文藝復興時期藝術成就高的主要原因。壹般來說，主要有三個原因:
1.因為人們的思想從長期的宗教枷鎖中解放出來，發揚了勇於探索、勇於進取的精神；例如，達芬奇，米開朗基羅和丟勒都是多才多藝的人。為了更好地表現人，列奧納多和米開朗基羅親自解剖人的身體。列奧納多親自解剖了30多具屍體，畫了很多人體解剖圖。米開朗基羅的人體解剖學知識超過了當時著名的外科醫生。
2.從古希臘和古羅馬的古典藝術中吸取營養。比如古希臘羅馬，他們註重現實生活，註重描寫人的創作方法，註重表現完美人體的技巧。
3.透視法的發明與油畫材料和技法的改進。
文藝復興早期意大利著名藝術家布魯內萊斯基(1377 —1446)在數學的幫助下發明了焦點透視法，使畫家能夠在平面上忠實地再現客觀世界的真實面貌，大大增強了畫面的空間感。15世紀，荷蘭著名畫家範·埃克對油畫的材料和技法進行了改進，大大提高了油畫的表現力和色彩效果。在此之前，歐洲流行的繪畫主要是“濕壁畫”(在墻壁還濕的時候畫在地板上)和“蛋彩畫”(用蛋清混合顏料畫在木板等材料上)。都有很大的局限性。在前人嘗試用油溶解顏料的基礎上，凡艾克兄弟采用了含樹脂的稀釋油(至於是哪種油，至今眾說紛紜)，使色彩易於調和，便於提筆，可以層層鋪貼，形成豐富的色彩層次和光澤度。顏料幹燥後附著力強，不易剝落褪色。這些優點進壹步提高了歐洲繪畫的寫實能力。由此，文藝復興時期的繪畫藝術成為歐洲繪畫藝術發展史上的第壹個高峰，其影響非常深遠。
歐洲文藝復興的先進思想。14世紀起源於意大利，後傳播到其他國家。人文主義是歐洲新興資產階級在反對封建主義和教會的鬥爭中形成的思想體系。在中世紀，教會統治著歐洲封建社會的整個文化，將所有其他形式的意識形態納入宗教神學。教會控制的僧侶學校只教授神學和法律科目，把古典文化視為異端，不允許閱讀和學習古希臘羅馬經典，即“人文經典”。基於新的社會經濟關系的城市出現後，發展了與神學相對立的城市世俗文化，建立了壹批與僧院相對立的世俗學校，打破了教會對教育的長期壟斷。世俗學校開始開設“人文學科”。“人文”是與中世紀基督教神學形成鮮明對立的世俗文化，以人和自然為研究對象。“人文主義”這個名字由此而來。“人道主義”反對壹切以上帝為基礎的舊觀念，反對宣傳家是宇宙的主宰，是萬物的基礎，反對以“人權”為基礎的“神權”，挑戰中世紀的教會統治和宗教教義。人文主義者否定教會認為人生而有罪，否定生命的目的是死後永生的觀念，猛烈抨擊教會提倡的禁欲主義。他們肯定現實生活，贊美人間的歡樂和幸福，贊美愛情是人最高尚的情感，認為人有追求榮譽和財富的權利，等等。因此，人文主義對於反對中世紀的教會統治和宗教教義，擺脫封建社會的舊觀念，具有重大的進步意義。歐洲文藝復興時期的優秀藝術作品都閃耀著人文思想的光輝。
Nederland是荷蘭語Nederland的音譯。Neder的意思是“低地”，land的意思是“國家”或“土地”，所以荷蘭壹直被翻譯為“低地國家”。它主要是指荷蘭，那裏大約四分之壹的土地低於海平面，三分之壹低於海平面壹米。歷史上的荷蘭還包括比利時、盧森堡和法國東北部的壹些地區。文藝復興時期，荷蘭曾是西班牙王國的屬地，西班牙王國被劃分為65，438+07個省，300多個城市。它是當時歐洲最發達的資本主義經濟體之壹。世界上第壹次資產階級革命——荷蘭資產階級革命爆發於16世紀。
2.藝術作品
達芬奇《最後的晚餐》(壁畫，484× 880cm，1495—1497，米蘭聖瑪麗亞格拉奇修道院)。
達芬奇(1452 —1519)是文藝復興時期最傑出的意大利畫家、科學家和發明家。他壹生完成的畫作很少，但幾乎都是不朽的。他的作品自始至終都有著鮮明的個人風格，善於將藝術創作與科學探索相結合，深邃含蓄而又理性。他晚年致力於科學研究，留下了大量筆記、手稿和草圖，幾乎涵蓋了從物理、數學到生理解剖學的所有內容。他的技術發明也見於民用、軍用、工程和機械領域。因此，恩格斯稱贊他:“他不僅是壹個偉大的畫家，而且是壹個偉大的數學家、機械師和工程師。他在物理學的各個部門都有重大發現。”
壁畫《最後的晚餐》是達芬奇為米蘭聖瑪麗亞德拉格欣修道院的餐廳創作的。它不是普通的濕壁畫，表面是灰色的，而是摻了壹些油彩，所以有些美術史書籍不叫它壁畫，而是貼上“油蛋顏料”的標簽。因為這是壹次不成熟的新嘗試，原畫從16世紀開始逐漸褪色發黴，現在因為後人保存不善已經模糊不清。目前，有關方面正在嘗試用現代技術進行修復，但進展緩慢。
《最後的晚餐》是基於基督教聖經中的傳說，耶穌被他的十二門徒之壹猶大出賣了。它是以耶穌在耶路撒冷被捕前與聖徒們的最後壹次晚餐命名的。從中世紀到文藝復興時期，以此為題材的宗教畫不斷被創作出來，並形成了壹套風格化的表現手法。萊昂納多·達·芬奇的這部作品以其獨創性、出色的構圖和對人物深刻的心理描寫成為不朽的傑作。在這幅作品中，達芬奇緊緊抓住耶穌，在與十二門徒共進晚餐時突然說:“妳們中間有壹個人要出賣我了”。之後，弟子們突然展示了各種表現性的瞬間，著重描繪了每個人物的內心世界，表達了畫家對善惡、美醜、崇高、卑鄙的鮮明愛憎。人物微妙的心理描寫達到了前所未有的高度，整幅畫的構圖堪稱完美。橫幅的畫面以耶穌為中心，形成嚴格對稱的構圖。十二門徒被平均分成四個對稱的小組。因為這幾組人物關系密切，姿態各異，所以豐富而統壹。另外，在畫面空間和背景的處理上，用透視法畫出了壹個深遠的空間。這些都使這部作品成為舉世聞名的傑作。
達芬奇《蒙娜麗莎》(木質油畫，53×77 cm，1503 —1506，巴黎盧浮宮)。
壹般認為《蒙娜麗莎》是達芬奇為壹位意大利富商年輕美麗的妻子畫的壹幅肖像。達芬奇在這上面花了四年時間。當時蒙娜麗莎剛剛失去兒子，心情非常不愉快。達·芬奇為了不讓她的肖像看起來悲傷，特意請了音樂家為她演奏優美的音樂。聽到她入迷了，她露出了笑容，但眼神裏還是失望和悲傷。列奧納多·達·芬奇用他高超的藝術技巧畫出了這個瞬間的微笑。從她的眼睛和幾乎完全空著的中指，人們可以想象她正在聽音樂。在蒙娜麗莎的臉上，昏暗的光線若隱若現，使她的眼睛和嘴巴的輪廓有點模糊不清，難以捉摸，所以讓人覺得她的微笑有壹種神秘的味道，這是這幅傑作最具藝術魅力的地方。
多那太羅的大衛(青銅，126厘米高，1443 —1444，佛羅倫薩國家藝術收藏)
多那太羅(1386 —1466)是意大利文藝復興早期最傑出的雕塑家和現實主義藝術的重要先驅之壹。銅像“大衛”是他的重要代表作，也是文藝復興時期第壹件裸體人體雕塑。它標誌著希臘和羅馬人體藝術傳統的恢復。大衛的這壹形象，來源於《聖經》的傳說，是歐洲文藝復興時期藝術家的共同主題。傳說古代猶太人的國王大衛，少年時以投擲石塊的技能殺死歌利亞而聞名。多那太羅的《大衛》表現了當年輕的大衛殺死巨人後踩在他頭上時勝利的喜悅和驕傲。大衛的形象不僅與人體比例正確，而且線條優美流暢，顯示了多那太羅塑造人體的高超技巧。
米開朗基羅的《摩西》(大理石，高2.55米，1545，收藏於羅馬李文科教堂)
這是米開朗基羅最著名的雕像之壹，最初是為教皇朱利葉斯二世的墳墓建造的。摩西是古代以色列民族的政治和宗教領袖和立法者，在基督教聖經中具有傳奇色彩。他帶領以色列人擺脫了埃及法老的奴役，在上帝的授意下與人民壹起制定了壹部法律，也就是摩西十誡。他是壹個理想化的英雄。米開朗基羅對這壹人物的選擇，既體現了他對古代英雄的崇敬，也寄托了他對新時代英雄的期待，即希望意大利出現摩西這樣的英雄，以統壹處於分裂狀態的祖國。因此，他所創造的摩西就像壹個大力士壹樣強壯，全身都蘊含著無窮的能量。他頭上代表智慧之光的兩只角和垂在胸前的美麗胡須都是為了突出這位神話英雄的神奇和偉大。摩西深邃的目光和正直的精神，以及他右手緊緊護住象征摩西十誡的石板，意味著他對捍衛人民利益的忠誠和信心。至於對極其復雜的服裝線條和紋理的處理，以及對摩西手臂肌肉和紋理的刻畫，人們完全忘記了這是冰冷的大理石，而是活生生的血肉，這充分顯示了米開朗基羅高超的雕刻技藝。
西斯廷教堂天花板畫(壁畫，36.54× 13.14m，約480㎡，1508 May-1512 10，收藏於梵蒂岡西斯廷教堂)。
西斯廷教堂的天花板畫是米開朗基羅繪畫創作中最偉大的傑作。它分布在教堂整個長方形大廳的屋頂上。整個屋頂長36.54米，寬13.14米，平面480平方米。但由於屋頂的拱形結構，畫面略有彎曲，實際面積約500平方米，是藝術史上最大的壁畫之壹。
米開朗基羅畫西斯廷教堂天花板的任務最初是因為嫉妒的建築師布拉曼特(1444 —1514)的想法而提出的，他試圖讓缺乏繪畫經驗的米開朗基羅當眾出醜，達到貶低米開朗基羅的目的。所以當教皇堅持讓米開朗基羅承擔這個創作任務的時候，他真的覺得很尷尬。但意誌堅強的米開朗基羅勇敢地接受了這項富有挑戰性的創作任務。他很快將最初的悲憤轉化為創作的激情，拒絕助手的配合，獨自站在18米高的腳手架上作畫。經過四年極其艱苦的工作，他終於出色地完成了這壹宏偉的創作任務。
起初，米開朗基羅對這幅壁畫的設計比較簡單，只是在屋頂周圍畫了壹些基督教先知和聖人，在中心用圖案裝飾。後來經過反復考慮，決定以這座教堂宏偉的建築結構為框架，將整個長方形大廳的屋頂分成兩部分，中央部分和四周部分，都繪有基督教的宗教故事和人物。其中，宗教故事以基督教《創世紀》為藍本，即上帝創造世界的故事。因此，西斯廷教堂的天花板畫也被稱為創世紀壁畫。根據基督教《創世紀》的傳說，上帝在六天內創造了世界:第壹天是為了分離宇宙中的光明和黑暗；第二天，水變成了天上的水和地下的水。第三天，土地和各種植物被創造出來；第四天創造了太陽、月亮和星星；第五天，創造了鳥和魚；第六天，創造了各種動物，有男有女。在此基礎上，米開朗基羅創作的天頂畫增加了“亞當和夏娃被趕出天堂”、“洪水”等情節。根據整個屋頂的平面劃分，分別繪制為“神分黑暗”、“神分日月”、“神分水陸”、“創造亞當”、“創造夏娃”、“誘惑與逐出樂園”、“挪亞獻祭”、“洪水”、“挪亞醉酒”。建築框架周圍的拱門墻壁上繪有12男女先知，四角繪有摩西、大衛等故事。建築構件和縫隙上還畫著各種少年的形象。整幅壁畫中栩栩如生的人物多達343個，大部分都比真人大，有的甚至是真人的兩倍。真的很宏大，很多彩。這幅壁畫公開展出後，被公認為史無前例的作品。由於米開朗基羅四年在高海拔地區仰面作畫，脖子都僵硬了，以至於看書寫信都要仰頭，其辛苦可想而知。
壁畫中的人物雖然很多都是宗教人物，但他們並不是基督教所宣揚的順從的奴隸和罪人，而是有著強健的體魄和堅強的意誌和力量，這說明米開朗基羅用人文主義的思想來表現這些宗教人物，並把自己對英雄的崇敬和理想的不斷追求托付給他。所以這幅作品表現的是米開朗基羅對宗教傳說的再創造，而不是上帝創造世界的虛幻傳說。
米開朗基羅創作的亞當(天頂畫《創世紀》，1508 —1512)
這是米開朗基羅著名壁畫《創世紀》中的壹幅畫。亞當是基督教傳說中人類的祖先。他是上帝按照自己的形象用塵土做成的人，然後把生命吹進鼻孔，成為壹個有靈魂的活人。我們在這裏看到的是上帝賜予亞當生命的場景。圖中左邊的亞當雖然已經成型，但由於缺乏生命，無法站起來，只能側躺著。為了給亞當生命，上帝正把他的右手指向亞當，並將觸摸亞當的手指，給亞當生命。亞當即將站起來，他強壯的身體似乎正在產生無窮的力量，壹個頂天立地的巨人即將站起來。這裏的亞當，與其說是宗教傳說中的人物，不如說是米開朗基羅對人的健美、力量和智慧的贊美，對人的覺醒的渴望。
拉斐爾的《椅子上的聖母》(意大利)(木質油畫，直徑71cm，1515，佛羅倫薩·貝蒂藝術收藏)
拉斐爾(1483-1520)與達芬奇、米開朗基羅壹樣，是文藝復興全盛時期偉大的意大利藝術家，被稱為意大利文藝復興“三大大師”。他比比達·芬奇小30歲，比米開朗基羅小8歲。他雖然只活了短短的37歲，卻善於吸收包括達芬奇、米開朗基羅在內的藝術前輩的長處，創造了壹個被後世古典主義者奉為典範的理想而美好的藝術世界。他的重要代表作品有《椅子上的聖母院》、《西斯廷聖母像》和壁畫《雅典學院》。
《椅子上的聖母》是拉斐爾聖母雕像系列中最精美的作品。在這部作品中，壹位慈祥善良的母親取代了聖潔莊嚴的聖母。她像壹個普通的母親壹樣，把孩子耶穌抱在膝上，用臉頰靜靜地親吻孩子，從中可以感受到母親的溫暖。據說這幅畫中的聖母像是拉斐爾根據他的情人費爾南德斯創作的。拉斐爾通過對戀人的描寫，塑造了壹個理想美的典型形象。
在這幅作品中，拉斐爾嚴格遵循了中世紀以來基督教繪畫的許多傳統規則，例如，畫在頭上以顯示聖母瑪利亞神性的光圈，小耶穌旁邊象征他小聖約翰身份的手杖(聖約翰作為牧童預言了基督的到來，牧童使用的手杖暗示了小聖約翰的身份)， 而聖母瑪利亞的紅色外衣被披上了藍色的外衣(按照基督教的說法，紅色象征著天堂的愛，藍色象征著天堂的真理)，同時，拉斐爾自己的創作，比如聖母瑪利亞頭上的光圈，從中世紀的金色圓盤變成了看似虛無的圓形，與整個畫面自然和諧。 再比如，根據基督教，聖母瑪利亞的外衣需要披上藍色的外衣。拉斐爾是這樣對待他們的:聖母瑪利亞的藍色外衣被完全脫下，蓋在她的膝蓋上，而紅色外衣的袖子則暴露在抱著嬰兒耶穌的手臂上。
值得註意的是，聖嬰耶穌所在的位置正好在紅色和藍色這兩種亮色之間。小耶穌的衣服是黃色的，在畫面上形成了紅黃藍的對比和和諧效果。同時在紅藍之間加入了壹大片黃色，為畫面增添了豐富的色彩。
此外，拉斐爾在處理這幅圓形畫作的構圖時，表現出了獨特的構圖技巧。比如現在我們看到聖母瑪利亞坐在有靠背的椅子上的姿勢:左膝，也就是小聖約翰胸前的膝蓋，高高舉起，這是現實生活中非常不舒服、不自然的姿勢。但是人們在看畫的時候，並不太關註這個。這主要是因為聖母左膝以上的聖約翰頭吸引了人們的註意力。如果妳用手指捂住聖約翰的頭，妳會立刻發現妳的左膝蓋從圖片中不自然地突出來。人們還會認為，如果左膝擡得這麽高，左腿壹定是踩在什麽東西上，看起來比右腿高。但是聖母只是把孩子抱在她低矮的右腿上。妳這輩子壹般不會這樣。而這些都是為了滿足循環構圖的需要，而且這些不容易被察覺，讓人感覺不自然。這就是拉斐爾的匠心。
雅典學院(意大利)拉斐爾(油畫，底寬8.2m，制作於1509-1510，保存於梵蒂岡博物館)。
這是拉斐爾在梵蒂岡簽署法令的大廳裏為教皇繪制的四幅大型壁畫之壹，也被稱為哲學。它以古希臘著名哲學家柏拉圖創立的雅典學院為主題，以柏拉圖及其弟子亞裏士多德為中心，描述了古希臘以來各領域的50多位著名學者，以此來贊美對智慧和真理的追求以及人類的創造力。畫面中央的柏拉圖和亞裏士多德，壹個手指指向天空，另壹個右手指向眼前的世界，以示不同的哲學觀:柏拉圖的唯心主義和亞裏士多德的唯物主義。以他們兩個為中心，兩邊畫了壹些著名的學者，比如臺階下右邊那個正彎腰拿著圓規畫圓的禿頂老頭，是著名的幾何學家歐幾裏德(有人說是阿基米德)。人物栩栩如生，他們的活動和動態統壹在為了尋求真理而自由辯論的崇高主題中，沒有任何雜亂無章。整部作品構圖十分宏大，畫面層次分明，人物聚散，疏密適宜。三層拱門作為背景，不僅在畫面中表現出強烈的縱深感，也加強了整幅畫的宏偉。在色彩處理上，乳黃色的背景和人物服裝的紅、黃、白、紫相互交織，層次分明，非常和諧。
(尼德蘭)凡·埃克的根特祭壇畫的主體部分(木質油畫，主體部分高3.5米，寬2.5米，1426-1432，收藏於比利時根特的聖巴文大教堂)。
這是歐洲油畫史上的重要作品，因為這是第壹幅用創新油畫材料繪制的傑作。在範艾克兄弟對油畫材料和技法進行改革之前，歐洲油畫實際上是壹種蛋彩畫，即把顏料和蛋黃用水混合在壹起進行繪畫。這種材料不耐潮，色彩效果差。有些人試圖進行改革，但失敗了。直到範·埃克兄弟在實踐中首次發現效果理想的含油溶劑配方(很可能主要是正確使用樹脂)，才取得突破。因為當時的繪畫技法僅限於師徒間的秘密傳授，所以這種新技法壹直不為人知。所以後世對這種手法還是眾說紛紜。但它的實際效果早已被實踐所證明，所以藝術史上常說，凡·艾克兄弟是油畫的發明者。從這幅作品的畫風來看，荷蘭畫家與意大利畫家最大的區別在於畫家刻意追求描寫的真實性，無論是大處還是細節的描寫都極其精細。他們細致入微的描寫能力和嚴謹誠懇的風格可以說是前無古人。
祭壇畫是壹種類似中國屏風的立在祭壇上的宗教畫。有多種形式，單幅、有翼三合壹、多幅拼圖等。根特祭壇畫是後壹種形式的巨作，共有26幅。課本上選的是它的主體部分，* * *四張圖。上半部分中間是基督像，左右分別是聖母像和聖約翰像。下半部分是整幅畫的主題部分(此畫原名《羔羊崇拜》)。羔羊是基督的象征，所以許多信徒崇拜它。有趣的是，莊嚴的宗教儀式在美麗的大自然中舉行，體現了畫家對大自然的熱愛。這在過去基督教的宗教繪畫中是很少見的。
Jan Van Ecker創作的Arnofini夫婦肖像(木質油畫，82×60 cm，1434，現存於倫敦國家美術館)
揚·範·埃克(約1390-1441)和他的兄弟胡·範·埃克(約1370-1426)在藝術史上合稱為“範·埃克兄弟”，是文藝復興時期的倪。揚·範·埃克博覽群書，富有研究精神。“盡力而為”是他的藝術座右銘。細致的觀察和描寫，註重人物的刻畫，註重空間構圖的處理和光色的表現，是他的藝術特色。他最著名的代表作《阿諾菲尼夫婦畫像》體現了他的藝術成就和特點。
油畫《阿諾菲尼夫婦的肖像》是世界藝術史上的重要作品之壹。首先是用改革後的油畫材料和油畫技法畫出來的。畫中很多場景都描寫得很好。比如房間裏經過精心打磨的銅燭燈的金屬質感，男人用天鵝絨做的厚重貴族袍，狗的硬毛，都非常逼真自然。其次，這部作品的表達方式新穎獨到。這主要表現在以下幾個方面:(1)這種男女通體雙像是前所未有的；同時這幅畫像的背景是非常真實的室內場景，這也是不多見的；另外，這對情侶的儀式姿勢可以想象成壹種正在舉行的儀式，即正在舉行婚禮，這也是前所未有的。當然，在這部作品中，也保留了許多中世紀藝術中使用的象征手法，比如脫鞋表示婚姻，床作為婚姻的象征，窗邊的橙子作為生育的象征，小狗作為對愛情忠誠的象征，新娘的白色頭巾作為純潔的象征；綠色長袍象征生育；紅色的窗簾代表和諧，室內的吊燈和燭光象征上帝之光，墻上的圓形鏡子代表基督教所宣揚的天堂，掛在鏡子旁邊的念珠是藝術中常用的忠誠的隱喻，吊燈上的蠟燭常用於宣誓儀式，尤其是婚禮。另壹個引人註目的是畫中的壹面小圓鏡和畫上的簽名。
這種小圓鏡不僅是基督教所宣揚的天堂的象征，也是重要的室內裝飾，更是畫家拓展畫面空間、增強藝術表現力的手段。也就是畫家通過這個小圓鏡，把新人和看婚禮的人的背影畫出來。小圓鏡周圍有10幅小畫，再壹次向我們展示了尼德蘭繪畫對細節的關註和工筆的畫風。畫上的簽名是畫家自己寫的。上面寫著:“揚·範·埃克在此，1434”。畫家之所以特意留下這樣的簽名，其實是為了讓這幅描繪婚禮儀式的作品具有結婚證的價值。因為揚·範·埃克和主角阿諾菲尼是好朋友，所以阿諾菲尼邀請揚·範·埃克創作這幅畫，實際上是讓畫家充當了自己的見證人。所以，無論從哪個方面來說，這都是壹幅非常具有原創性的風俗畫肖像。
丟勒四使徒(木油畫，215× 75cm，1523 —1526，慕尼黑舊畫展收藏)。
丟勒(1471 —1528)也是歐洲文藝復興的傑出代表之壹。他是當時德國最傑出的版畫家和油畫家，在工程技術上也有重要的創造。在美術方面，他壹生創作了許多木刻、銅版畫和油畫。他的油畫《四使徒》(又譯《四聖人》)是他晚年最重要的代表作。畫家創作這幅作品時，德國農民戰爭(1524-1525)剛剛結束。畫家試圖通過描繪當時流行的新教所認為的四位聖徒，即約翰、馬太、保羅和凱爾(從左至右)，來表達他對祖國命運的深切關註和要求正義、譴責邪惡的思想。所以在四使徒之壹約翰的形象上，直接采用了德國宗教改革中傑出活動家米蘭·赫頓的肖像特征。聯系到這幅作品塑造的不屈不撓的人物形象和這幅作品懸掛的地方——紐倫堡市政廳，就能體會到畫家創作這幅作品的真正意義。此外，從這部作品中，我們還可以看到丟勒藝術的壹些重要特征，即造型紮實、線條渾厚、構圖嚴謹、神韻巨大。
成就和意義
文藝復興雖然以學習經典為特征，但絕不是簡單的復古。本質上是通過學習經典來創造新文化。希臘和羅馬的古典藝術由於中世紀的長期破壞，已經相當不完整。雖然經過大力恢復，但收入仍然有限。但是，文藝復興時期的人們並沒有簡單地模仿經典，而是采納了它們的精神。
古典藝術的具體形式具有啟發性，但更重要的是理解古典社會的現實方法和民主思想。中世紀教會控制的藝術基本不現實，宗教神學包羅萬象；反封建的文藝復興新藝術主要以貫徹現實主義和體現反對宗教禁欲主義的人文主義為目標，而正是在這兩個方面，古典藝術成為了新藝術的良師益友，因此，文藝復興藝術中的古典主義研究不同於其他時代的復古和仿古傾向。也不同於中世紀藝術中偶爾出現的個別使用古典形式的現象，與此相關的是，從現實主義的本質特征來看，西歐壹些早期文藝復興時期的美術(如荷蘭的美術)在研究經典方面應該是同樣發達的。
它被認為是新藝術的傑出代表。
文藝復興藝術的現實主義方法和人文主義思想在創作實踐中緊密結合。人文主義強調人性的崇高和身心的全面完善，重視世俗的現實生活，反對神學權威和封建特權。新藝術創作中真實完美的人物形象和生動豐富的現實場景最能體現這壹思想，產生最廣泛最強烈的反響。在當時的特定條件下，新藝術的創造是更容易被大眾和新興資產階級接受的文化形式，所以藝術成為文藝復興文化最受歡迎的代表，成就最為豐富。文藝復興藝術作為西方現代藝術的源頭，其基本風格和表現手法構成了西方現代藝術的主要傳統，影響深遠。在造型藝術方面，它以寫實傳真為主要任務，在科學理論和實踐考察的基礎上創造出人體解剖、透視規律等表現手法，使其達到繼古典藝術之後的新的高峰，在風格和技法上與東方藝術和近代以前的壹切藝術有著本質的區別。在建築藝術方面，它以恢復古典建築傳統為首要任務，同時註重建築美學的理性規律，從而為延續數百年的西方現代建築奠定了典範。在社會身份和專業教育方面，文藝復興時期的藝術家也經歷了從中世紀到現代的演變。14 ~ 15世紀期間，藝術家被組織成行會，相當於手工藝人，學習技藝也采取作坊師徒的形式。
從16世紀開始，藝術家成為現代知識階層的壹員，行會成為社團或藝術學院，藝術家的個性、個人才華和風格特征得到認可。藝術家傳記和評論
而藝術史的研究也是從這個時候開始出現的。