前奏曲(Prelude)：是壹種自由結構的短曲，常放在具有嚴謹結構的樂曲或套曲之前作為序引。如巴赫的《平均律鋼琴曲集》。
練習曲(Studi)：分為兩種：（1）壹種為樂器演奏的技術訓練而創作的樂曲，常有特定的技術上的目的，如車爾尼；（2）壹種為音樂會練習曲，由前者派生出來，並逐漸演變為壹種炫技性的藝術作品，如肖邦，李斯特，德彪西，斯特裏亞賓等。
波蘭舞曲(Polonaise)：最初是為貴族的沙龍用作伴奏之用的，後來被城市作曲家移植到鋼琴音樂中。肖邦筆下的這種體裁是三拍子，中速的，形式上對稱嚴謹，有渾厚的鋼琴織體。
奏鳴曲(Sonata)：壹種多樂章的器樂套曲，也稱“奏鳴曲套曲”。由三、四個相互形成對比的樂章構成，用壹種樂器獨奏或壹種樂器與鋼琴合奏，其中各樂章的基本特點和曲式結構為：第壹樂章為快板，用奏鳴曲式；第二樂章為慢板，用變奏曲式，復三部曲式或自由的奏鳴曲式；第三樂章為小步舞曲或諧謔曲，用復三部曲式；第四樂章為快板或急板，用奏鳴曲式或回旋曲式。
協奏曲(Concerto)：壹件樂器或兩件樂器與管弦樂隊競奏，Concerto壹詞兩意：壹為“競爭”；壹為“同心協力”。由此可看出協奏曲的特征。在第壹樂章的結尾部分設置有華彩段，強調獨奏演員的技巧。
16世紀出現教堂協奏曲，18世紀末獨奏樂器協奏曲基本定型，莫紮特創作了不同獨奏樂器的協奏曲，確立了沿用至今的協奏曲曲式結構。19世紀初，貝多芬運用叫鄉音樂的協作手法，將協奏曲的藝術水平提高到了壹個新的高度。協奏曲壹般由三個樂章組成，第壹樂章快板，采用奏鳴曲式，並常殿以華彩樂段；第二樂章多為抒情的慢板；第三樂章快板，壹般用回旋曲式或奏鳴曲式。第二和第三樂章之間，有時也插入華彩樂段。此外，也有單樂章的協奏曲作品。
交響詩(Symphoic poem)：壹種單樂章的管弦樂曲，由李斯特首創，他提倡將文學與音樂相結合，使用標題提示聽眾，李斯特創作了13首交響詩，其後有眾多作曲家運用這種體裁進行創作，如斯美塔納，理查?施特勞斯等。交響音詩、交響音畫、交響童話、交響幻想等都屬於此類。
交響曲(Symphony)：充分發揮各種預期的功能和表現力來塑造音樂形象，並以交響樂隊來演奏的大型套曲形式。
序曲(Overture)：歌劇、清唱劇、舞劇、其他戲劇音樂和聲樂、器樂套曲的開始曲。斯卡拉蒂——意大利式序曲；速度為快—慢—快；呂利——法國式序曲，速度為慢—快—慢；18世紀後古典主義序曲大多采用奏鳴曲的戲劇結構。19世紀浪漫主義音樂家把序曲發展成為壹種獨立的標題性管弦樂欣賞。
變奏曲：是對壹個音樂主題進行壹系列的變化和反復所構成的音樂作品。依變奏手法的不同可分為嚴格變奏曲（含固定低音變奏曲和裝飾性變奏曲兩種）和自由變奏曲兩類。變奏曲可以有壹個音樂主題，也可以有兩個音樂主題（即二重變奏曲）
華彩樂段：意大利正歌劇中獨唱者在詠嘆調處即興發揮的段落，後來在協奏曲樂章的末尾處常插用此段落，通常是由獨奏者壹人完成。華彩樂段的演奏比較自由，難度也較大，演奏者可在此充分發揮其演奏技巧及樂器的表現性能。華彩樂段最初是由演奏者即興表演，後來成為作曲家創作作品的組成部分。
組曲：由若幹相互對比的樂章連接而成的管弦樂曲或鋼琴曲，其中的各曲具有相對的獨立性，的國古典組曲通常由同調的阿庫薩基四首舞曲組成。近代組曲有從歌劇、舞劇、戲劇音樂或電影音樂中選出若幹段樂曲而輯成的，也有標題交響組曲等。
套曲：是包括若幹樂曲或樂章的成套器樂或聲樂曲，用套曲曲式結構。器樂套曲主要有古典組曲、近代組曲、奏鳴曲、交響曲、協奏曲和交響詩等，如斯交響詩套曲《我的祖國》。
古希臘音樂的形態特征(旋律、節奏、織體、調式體系)
旋律與節奏：古希臘的音樂是以詩、樂、舞三位壹體為主的音樂藝術（實際上萌芽階段的音樂藝術基本都是如此，音樂並不是以聲音的形式獨立存在的。如中國的“葛天氏之樂”）。其中詩的地位遠高於樂，所以旋律和節奏都受到歌詞抑揚頓挫和長短節奏的影響。
所謂的織體，可以分成三類，即單聲織體（只有壹條單旋律），復調織體（兩條或兩條以上的旋律同時出現），主調織體（也稱作和聲織體，即壹條旋律加上和聲）。古希臘和古羅馬時期的音樂藝術屬於極為初級的階段，因此還是單聲織體。
調式體系：此時的調式都是壹部落名稱為名，為八度或者雙八度音節從上至下排列，以四音列為基礎單位。在古希臘音樂理論家看來，每壹種調式都有不同的倫理特性，如亞裏士多德認為：多利亞調式是堅定、富於男子氣概的，弗裏幾亞調式是可以激發熱情的，利第亞調式則帶有感傷的意味。（有趣的是中國古代的音樂家所處的地帶與古希臘羅馬相距甚遠，二者沒有面對面的交流，但是也同樣認為音樂具有倫理特性……後來這種特性被人們所忽視，直到現在音樂治療的出現，人們才意識到音樂的這壹功能，雖然其重要性還沒有被廣泛地重視，我相信在不遠的將來，音樂治療這壹至今還沒有被重視的方式將會十分流行）。
古希臘主要的音樂體裁（各自的形式特征；與文學、宗教儀式、生活的關系）：
荷馬時代的英雄史詩（《伊利亞特》和《奧德修》等），宗教崇拜音樂（如太陽神和酒神頌歌），希臘悲劇和喜劇，獨唱抒情詩歌，競技比賽中的合唱（實質上並不是多聲的齊唱）及舞蹈音樂、器樂獨奏曲。
西方音樂以七弦琴(lyre)作為音樂的標誌樂徽。 七弦琴(lyre)，又名裏拉琴。
西洋音樂主要指歐洲的音樂，由於歐洲歷史上統治階層比較重視音樂，因此許多音樂家都得到資助和保護，發展出比較完善的音樂理論。目前西方的音樂理論在全世界的音樂界占有主導地位，歐洲音樂界發展的記譜法和作曲的程式得到世界的公認。
西方音樂分為以下8個階段：
1.古希臘羅馬時期的音樂
時間約為公元前3200年~公元400年。這部分的音樂資料只能從考古而來，從發掘出的繪畫、雕塑及少量流傳下來的詩歌文學與哲學著作可以進行了解，但幾乎是不可能聆聽與欣賞。有資料統計這壹階段殘存下來的樂譜還不到10件，但是從殘存下來的雕塑等諸多文化遺產可以看出曾經存在過的輝煌與成就，古希臘的大哲學家都曾對音樂進行過討論與研究，這被後人視為西方音樂之源。
在公元前12世紀~前8世紀荷馬時期的兩部史詩反映了古希臘的音樂文化。史詩本身既是文學作品又是音樂作品，它由職業彈唱藝人“阿埃德”用壹種叫基薩拉的樂器伴奏吟唱。
公元前776年，古代奧林匹克運動會開始舉行，在比賽時常伴有音樂，後來產生了音樂比賽。
公元前7世紀~前6世紀，斯巴達把音樂作為國事活動與教育的重要手段，使音樂得到了進壹步的發展。
公元前146年後，古羅馬征服希臘後，它的文化主要受益於希臘，同時又吸收了敘利亞、巴比倫、埃及等國的文明成果。
2.中世紀時期的音樂
西元476年羅馬帝國瓦解後，希臘、羅馬文明變趨衰微。 日耳曼人統治歐洲西半部，歷史上稱為“黑暗時期”，也就是“中世紀時期”。
教會是當時人們的生活重心，具有政治、經濟、文化的重要地位，藝術家在宗教中生存，因此當時藝術與宗教息息相關。
這時期的音樂活動受到基督教影響很大，音樂多以宗教儀式或歌唱頌歌為主，以功能為重，例如格雷果聖歌。 歌詞多是采自聖經。
特色是旋律高低起伏變化小，缺乏和聲基礎，表現樸實。
對中世紀音樂貢獻最大的是米蘭主教安布羅斯和教皇格裏高利壹世。
公元390年左右，安布羅斯推行對聖歌的雙聲合唱，引入和聲，並準許非僧侶、教士的俗人參與演唱。是教會音樂得以發展和普及。
公元590年-604年在位的教皇格裏高利壹世，編出壹套用於莊嚴禮拜的曲目，並用法律形式規定在祈禱儀式中必須有音樂，形成壹整套格裏高利聖詠，成為宗教創作的典範，後來又發展出記譜法，雖然尚沒有小節線和五線譜，但使用高低位置記譜的方法為五線譜的發明提供了基礎，這種記譜法只有四行線，每行前面有三個菱形譜號，結尾有壹個菱形譜號提示下壹行音高，基本是五線譜的雛形，但不能表示節奏。還成立了培養歌手的學校，在教會勢力範圍內大力推行音樂，使教會音樂在10世紀以前成為歐洲的主要音樂形式。
3.文藝復興時期的音樂
文藝復興時期約為公元1450-1600年，在中世紀“新藝術”的基礎上，更加追求人性的解放與對人的內心情感的抒發與表達。這時的音樂家在人文主義思潮的推動下，對復調音樂進行了發展和變革，聲樂與器樂逐漸分離而獨立發展。這壹時期五線譜已得到完善，印刷術也運用到曲譜上，這都使音樂的傳播更加便利和廣泛。這壹時期有以下幾個較有影響力的樂派：
尼德蘭樂派
主要音樂活動在尼德蘭的壹批音樂家。創作內容多為彌散曲與經文歌等宗教音樂，也有世俗音樂。代表人物有迪費、若斯坎、汴舒阿、奧凱格姆等。
威尼斯樂派
在1530-1620年間的壹個器樂樂派，其特點是音響氣勢寬廣宏大、對比效果鮮明。創作內容有銅管樂與弦樂的重奏曲、管風琴的前奏曲、幻想曲與托卡塔等。代表人物有維拉特、A.加布裏埃利等。
羅馬樂派
此時期的壹個專門創作服務於宗教作品的樂派，以無伴奏合唱的形式為主。代表人物有帕萊斯特裏納、G.M.納尼諾、F.索裏亞諾等。
4.巴洛克音樂
巴洛克音樂指歐洲在文藝復興之後開始興起，且在古典主義音樂形成之前所流行的音樂類型，延續期間大約從1600到1750年之間的150年。
巴洛克（Baroque）壹詞來源於葡萄牙語“Barocco”，意指形態不夠圓或不完美的珍珠，最初是建築領域的術語，後逐漸用於藝術和音樂領域。在藝術領域方面，巴洛克風格的特征是精致細膩的裝飾以及華麗的風格，造成這種現象的主因，是因為巴洛克時期是貴族掌權的時代，富麗堂皇的宮廷裏奢華的排場正是新的文化以及藝術的發展中心，而這個大環境的改變也直接的影響到了音樂家的創作。十七、八世紀宮廷樂師所寫的音樂作品，絕大部分是為上流社會的社交所需而做，為了炫耀貴族的權勢以及財富，當時的宮廷音樂必定得呈現出炫耀的音樂以及不凡的氣度，以營造愉悅氣氣氛。
巴洛克音樂的特點是極盡奢華，加入大量裝飾性的音符。節奏強烈、短促而律動，旋律精致。復調音樂（復音音樂）仍然占據主導地位，大小調取代了教會調式，同時主調音樂也在蓬勃發展。於是復調的和聲性越來越明顯。復調在 J.S.巴赫時代發展到極致。
數字低音及即興創作是巴洛克重要的部分，並且管弦樂團編制尚未標準化。
5.古典主義音樂
古典主義音樂指的是1730－1820年這壹段時間的歐洲主流音樂，又稱維也納古典樂派。此樂派三位最著名的作曲家是海頓、莫紮特和貝多芬。
古典主義音樂承繼著巴洛克音樂的發展，是歐洲音樂史上的壹種音樂風格或者壹個時代。這個時代出現了多樂章的交響曲、獨奏協奏曲、弦樂四重奏、多樂章奏鳴曲等等體裁。而奏鳴曲式和輪旋曲式成為古典時期和浪漫時期最常見的曲式，影響之深遠直至二十世紀。樂團編制比巴洛克時期增大，樂團由指揮帶領逐漸變成壹種常規。現代鋼琴在古典時期出現，逐漸取代了大鍵琴的地位。
隨著法國大革命對社會造成的沖擊，作曲家的生計也受到影響，由最初依賴宮廷、教會供養轉變為獨立的經營者。
6.浪漫音樂
浪漫主義主要用於描述1830—1850年間的文學創作，以及1830—1900年間的音樂創作。
浪漫主義音樂是古典主義音樂（維也納古典樂派）的延續和發展，是西方音樂史上的壹種音樂風格或者壹個時代。
浪漫主義音樂比起之前的維也納古典樂派的音樂，更註重感情和形象的表現，相對來說看輕形式和結構方面的考慮。浪漫主義音樂往往富於想象力，相當多的浪漫主義音樂受到非現實的文學作品的影響，而有著相當大的標題音樂成分。浪漫主義的因素，則包含在從古至今的音樂創作當中，而不僅僅局限於某壹個時代，因為音樂創作本身，就是想象力的壹種表現，而浪漫主義恰恰是想象力的最佳體現。
貝多芬是古典主義音樂的集大成者和終結者，也是浪漫主義音樂的先行人，浪漫主義音樂拋棄了古典音樂的以旋律為主的統壹性，強調多樣性，發展和聲的作用，對人物性格的特殊品質進行刻畫，更多地運用轉調手法和半音。浪漫主義歌劇的代表是韋伯，音樂的代表是舒伯特。
浪漫主義音樂體現了影響廣泛和民族分化的傾向，在法國出現了柏遼茲，意大利的羅西尼，匈牙利的李斯特，波蘭的肖邦和俄羅斯的柴科夫斯基。浪漫主義音樂在瓦格納和布拉姆斯時代逐漸走入歷史。
7.現代音樂
現代音樂，也稱現代古典主義音樂（20th century classical music)，是指自1900年起至今，繼承歐洲古典音樂而來的壹個音樂紀元，音樂門派繁多，風格多樣。在此之前，現代音樂有兩大源流：古斯塔夫·馬勒與理察·施特勞斯的後浪漫樂派、和德布西的印象樂派。其分派下音樂種類更是繁多，包括了如布列茲的序列音樂、極簡音樂，Steve Reich和Philip Glass使用簡單三音和弦，Pierre Schaeffer的具體音樂，Harry Partch、Alois Hába和其他人的微分音音樂，還有約翰·凱吉的機率音樂。
在現代音樂之前，作為前繼者的歐洲古典音樂家如巴托克·貝拉、馬勒、理察·斯特勞斯、浦契尼、德布西、艾伍士、艾爾加、荀白克、拉赫瑪尼諾夫、普羅高菲夫、史特拉文斯基、肖斯塔科維奇、布瑞頓、柯普蘭、尼爾森等人。當時古典音樂也和爵士樂相互影響，有音樂家能同時在兩個領域作曲者如蓋希文及伯恩斯坦。
現代音樂壹個極重要的特點是開始有所謂傳統及前衛之分別，它們的音樂原則在壹方占極其重要性者，在另壹方往往不是那麽重要或不被接受。例如魏本、卡特、瓦瑞斯、米爾頓·巴比特等人對前衛領域有重要貢獻，但是，在此領域外就常常被攻擊。隨著時間，前衛的概念已經逐漸的被接受，兩個領域彼此之間的分野不再那麽壁壘分明，並且出人意表的，這些開拓性的技巧常常被流行音樂所引用：Beatles、平克·佛洛伊德、邁克歐·菲爾德、超脫樂團、電臺司令等等耳熟能詳的歌星，還有許多電影使用的配樂。
必須註意的是，這篇文章僅僅提領出二十世紀音樂的大綱，所提到的音樂家在壹個方面做出貢獻，並不代表他只在該領域發揮。例如史特拉汶斯基在他作曲家生涯的不同時期，他同時被認為是浪漫樂派、現代樂派、新古典主義、以及序列音樂的成員。
二十世紀的經濟和社會型態對音樂也有重大的影響力，世界在工業化時代有了逐漸進步的錄音和回放設備，從錄音帶到CD到DVD，有了廣播和電視，以及整個資本主義脈絡的內嵌。十九世紀的人大多自己創作音樂，或者在音樂會上聽到音樂。
8.新世紀音樂（英語：New Age music）又譯作新紀元音樂，是壹種在1970年代出現的壹種音樂形式，最早用於幫助冥思及潔浄心靈，但許多後期的創作者已不再抱有這種出發點。另壹種說法是：由於其豐富多彩、富於變換，不同於以前任何壹種音樂；它並非單指壹個類別，而是壹個範疇，壹切不同以往，象征時代更替詮釋精神內涵的改良音樂都可歸於此內，所以被命名為New Age，即新世紀音樂。