縫的表演讓在場的瑞典王室成員、官員和歐洲領導人驚嘆不已，贏得了整個婚禮晚會最長的掌聲。
芭蕾舞
芭蕾舞出現在15-16世紀文藝復興全盛時期的意大利，藝術家們竭力模仿古希臘的藝術風格。最早的芭蕾舞表演是在壹次宮廷宴會上舉行的。1489年，《俄耳甫斯》在意大利的壹個小鎮上演，慶祝米蘭公爵和西班牙阿拉貢的伊達貝爾公主的婚禮。當時的表演形式與我們今天看到的芭蕾舞表演完全不同。每次表演壹般都與上菜有關，比如模擬狩獵表演開始後吃野豬；海神和河神出現了，開始吃魚。然後，許多神話人物上臺獻上許多菜肴和水果，最後來賓們也參加了熱鬧而狂歡的表演。這是壹種集歌唱、舞蹈、朗誦、戲劇表演於壹體的表演形式。可以說是芭蕾的雛形，後人稱之為“宴會芭蕾”