藝術有特殊的語言體系，甚至不同的藝術也有自己的理論體系。然而，所有美術領域的實踐探索和理論分析都不足以完美地解釋為什麽會發生現代藝術變革。
1839年，第壹臺實用的銀照相機在達蓋爾制成。攝影和錄像的影響是19世紀繪畫史乃至藝術史發生變化的根本原因。工業革命以來，科技的影響導致藝術發生了根本性的轉折，僅此而已。
其中，主要是繪畫，主要變化有:
第壹，在審美標準上，畫的喜不喜歡已經不重要了。
第二，在繪畫規則方面，是否完成不再具有約束力。
第三，在信息內容方面，記錄和傳播成為次要功能。
第四，需求方面，定制畫不再是主流，畫家成為賣畫的自由職業者。
5.在媒體材料方面，舊的材料和相關技術不斷創新，新的材料和相關的表現形式不斷推出。
6.在文化意義上，繪畫作為建築裝飾和宗教依附的作用已經淡化，變得更加獨立和自由。它仍然可以掛在墻上，但很多是在紙上，尤其是在屏幕上。
此後，相異、未完成、情緒化、個人興趣、新材料的使用和獨立的文化意義成為現當代藝術的主要特征。
攝影不僅僅是按快門，攝影的風格(包括相機拍攝)及其器材、技法、後期制作都是非常豐富的。繪畫乃至藝術的流派，以及它們的媒介和技法，大致相似。
——2065 438+2008年5月9日如蘭之態。是陽光滋潤和清新。
——2065 438+2008年5月25日修改，如蘭州。亂七八糟，塵土飛揚。
二
《局部》第十六幅畫《杜尚的決定》中有壹段采訪視頻，杜尚大致說了這麽幾句話:“我不在乎藝術這個詞，因為藝術早就臭名昭著了。.....我想擺脫它。如今有壹種不必要的對藝術的崇拜。我認為這是壹個困難的處境。我壹直生活在藝術中，仍然想擺脫它。我無法解釋我所做的壹切。當人們做壹件事時，他們不知道為什麽要做這件事。”
面試官的問題和杜尚的話不是壹個層次的交流。因為無法理解，所以無法解釋。
陳丹青:“壹個社會，壹個文明，不再需要繪畫的時代，其實已經悄然開始了。”藝術必然不再以雕塑或繪畫為主，有更新的媒體作為主流。陳丹青:“藝術的能指和藝術的所指被無限擴展。”新媒體應該是圖像。
無論崇拜還是擺脫，人類都在其中，神也在其中。藝術要始終如壹，藝術態度也要始終如壹。所以，在藝術變革的時代，可以遵循或依靠的是藝術的態度。
王瑞雲:“杜尚留給世界的不是他的作品，而是他的態度。”甚至可以說，藝術就是態度。是什麽態度？我手裏沒有詩集，但我心裏有詩，類似的東西。
中國近現代西方繪畫的相關變化，無非是工業化和現代化的後期。就像在高緯度地區，太陽還沒落山，月亮已經升起，必然會出現不同的景象。
——2065 438+2008年5月9日如蘭之態。晚雨。
三
陳丹青本地1中的前四幅畫分別是《千裏山河》、《死亡的勝利》、《人民的勝利》、《初學之作》。說到哪幅作品好的問題，就談到畫家的年輕，早期的學校，大眾的感受，名家的初學。再進壹步，可以說最重要的是早期少年基於* * * *的探索。
這類作品的特點都是外在表現形式不同，內在精神相同的創新，稱之為傳神。就像梵高的《海邊的漁夫》。關於表達直覺和本能，很大比例是技巧問題。越是公認的成熟技能，越是無關緊要的個性，無視差異，無能而細致。語言和文字的使用幾乎壹樣。
太多人只是在舊技中掙紮，沒有跋涉，沒有內在。但是，有多少直覺和本能可以被發現和理解，有多少個性和差異可以被表達和認可？這種畫家不壹樣，是因為他接受了外在，發現了內在的不壹樣。巴茲爾就是第五幅畫《巴黎的青春》中這樣的人物。
就像每個人不同的閱讀偏好壹樣，都是各自的閱讀體系在逐步構建和有意識選擇中的表現。閱讀同樣的內容，在不同的人心中有不同的作用，至少是因為閱讀時間和理解深度的不同。讀得多了，就會有偏好，就會孜孜不倦地追求壹些內容，但這還不夠。總要有可遇而不可求的東西，讓壹個人的閱讀系統得到適當的滿足和有效的改變，讓他的智力結構和心理狀態得到升級。
——2018 12.6，汝蘭州。昨晚下了小雪，今天早上下了小雪。天氣又冷又冷。
四
在第七幅畫《畫的放縱》中，陳丹青說，“所有完成的、封閉的畫都有問題。妳永遠看不到這幅畫在中間是什麽樣子。塞尚完全暴露了繪畫的過程。”
這件事，重在過程還是目標，要看當時的情況。當攝影在目標上取代了繪畫的大部分意義，繪畫就從秩序化變成了自由創作，必然要關註過程。
陳丹青說，“壹切開始的時候，就是最好的時候。”但是，這只能在回頭看的時候說。要做的事情太多，沒有回頭的必要。況且最好的時光壹般也不是最有意義的。所以，那段時間還沒有結束，回頭看似乎更實際。
追求目標，壹旦達到，就如同死亡，或者像李白在《俠客行》裏寫的，要“拂去衣衫，深藏功名”。試想，如果繪畫壹直處於過程中，開放，未完成，不結束，那就有永生的味道了。
但是，需要註意的是，未完成的業務必須是連續的。壹旦中斷，原來的創作心態就變了，繼續修改的心情也找不到了。然後，雖然沒有完成，但是結束了。比如戶外寫生。
這樣新的完成度，完成標準之類的壹般在於兩個方面:壹是表現方面，目標方向方面，有關聯，有意義，感覺對，與現實世界有必然聯系，不壹定喜歡，情感上，個人興趣和新媒體的運用，獨立的文化意義等等是主要特征。第二，在意義上，在過程的範疇中，直覺、本能、不可持續的靈感和中斷是主要特征。
畢加索:“壹幅有框的畫掛在墻上就死了。”而真正的完成，應該是局限於自己的能力和水平，無限接近於無法進壹步完成的狀態，即無法完成，與具體或抽象無關。
——2018 12.7，汝蘭州。節氣和大雪。
五
無法完成。這個標準更自由，更個性化，但更真實，更準確。
比如以前的標準是有壹定海拔的山，現在的標準是頭上的神。清代的葉存仁說:“頭上三尺有神明，不怕別人知道，也不怕自己知道。”人的高度不同，但頭頂上有壹個不可逾越的高度。
現代詩的寫法大致就像這幅現代畫。
陳丹青說，“所謂未完成的、開放的作品，是壹個過時的命題，是壹場革命。但是所有的革命都有無盡的遺產。除了少數天才...四海...畫了無數塗鴉和未完成的畫。最好的也是...也是沒完沒了。”或許，可以大膽猜測，後來者及其藝術回望前人，果然如此？比如宋代，我看的是唐詩，文人畫看的是工筆重彩。
當然，雖然很難分，但總有壹條水平線在那裏。意義在此之上。這是畢加索說的，“希臘人，羅馬人和文藝復興時期的人都有壹個規則，在那裏畫畫。但梵高壹開始，每個人都要做自己的太陽。”“自己的太陽”不僅在自己頭上，也在每個人頭上。
第壹到第五張圖中，哪些作品好？應該關註早期青少年基於* * *感情的探索。第六至第八幅畫，說的是從19世紀中期開始，規則變了，形勢變了，“未完成”的作品大放異彩。
第八畫《不拘神韻》中，借用中國古代文人畫，說“未竟之作，必化為不拘”。畢竟藝術因為有獨立的文化意義，所以有些“不正規”。有“非正式”，就是有相應的“正式”。這種對立是不好的，至少對於先鋒派藝術來說是這樣。因為他們壹般不會表現出與“形式”的融合，而“形式”也不完全是壹種落後的傳統。
——2018 12.7，汝蘭州。節氣和大雪。
六
那麽，繪畫會被攝影和影像取代嗎？不是，繪畫有攝影和影像達不到的東西。第9至11幅畫處理了這個問題。
第壹，美感並不完全依賴於現實。美感要更高，有想象力，還要神秘，有想象力。有壹種想象中的美，可以畫，但不能拍。而且，現實如何為激發這種獨特的想象美感創造充要條件？在《第九幅畫:瓦拉東與母親》中，陳丹青說，“現在，瓦拉東給了壹個絕佳的機會，壹個難得的機會，就是壹個女人看著壹個裸體的女人，自己畫出來。什麽情況？”他說，“瓦拉東還畫裸男，這是另壹項絕活。在繪畫史上，女畫家描寫的男性裸體非常有限。她給了我們另壹個優秀的、幾乎是獨壹無二的例子。”更有想象的美，畫也畫不出來。
第二，畫家的個性在繪畫中更重要。想想眼睛和鏡片的區別，每個人的視力都不壹樣。看完《第十畫:民國女畫家》和《第十二畫:信息與告別》可以說，性格真的很重要。“他的個性，他的本性...他往外看就會不壹樣，帶到作品裏就會改變。”要說作者氣質在攝影和攝影中的體現，自然不如繪畫認真。“(繪畫)技法和技術傳統是連續的，不會在壹夜之間改變。”同樣的繪畫靜物和技法，同樣的拍攝位置和器材，絕對是前者更有個性。甚至攝影、攝影也大多只是機器的視角，少有創作者的氣質。但圖像後期處理技術介入後，攝影和攝影的個性得到了加強，當然更不真實。
第三，畫的信息量也很豐富。“卷軸畫本身就是為了敘事畫。.....我看重徐陽...不完全是所謂繪畫的藝術性，而是繪畫的壹種媒介功能。”藝術形式承載的信息(情感或事實)越多，就越有生命力。但客觀來說，短時間內窮盡壹幅畫的信息並不現實。壹個人能看到這麽多，就算看壹輩子，也不會深刻多少。尤其在文人畫中，留白也是壹種深刻的表現。我們看不透別人的心，也許我們看不透壹幅畫。首先，因為我們只看自己想看的，能看的；其次，有些人會看到畫家的想法。“畫畫的核心秘密，有時候不是畫，不是所有的畫，而是畫的人長什麽樣。”到底會不會有人通過觀看來調查事實和真相？
是不是說壹件藝術品越真實，越沒有個性，越沒有美感？
那麽，做壹個選擇，在美、人格和信息或者真善美之間，繪畫和形象哪個更好？我覺得如果真的要選意象，還是選畫為好，美自然要靠自己的想象。
壹切都在妳自己的觀看本能中。無論是西方的視角，還是中國的廣闊視野，關鍵是本能，能看到什麽就本能地看到什麽就夠了。
如果妳願意，妳可以找到自己的立場、觀點和體系。
——2018 12 11，比如蘭州。
七
在《第十三幅畫:俄國的不公正》中，陀思妥耶夫斯基說，“在亞洲，我們是歐洲人；在歐洲，我們是亞洲人。”俄羅斯繪畫的意義，從某個角度來說，可以作為中國現代繪畫與西方繪畫關系的壹面鏡子。此外，文藝復興後，西方繪畫從神性轉向人性，而俄國繪畫普遍推崇人類英雄，中國的革命歷史畫也受其影響。
第十四幅畫:聖凱爾教堂和第十五幅畫:巨人之戰提到意大利濕壁畫和希臘雕塑屬於“妳不能說的，妳有什麽要說的”範疇。在無與倫比的經典面前，不管是什麽來歷，只說看更接近本能和直覺，本能和直覺更接近藝術。
我之前寫過，壹種藝術形式承載的信息(情感或事實)越多，就越有生命力。再者，壹門藝術總是被觀看的，這是它的意義，它的精神也在其中。
但陳丹青在《第十六幅畫:杜尚的決定》中說，“壹個社會、壹個文明不再需要繪畫的時代，其實已經悄然開始了。”沒必要難過。我們在意的其實是觀看權。
對於壹幅好畫，陳丹青引用克萊門特的話，認為第壹，他會不斷地閱讀，第二，他會發現和領悟。就像人們習慣於在安全中受到刺激壹樣。當然，如果準備充分，思維達到臨界點，妳可能會有“第壹次見畫”的感覺，妳的“見畫體驗”會有所改變。
改變的是看的理論，而不是看。看著它，說它還在。
這樣，什麽是好的繪畫，現代繪畫發生了什麽樣的巨大變化，繪畫與圖像相比有什麽特點，繪畫有什麽樣的發展？陳丹青的“部分”都講過了。這是為了我的記憶。
——2018 12 13如蘭之態。