隨手翻開壹本時尚雜誌，呈現在我們眼前的是壹幅又壹幅絕美的攝影作品。但是
在百年前，時尚雜誌從封面到內頁都是以插畫的形式為我們呈現當時的時裝風貌
。Vogue直到1932年才出現了第壹張全彩攝影封面，也就是說，在此之前，時尚雜誌中的圖畫是由插畫師用畫筆勾勒而成。
所以
時裝插畫往往是畫壹些已經被設計出來的衣服
。時裝插畫師有自己的創作風格，同壹件服裝，不同插畫師所描繪出的效果是不同的。
在攝影技術日漸發達的今日，我們已經很少有機會看到時裝插畫了。
今年國內的Vogue五月號中有壹個關於“時裝插畫”的話題，采訪到了時裝插畫師JackyMarshall。上世紀90年代，Jacky在CK、DKNY等品牌擔任設計師，後來他毅然決然轉向插畫，成為社交媒體時代時裝插畫的領軍人物。
時裝插畫是壹種藝術形式，雖然現在已經不是時尚領域的主流，但由於網路的發達、社交平臺的崛起，時裝插畫師們的作品也有了更多的展示機會，以及讓更多人看到的可能。
如今時裝插畫不再是刊登雜誌，為人們講解時裝風格，所以創作時可以更加隨意、隨心。
如果妳熱愛時尚、熱愛繪畫，那將兩者結合起來創作不失為壹個很好的選擇，做壹名自由時尚插畫師，將作品發布到社交平臺上，相信妳的才華會得到認可。
服裝設計比時尚插畫更復雜，與繪畫也有壹定的聯系。
服裝設計師在
設計服裝時，會先用畫筆把想法呈現在紙上，即設計草圖
。設計草圖是為接下來的設計過程而服務的
，不用像時尚插畫那樣考究和規範，甚至可以有些抽象，重點是展現出設計的要點。當然也不乏壹些繪制精美的草圖。
設計草圖繪制完成之後還有立裁、打版、制作樣衣等等壹系列復雜的工序，這過程中還要和各相關部門進行商討、反復修改，達到理想效果之後才能投入成衣制作。
進行上述工作的基礎是要掌握大量專業知識，外行人難以想象設計師工作的復雜。
服裝設計是設計師對衣服的設計，把自己的設計想法用色彩畫在紙上，即時裝效果圖，是在做成成衣之前的壹種效果展現和預想。
時裝插畫是在時裝效果圖的基礎之上發展而來的。最早的插畫大多出現在時尚的LookBook中，相比攝影這種能用色彩和黑白展現任何壹個幻想的表達手段，時尚插畫，更像是壹種徘徊於時裝設計與非時裝設計的間隙中的另壹種對流行時裝的即興描繪方式，正如法國著名的插畫家JeanPhilippeDelhomme所說：時尚插畫更像是壹種接近於“街頭詩歌”的藝術。
時裝插畫：那個有著500年歷史的”時尚女魔頭“時裝插畫已經存在了將近500年，自從有了衣服以後，就需要將設計衣服的思想或形象轉化為時裝插圖。這種視覺形式起源於插畫，繪畫和油畫，也被稱為“時裝素描”。時裝設計師主要使用“時裝素描”在紙上或數字方式上集思廣益，它在設計中的主要作用是在縫制實際衣服之前可以預覽和可視化最後的結果。接下來，我們就分階段的看壹下時裝插畫這個有著500年歷史的”時尚女魔頭“有著怎樣的歷發展進程。壹.時尚插畫的開始時裝插畫始於16世紀，當時全球的探索和發現導致人們對世界各個國家的人們的著裝而著迷。印制了說明不同社會階層和文化適合穿著的書籍，以幫助消除對變革的恐懼和這些發現所造成的社會動蕩。在1520年至1610年之間，出版了200多種這樣的版畫，蝕刻版畫或木刻作品集，其中包含穿著特定國籍或等級的人物的圖板。這些是最早的服飾插圖，也是現代時裝插圖的原型。這些插圖很可能會被禮服設計師，裁縫師，及其客戶所使用，以激發新的設計靈感。十七世紀的藝術家雅克·卡洛（JacquesCallot）和亞伯拉罕·博斯（AbrahamBosse）都使用現代雕刻技術來制作逼真的時代服裝和服飾細節。這些期刊從1670年代開始在法國和英國開始發行，被認為是第壹本時尚雜誌，其中包括LeMecureGallant，TheLady'sMagazine，LaGalleriedesModes，LeCabinetdesModes和LeJournaldesDamesetdesModes。在此期間，出版期刊的數量有所增加，這是對市場中越來越渴望了解最新時尚新聞的女性讀者的反應。直到在18世紀末和19世紀初，男性風格的插圖才變得與女性插圖同樣重要。二.十九世紀的時尚圖樣（Thefashionplate)時裝圖樣(Thefashionplate)在18世紀後期獨占鰲頭，在巴黎風靡壹時，期間諸如HoraceVenet的《IncroyablesetMerveilleuses》等出版物，以及在拿破侖壹世時期的喬治·雅克·加丁（Georges-JacquesGatine）雕刻的壹系列水彩時裝圖都名噪壹時。法國作為時尚仲裁者的地位確保了國內外對時尚插畫的不斷需求。這種對流行服飾的興趣以及對流行服飾的獲取日益廣泛，導致在19世紀出現了150多種時尚期刊。這些高度詳細的時裝插圖捕獲了時裝趨勢的信息，並提供了壹般的制衣指導。高級服裝定制也是這個階段出現的（出現在1860年代），時裝公司聘請了插畫家，他們將與女裝設計師直接合作，設計師將織物掛在現場模型上時，插畫家則會勾勒出新設計的草圖。他們還會在完成的系列中繪制每個設計的插圖，然後可以將其發送給客戶。到19世紀末，手工彩色印刷被全彩色印刷所取代。時裝圖樣開始使用兩個人物，其中壹個人物可以從背面或側面看到，以便可以從更多角度看到服裝，從而使復制更加容易。19世紀插畫家的重點是準確性和細節性。他們遵守靜態的圖像約定，以便為觀看者提供全面的信息和指導。三.二十世紀的時尚雜誌和插圖二十世紀初期的幾十年來，現代意義上的時裝插畫首次開花。隨著最新時裝樣式的發行變得越來越有利可圖，時裝插畫師的工作成為壹種職業。時尚以前是單個藝術家的作品，現在正成為壹個行業，以前所未有的數量生產新商品，以填補百貨公司的空缺。這些商店發明了壹種新的全名消遣方式-購物文化。法國奢侈雜誌《憲報》（Gazettedubonton）於1912年至1925年出版，匯集了壹群年輕藝術家，他們在詮釋時尚方面獲得了前所未有的自由。伊裏貝（Iribe）是這些時尚插畫家之中的領軍人物，為著名的出版物做出了貢獻，其中還包括查爾斯·馬丁（CharlesMartin），愛德華多·加西亞·貝尼托（EduardoGarciaBenito），喬治·巴比耶（GeorgeBarbier），喬治·勒帕佩（GeorgesLepape）和翁貝托·布魯內萊斯基（UmbertoBrunelleschi）。他們為《憲報》制作的印版展示了日本木刻版印刷品的影響，以及裝飾藝術風格新的變化。在美國，大眾市場時尚雜誌《Vogue》和《Harper'sBazaar》涵蓋了社交場合以及當代服裝的流行趨勢。Harper'sBazaar雜誌與鬼才埃特（Erte）簽訂了獨家合同，該合同從1915年持續到1938年，是出版歷史上最長的合同之壹。從1910年到第二次世界大戰爆發，《Vogue》雜誌的封面始終帶有插圖。Vogue的早期封面展示了由美國插畫家海倫·德萊頓（HelenDryden），喬治·沃爾夫·普朗克（GeorgeWolfPlank），喬治·勒帕佩（GeorgesLepape），萊恩德克爾(F.X.Leyendecker)創作的藝術品。第壹次世界大戰後，歐洲藝術家加入了他們的行列，其中包括愛德華多·貝尼托（EduardoBenito），查爾斯·馬丁（CharlesMartin），皮埃爾·布裏索（PierreBrissaud）和安德烈·馬蒂（AndreMarty）。四.時尚插畫的黃金時代1920年代到1930年代代表著時裝插畫的“黃金時代”。每個商業藝術家都被認為是時裝藝術家，都是完美的繪圖員。許多人能夠憑權威和信念來代表織物的質地，光澤甚至重量。攝影和印刷的新技術發展開始將照片的復制直接放置在雜誌的頁面上，這意味著時尚圖樣不再是現代生活的代表。到1930年代初，照片開始成為雜誌的首選，Vogue雜誌在1936年報道說，攝影封面的銷售情況更好，插圖開始被放入到內頁。隨著1929年股市崩盤後的經濟衰退，美國時裝業對巴黎時裝的依賴程度有所降低。在兩次世界大戰期間，美國的服裝制造取得了長足的進步，改進了大規模生產方法並標準化了尺碼。中產階級婦女依靠熟練的裁縫師以負擔得起的價格可以購買最新的時裝設計，而諸如Vogue和Women'sJournal這樣的雜誌出版的圖案對於家庭裁縫師來說是無價的。Vogue雜誌的主要目的是盡可能向讀者展示時尚，攝影使插畫家擺脫了對服裝進行精確記錄的需求，而更傾向於詮釋時髦的服裝。據該雜誌的出版商抱怨說：“藝術家們主要是對獲得有趣的圖畫和裝飾效果感興趣，他們被忠實地報道當代時尚精神的任何事情所累，因此感到無聊。”迪奧在1940年代後期的“NewLook”為戰後時尚復興提供了靈感。從許多方面來說，這是壹種倒退的風格，回到過去而不是對未來進行展望，但它也象征著回到更加開朗，樂觀的時代。五.時尚插畫的毀滅與復興到1950年代，時裝編輯已經將更多預算用於攝影的編輯傳播。隨後將時尚攝影師提升為名人，這意味著插畫家必須滿足於制作內衣和配飾的文章，或從事廣告活動。1960年代，時尚插畫在雜誌出版業中的地位不斷消失，這壹趨勢在面向青年的青少年雜誌的新類別中有所體現，1960年代發行了許多此類雜誌，所有這些插圖都將插畫作為攝影的廉價替代品。安東尼奧·洛佩茲（AntonioLopez）是這期間唯壹在Vogue雜誌上定期亮相的藝術家，他的職業生涯始於《女裝日報》。在20世紀下半葉，時裝插圖壹直難以生存，直到1980年代才開始復興。新壹代藝術家在諸如LaModeenpeinture（1982），CondeNast’sVanity（1981）和Visionaire（1991）之類的雜誌中都有發行。這種復興歸功於廣告活動，特別是Barney在1993-1996年的紐約廣告活動。六.今天的時尚插畫介於精美藝術和商業藝術之間，時裝插畫在最近被重新評估為壹種重要的流派。由於美麗和優雅在時尚和藝術領域都已過時，因此時尚插畫有時看起來像是回到了更早的時代。攝影術非常擅長記錄服裝的詳細信息，因此插畫家的重點不再是服裝的精確呈現，而是解釋服裝和可能的穿著者。在二十世紀末和二十世紀初，由於數字工具和社交媒體平臺的支持，它發展出了壹系列獨特的藝術風格。1990年代，先驅插畫師EdTsuwaki，GrahamRounthwaite，JasonBrooks和KristianRussell等在計算機繪圖領域開始興起。這壹時期見證了計算機設計程序AdobePhotoshop和Illustrator的出現，也見證了傳統的基於藝術的時裝插畫形式的復興。紐約的帕森斯設計學院和FIT學院開始提供插圖作為其時裝課程的專用元素。手工制作的“傳統”插圖壹直在復興，時裝插畫家經常回望過去的大師，尋求風格靈感。以經典方法為基礎的時裝插圖已成功地與更現代的流程所創造的插圖相得益彰。最近，插圖通過時裝設計師和插畫家之間的合作而流行。隨著社交媒體的使用，時裝插畫家開始引起人們的關註。時尚插圖充滿活力色彩，錯綜復雜的圖案和無窮無盡的個性，給人留下深刻的印象。歡迎圍觀公號『繪實踐』，可免費領取插畫師繪畫秘籍大禮包，了解世界商業插畫價格行情。服裝設計中常見的插畫的藝術風格有哪些？可以詳細說說嗎？1.波普風格
波普風格的插畫藝術出現、流行於20_蘭50_甏吶分薜厙饕ü桃狄帳醯拇醋魘址ǎ緯扇諍洗籩諼幕膁桃狄帳醯娜亂帳醴綹瘛M保ㄆ輾綹裰邢嘍願淶目ㄍㄐ蝸蟆⒈ㄖ槳婊問郊壩哪謀曖錚餐槌啥朗粲誆ㄆ輾綹竦奶厴也ㄆ輾綹竦囊帳跣苑淺G_3]。安迪·沃霍爾是在服裝設計領域中對波普風格拓展貢獻最為傑出的人物之壹，首次開創了紙質、塑料、人造皮為服裝制作基礎材料的先河，並且在其插畫作品中包含了顛覆傳統的設計理念，具有色彩鮮艷、設計理念前衛及選色大膽等鮮明特點。直至今日，波普風格的插畫仍保留與安迪·沃霍爾較多的相似之處。
2.抽象風格
通常，抽象風格的作品普遍以幾何化的點線面、圓形、三角形、正方形為主體進行深入創作，在創作風格上具有典型的抽象性特點。蒙德裏安是抽象風格作品中相對成功的早期人物之壹，其抽象風格的創作方式較為獨特，側重利用形式多樣的矩形圖案作為插畫內容，且此類插畫藝術形式對抽象風格的影響深遠。以法國著名抽象風格服裝設計大師創作的作品《紅黃藍》為例，此作品深受蒙德裏安抽象風格的啟發，選擇多種顏色的線條、三角形、長方形，給予廣大受眾獨特的藝術欣賞體驗感受，並賦予作品強烈的視覺沖擊感及新奇感。
3.具象風格
具象風格不同於上述提到的兩種風格，其圖形特點普遍寫實且逼真。再者，具象風格作品對線條的展現相對直接，可進行裝飾性的泛化、誇張及變形處理，從而提高作品的色彩感，突出作品的簡潔性及精致性。以意大利著名服裝設計師繆西亞·普拉達為例，曾擁有將插畫直接用在服裝設計創作的實力，可以將插畫作品布滿在服裝設計作品當中，且其作品側重精心細膩化創作人物造型，突出作品的色彩及絢麗感[4]。此外，具象風格中線條展示相對飄逸，可以給予受眾心理如夢如幻的體驗感受，尤其是應用在服裝設計當中，能有效提高設計作品的精巧程度，賦予設計作品靈動的美感。