和服種類
按照日本傳統的和服，種類繁多，不僅有男女、未婚和已婚，還有休閑服和禮服。男士和服款式少，顏色單調，顏色深，腰帶細，穿起來方便。女式和服款式多樣，顏色鮮艷，腰寬。不同的和服腰帶有不同的結，不同的發型。已婚婦女穿“袖帶”和服，未婚女士穿“袖帶振動”和服。此外，根據外出目的的不同，如參觀、遊玩、購物等，穿和服的圖案、顏色、款式也有所不同。
袖和服
婦女參加親戚的婚禮和正式儀式、典禮等時穿的壹種服裝，以黑色為背景，它染有五種圖案，圖案印在和服前身的下擺兩端，以表明已婚婦女使用壹種稱為“黑袖”的和服。此外，下擺印有三個或壹個圖案和花紋的其他顏色的面料稱為“彩袖”。
長袖和服II
未婚女士的第壹件衣服，根據袖子的長短，分為“大振袖”、“中振袖”、“小振袖”。其中，磨損最多的是“振動套”。比如:成人禮、畢業典禮、宴會、聚會、拜訪朋友等場合。因為這種和服給人壹種時尚感，所以已婚女性越來越多地穿“振袖”。
參觀和服
整體來看，有圖案的聽話下擺，左前袖，左肩到領子是壹幅圖，作為近年來最流行的簡約禮物裝，很受歡迎。開學典禮、朋友宴請、聚會、茶會等場合都可以穿，沒有年齡、婚姻限制。
komon和服
壹般作為日常時裝，整體上染有小花紋，非常適合練穿、約會、逛街。如果是年輕女性，也可以用於半正式的聚會。
9回復:日本傳統服飾
男士和服
男士和服正式穿著有圖案的外套和裙子。除了黑色，其他染有圖案的外套和裙子都只是作為簡單的禮物，可以隨意搭配衣服。
(個人覺得不如武士服。)
素色和服
這是單色和服(黑色除外)。如果是染有花紋的，可以當衣服穿。如果沒有圖案，可以作為日常的時尚裝扮。
“付錢”和服
袖子、前後、領子的圖案都是和服印花，從下往上印。比參觀和服更輕便舒適。
時裝畫:有500年歷史的“時尚魔鬼”時尚插畫已經存在了近500年。既然服裝產生了，就要把設計服裝的理念或形象轉化為時尚插畫。這種視覺形式起源於插畫、繪畫和油畫，也被稱為“時尚素描”。服裝設計師主要使用“服裝草圖”在紙上或數字方式進行頭腦風暴。它在設計中的主要功能是在縫制實際衣服之前預覽和可視化最終結果。
接下來我們就來看看時尚插畫這個有著500年歷史的“時尚惡魔”的歷史發展過程。
1.時尚插畫的開始
時裝插畫始於16世紀，當時全球的探索和發現導致人們對世界各國人民的服裝著迷。解釋不同社會階層和文化適合穿著的書籍被印刷出來，以幫助消除對變化的恐懼和這些發現引起的社會動蕩。
在1520年至1610年之間，出版了200多種這樣的版畫、蝕刻畫或木刻，包括穿著特定民族或等級的人的畫板。這些是最早的服裝插圖，也是現代時裝插圖的原型。這些插圖很可能被服裝設計師、裁縫和他們的顧客用來激發新的設計靈感。
17世紀的藝術家JacquesCallot和AbrahamBosse都使用現代雕刻技術制作逼真的服裝和時代細節。
這些期刊從1670年代開始在法國和英國出版，被認為是最早的時尚雜誌，包括Lemecure Gallant，The Lady's Magazine，LagalleriedesModes，LecabinetdesModes和LeJournaldesDamesetdesModes。在此期間，出版期刊的數量有所增加，這是對越來越渴望了解市場最新時尚新聞的女性讀者的回應。直到18年底和19年初，男性風格插畫才變得和女性插畫壹樣重要。
2.19世紀的時尚板塊
fashionplate在18世紀晚期率先出現，在巴黎風靡壹時。在此期間，HoraceVenet的“IncroyablesetMerveilleuses”和Georges-JacquesGatine在拿破侖壹世時期雕刻的壹系列水彩時裝畫等出版物聲名鵲起。
法國作為時尚仲裁者的地位確保了國內外對時尚插畫的持續需求。這種對時尚服裝的興趣和對時尚服裝日益廣泛的獲取，導致了19世紀出現了150多種時尚期刊。這些非常詳細的時裝插圖捕捉了流行趨勢的信息，並提供了壹般的服裝指南。
也是在這個階段，高級時裝出現了(在1860的)。時尚公司雇傭插畫師，他們將直接與女裝設計師合作。當設計師把布料掛在活模特身上時，插畫師會勾畫出新的設計。他們還將為完成的系列中的每個設計繪制插圖，然後他們可以將它們發送給客戶。
到19年底，手工彩印被全彩印取代。時裝圖案開始使用兩個圖形，其中壹個可以從背面或側面看到，這樣可以從更多的角度看到衣服，從而使復制變得更容易。19世紀插畫師關註的重點是準確和細節。它們遵循靜態圖像慣例，以便為觀眾提供全面的信息和指導。
三。二十世紀的時尚雜誌和插圖
在二十世紀初的幾十年裏，現代意義上的時尚插畫第壹次繁榮起來。隨著最新時尚款式的發布越來越賺錢，時尚插畫師的工作已經成為壹種職業。時尚曾經是壹個藝術家的作品，但現在它正在成為壹個產業，以前所未有的數量生產新的商品來填補百貨商店的空缺。這些商店創造了壹種新的消遣方式——購物文化。
法國奢侈品雜誌Gazette從1912到1925出版，匯集了壹群在詮釋時尚方面獲得前所未有自由的年輕藝術家。Iribe是這些時尚插畫師中的領軍人物，他向著名出版物投稿，包括CharlesMartin、EduardoGarciaBenito、GeorgeBarbier、GeorgesLepape和UmbertoBrunelleschi。他們為《公報》制作的印刷版顯示了日本木刻版畫的影響和裝飾藝術風格的新變化。
在美國，大眾市場時尚雜誌Vogue和Harper'sBazaar涵蓋社交場合和當代時尚趨勢。《Harper 'sBazaar》雜誌與爾特簽訂了獨家合同，從1915持續到1938，是出版史上最長的合同之壹。
從1910到二戰爆發，《Vogue》雜誌的封面壹直是圖文並茂。《Vogue》的早期封面展示了美國插畫師海倫登(HelenDryden)、喬治·沃爾夫普蘭(GeorgeWolfPlank)、喬治·勒龐(GeorgesLepape)和F.X .萊延德克(F.X.Leyendecker)創作的藝術作品。
第壹次世界大戰後，歐洲藝術家加入其中，包括EduardoBenito、CharlesMartin、PierreBrissaud和AndreMarty。
4.時裝畫的黃金時代
1920年代到1930年代這壹時期代表了時裝插畫的“黃金時代”。每個商業藝術家都被視為時尚藝術家和完美的繪圖員。很多人可以用權威和信仰來代表面料的質感、光澤甚至重量。
隨著攝影和印刷新技術的發展，照片的復制被直接放在雜誌的頁面上，這意味著時裝圖案不再是現代生活的代表。到1930年代初，照片開始成為雜誌的首選。《Vogue》雜誌1936報道，照片封面的銷量更好，插圖開始放入內頁。
隨著1929股災後的經濟衰退，美國時尚界對巴黎時裝的依賴度降低。在兩次世界大戰期間，美國的服裝制造業取得了巨大的進步，改進了大規模生產方法，實現了尺寸的標準化。中產階級女性可以依靠熟練的裁縫以負擔得起的價格購買最新的時尚設計，而《Vogue》和《Women'sJournal》等雜誌發布的圖案對家庭裁縫來說是無價的。
《Vogue》雜誌的主要目的是盡可能地向讀者展示時尚。攝影將插畫師從對服裝的精確記錄的需求中解放出來，並傾向於詮釋時尚服裝。據該雜誌的出版商稱，“藝術家主要對獲得有趣的圖片和裝飾效果感興趣。他們厭倦了忠實地報道任何關於當代時尚精神的東西，所以他們很無聊。”
迪奧在1940年代後期的“NewLook”為戰後時尚復興提供了靈感。從很多方面來說，這是壹種倒退的風格，回到過去而不是展望未來，但這也象征著回到壹個更加開朗樂觀的時代。
動詞 （verb的縮寫）時尚插畫的毀滅與復興
到了1950年代，時尚編輯在攝影的剪輯和傳播上花了更多的預算。後來時尚攝影師晉升為名人，意味著插畫師必須滿足於在內衣和配飾上做文章或者從事廣告活動。
在1960年代，時尚插畫在雜誌出版業的地位不斷消失，這壹趨勢在青年雜誌這壹新類別中得到了體現。許多這樣的雜誌出版於1960年代，所有這些插圖都使用插圖作為攝影的廉價替代品。
AntonioLopez是這壹時期唯壹定期出現在《Vogue》雜誌上的藝術家，他的職業生涯始於《女裝日報》。
20世紀下半葉，時尚插畫已經難以生存，直到1980年代才開始復興。在Lamoden Peinture (1982)、Condenast ' s Vanity(1981)、VisionAire (191)等雜誌上發表新壹代藝術家。這種復興歸功於廣告活動，尤其是巴尼在1993-1996的紐約廣告活動。
6.今天的時尚插圖
介於美術和商業藝術之間，時裝插畫最近被重新評價為壹個重要的流派。因為美麗和優雅在時尚和藝術領域已經過時，時尚插畫有時似乎回到了更早的時代。
攝影非常擅長記錄服裝的細節信息，所以插畫師的重點不再是服裝的準確呈現，而是解釋服裝和可能的穿著者。20世紀末20世紀初，在數字工具和社交媒體平臺的支持下，它發展出了壹系列獨特的藝術風格。從65438年到0990年，Edtswaki、Graham Rounthwaite、Jasonbrooks和KristianRussell等先鋒插畫師開始在計算機圖形學領域崛起。
這壹時期見證了電腦設計程序AdobePhotoshop和Illustrator的出現，也見證了傳統的基於藝術的時尚插畫形式的復興。紐約帕森斯設計學院和FIT學院開始在他們的時尚課程中提供插畫作為特殊元素。手工制作的“傳統”插畫已經復興，時尚插畫師經常回顧過去的大師，尋找風格靈感。基於古典方法的時尚插畫成功地補充了那些由更現代的方法創造的插畫。
最近，通過時裝設計師和插畫師的合作，插畫開始流行起來。隨著社交媒體的使用，時尚插畫師開始吸引人們的註意力。時尚插畫充滿了充滿活力的色彩，錯綜復雜的圖案，無窮無盡的個性，給人留下了深刻的印象。
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服裝設計中常見的插畫有哪些藝術風格？能詳細說說嗎？1.流行風格
波普風格的插畫藝術出現並流行於20_ Lan50 _ Nafen，主要是通過商業藝術的創作手法，形成了壹種全新的集大眾文化與商業藝術於壹體的藝術風格，同時波普風格中相對浮誇的卡通形象、報紙版畫、幽默的標語等都是波普風格所獨有的，波普風格非常具有藝術性[3]。安迪·沃霍爾(Andy warhol)是在服裝設計領域為波普風格的發展做出貢獻的最傑出的人物之壹。他開創性地首次使用紙張、塑料和人造革作為服裝制作的基本材料，他的插畫作品蘊含著顛覆性的設計理念，其特點是色彩明亮、設計理念前衛、選色大膽。直到今天，波普風格的插圖仍然保留了許多與安迪·沃霍爾的相似之處。
2.抽象風格
抽象風格的作品壹般以幾何點、線、面、圓、三角形、正方形為基礎進行深度創作，在創作風格上具有典型的抽象特征。蒙德裏安是抽象風格作品中比較成功的早期人物之壹，他的抽象風格創作風格獨特，註重使用各種矩形圖案作為插畫內容，這種插畫藝術形式對抽象風格影響深遠。以法國著名服裝設計師創作的具有抽象風格的作品《紅黃藍》為例。這幅作品的靈感來源於蒙德裏安的抽象風格，選用線條、三角形、長方形等各種顏色，給觀眾帶來獨特的藝術欣賞體驗，賦予作品強烈的視覺沖擊感和新鮮感。
3.比喻風格
具象風格不同於上述兩種風格，其圖形特征壹般是寫實的、寫實的。再者，具象風格作品對線條的表現相對直接，可以進行概括、誇張、變形進行裝飾，從而提高作品的色彩感，突出作品的簡潔、精致。以意大利著名服裝設計師繆西婭·普拉達為例，她曾經擁有在服裝設計創作中直接使用插圖的能力，她可以在服裝設計作品中填充插圖，她的作品註重精心塑造人物，突出作品的色彩和華麗感[4]。另外，具象風格中的線條比較優雅，能給觀眾夢幻般的心理體驗，特別是在服裝設計中，能有效提高設計作品的精致度，給人靈動的美感。