看到壹首新歌，應該如何處理學習？學完了怎麽表達？跟我來看看方法吧。
第壹，熟悉和了解工作
要唱好壹首歌，首先要了解作品。知己知彼，百戰不殆？事實就是如此。如果妳在不熟悉、不理解的情況下唱壹首歌，如果妳只知道接，不開口，是不可能準確表達其內容和風格的。記得我在學唱《鞭笞我》這首歌的時候，因為只急著回班，忽略了其他因素，我覺得唱出旋律就夠了。情緒，吐字，口型等等都沒做好，結果就是演唱效果。妳為什麽不殺了我？壹樣的，所以當妳拿到壹首歌的時候，壹定要做好準備。
歌詞妳應該很熟悉，因為我長大的重慶是內陸山城，少數民族聚居密集，所以有很多地方方言。剛開始學唱歌的時候，發單詞很不準確，尤其是平舌(Z，C，S)和上翹舌(zh，ch，sh)的區別非常明顯，像評書裏把水(shui)唱成了(sui)。歌詞發音不正確會阻礙對作品的理解，必然會影響聽眾對妳所唱歌曲的理解，妳的演唱對聽眾的吸引力肯定會降低，所以壹定要仔細閱讀歌詞，以免影響歌曲的表現。
準確唱出曲調，唱出音高和節拍，註重樂感，熟悉樂譜，正確把握音高節奏，是音樂分析和研究的基礎。有些歌從頭到尾都是壹種節拍，比如《太陽出來了》，唱起來比較輕松。有些歌曲因為內容表達的需要，節拍比較復雜；有的以3/4、2/4、6/4等各種節拍組織；有的是由6/8、7/8、9/8、3/8等節拍組成。比如《秋天的帕米爾高原，我的家鄉有多美》這首歌就比較復雜，很難掌握，需要我們壹遍又壹遍的唱好唱準。另外，有很多歌曲有變調和壹些臨時的升降音，不下點功夫很難唱準，會影響歌曲的完美表現。
唱歌的時候也要註意氣口的安排。在我們唱的歌裏，大部分旋律樂句和歌詞基本相同。比如《Maira》這首歌，基本上是結束壹個樂句，吸壹口氣，非常方便演唱者演唱。但有些復雜的歌曲，尤其是壹些外國歌劇選段，旋律和句子的氣口有時會有壹些不壹致，經常會在旋律的壹拍中碰到句子的氣口。眾所周知，世界三大男高音之壹的帕瓦羅蒂有著很大的氣息，但如果他在演唱壹種歌曲樂器時不註意氣隙，觀眾還能欣賞到他優美完美的唱功嗎？
二、掌握歌曲的節奏
節奏是音樂的支柱，是樂感的象征。我們在掌握歌曲節奏的時候，要準確穩定。它需要充滿活力。比如兩個節拍的節奏，強、弱、強；三拍子就是節奏強、弱、弱；四拍強、弱、次強、弱。這些看似簡單的節拍特征，在演唱歌曲的實踐中可能並不容易做到，甚至常常被演唱者所忽視，導致演唱歌曲缺乏基本的節奏。
所謂準確、穩定、快節奏的歌曲，心裏壹定要有穩定的節奏感，壹定要快而不亂。有的人在唱快節奏的歌的時候亂七八糟，聽眾根本不知道在唱什麽，就像《好漢歌》裏那樣？沖進九州？同樣，只有壹陣大火才會結束，而慢歌要強調流動感，要慢而不滯，否則會失去豐富的表現力。
如何處理節奏的強弱也是壹個很重要的問題。在演唱壹首歌的時候，如果不註意力度的處理，那麽這首歌就會平淡無味，節奏中所強調的力度感也就失去了意義，就像三拍子，這是壹種典型的華爾茲風格，它的形式很受人們的歡迎。約翰？施特勞斯的代表作《維也納森林的故事》生動地展示了華爾茲的風格特點。歡騰的河流、美麗的森林、鳥兒這些帶有歌詞的美麗動人的畫面展現在人們面前，許多人不禁回想起那優美優雅的宮廷舞蹈。如果表演者完全不處理節奏中的強弱關系，那我不知道這種舞蹈會給人帶來怎樣的想象。
節奏中也有弱杠值得關註，比如0|0？如果在演唱中不註意這些節奏，也會在壹定程度上影響歌曲的表現色彩。
第三，註意歌曲的調性和曲式結構。
作曲家對調式和調性的運用，直接影響到歌曲的基本情緒。要想正確表達歌曲的內容和情感，就要註意這方面。壹般來說，曲調大的歌曲往往表現出雄壯、明快、歡樂、自信的情緒，如《中國，中國，鮮紅的太陽永不落》、《黃昏圓舞曲》等，而曲調小的歌曲往往表現出柔和、憂傷或暗淡、悲傷的情緒，如《搖籃曲》(舒伯特的音樂)，有時也有壹些與此規律不同的特殊情況。總之，調式調性可以作為分析作品的主要參考內容之壹。
歌曲也有各種曲式，最常見的是單段式，也稱壹步式。壹般由兩個或四個樂句組成，有完整音樂思維的鍛煉，每個樂句的小節數相等，稱為方形結構，如“花不是花”；而且，比如勃拉姆斯的《搖籃曲》的兩聲部曲式，結構是方形的，充滿了歌唱性。每段由兩個四小節樂句組成，通過壹個八度的跳躍有明顯的起伏。重復之後上下起伏，順利結束整首歌。如果演唱者熟悉調式形式，對歌曲的表現和處理會有很大的幫助。
第四，把握歌曲的時代特征、思想和風格。
藝術可以反映壹定的時代精神和社會現象，所以每首歌也反映，例如，壹個時期的社會變革，政治尷尬和社會時尚等。演唱者要通過歌詞的內在含義去發掘上述主題的本質，比如歌曲所表達的中心思想是對人生真諦的理解，還是對祖國和人民的熱愛，是對自然的贊美還是對醜惡現象的諷刺等等。，如“我難過，我痛苦”(。如果歌手在拿到新歌的時候不了解時代背景和歌曲的思想內容，那麽歌手在演唱這首歌的時候就不會很好的表演這首歌。再比如《滿江紅》這首歌，是南宋初期著名抗金名將嶽飛，緬懷南征北戰的艱苦歲月，感嘆並要國恥。收復山河？野心。
除了上面說的時代性和思想性，還要註意民族風格。每個民族由於生活環境不同，風俗習慣不同，經過幾千年的醞釀，形成了自己獨特的文化藝術背景。比如侗族大歌是無伴奏多聲部合唱，而享譽海內外的苗族飛歌是高亢悠揚的民歌。這些民歌大多是歌頌人們的生活、愛情、風俗等。它們充滿了濃郁的民族氣息，所以歌手壹定要把握住各民族的地方色彩，才不會讓人知道歌是從哪裏來的。
五、歌手自身的文化素養
壹個好的歌手不僅要有壹副好嗓子，還要有良好的文化素養。有壹次看了全國青年歌手大獎賽的比賽，深有感觸。目前壹些音樂制作人只註重利潤，突出自己的個性，在選擇培養歌手時，根本不考慮他(她)的文化素養和音樂素質。經過壹番精心包裝，他們通過新聞媒體宣傳，於是壹夜之間，很多出現在中國。天王？、?歌後？而壹些低俗的歌曲也湧入了社會市場。看到歌手面對如此簡單的文學知識、基本樂理、視唱練耳束手無策，他們是什麽感受？如果這些歌手都是水平和素質很高的人，那麽丟人和尷尬的壹幕可能就不會出現在國人面前了。多可悲啊！
讓我們來看看王，壹位中國著名的作曲家。他不僅是著名的詞曲作者，還是名詞作家，比如歌曲《在那遙遠的地方》。如果王老沒有很好的文學藝術修養，就不會寫出那些膾炙人口的歌曲。19世紀浪漫主義音樂的代表人物威爾第在文學名著的影響下創作了《茶花女》、《小醜》等多部歌劇。文藝是相輔相成的。當演唱者提高了自己的文學修養，把文學中細膩而激情的思想運用到歌曲的表演中，那麽藝術就會更加高雅出彩，聽眾也會進壹步了解它，認識它，接受它，喜愛它。第六，歌詞的表現在於真誠。
捷克著名歌手亨利？費迪南？愛因斯坦曾說過:情感是歌詞的靈魂，因此，只有聲音和情感同樣完美的時候，歌唱才能稱之為藝術。？怎樣才能增強我們歌詞的藝術性，達到以情人、以聲、以情？
還記得聲樂課上，老師問學生？唱出感情，帶聲帶情理解歌詞的真諦，理解歌曲的情感基礎。？這些話雖然很平淡，但都反映出演唱者只有把握住歌曲的情感基調，才能正確理解詞曲作者的創作意圖，才能真誠地演唱。如果壹個歌手不去分析研究歌曲，完全不了解歌曲的內容和感情，把歌曲唱得平平淡淡，那麽歌手自己都不能被歌曲感動，聽眾又怎麽會被他感動呢？歌劇中生動感人的音樂和栩栩如生的主角，如卡門、費加羅和馬倫卡，都是藝術家們盡力去理解和帶著感情去表演而塑造的形象。
當然不要在歌曲和情感表達上走的太遠。有的人太急於唱好，結果適得其反；另壹方面，有些人對表達意圖並不明確，往往不考慮如何真實地表達作品本身，而只是想表達自己，這樣演唱就會曲解原作的創作意圖，從而經不起藝術嚴肅性和科學性的考驗；再者，歌手對作品的理解和表現是錯誤的。唱悲傷憤怒的歌時，演唱者的面部表情或聲調聲音是高興的，而真正激動的歌曲是麻木不仁、冷漠無情的。還有就是要學會在真情實感的演唱時，有控制的、適度的表現出來。如果是帶著悲傷在唱，會因為適當的限制而失聲痛哭，這是不夠的。
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